そう思ってるアナタ。
アナログ・レコードがハイレゾ音源だったことをご存知か？
前スレ：
少しは歌謡曲の話でも【御三家・三人娘】
ttp://mint.2ch.net/test/read.cgi/pav/1478948029/
少しは歌謡曲の話でも（プレイバックPart2）
ttp://mint.2ch.net/test/read.cgi/pav/1472355982/
少しは歌謡曲の話でも
ttp://mint.2ch.net/test/read.cgi/pav/1465126238
美空ひばりの童謡アルバムも素晴らしい
狸御殿風のご陽気でゴージャスなアレンジの童謡など実に素晴らしい
童謡を上手く正確に歌う歌手は数多おっても、スイングして歌えるのはひばりちゃんだけ？
いや、案外きゃりーぱみゅぱみゅが歌うとスゴイコトになりそうだｗ
水木一郎やささきいさお、堀江美都子
ささきいさおは今も歌謡曲カバーしている
沢田研二や布施明、岩崎宏美、八神純子、島倉千代子まで超豪華なメンバー。
最初お千代さんとヤマト？って思ったけど流石に聴かせる歌声で感激。レコード買ったらちゃんとオレンジ(アニメ用)だった。
あと意外に侮れないのが映画ドラえもんの主題歌。武田鉄矢がずっと担当してたけど名曲揃い。
わけても宇宙開拓史のエンディングは出色。
アニソン好きは歌謡曲好きと比較にならないほど金を使うから当然オーディオ機器も高級機を揃えてる人が多い
翻って歌謡曲好きはラジカセでダビングしたりとにかく金を使わない。高級オーディオで聴こうという発想すら無い感じがする
宮川泰のアレンジもよかった。
ドラマ見終わった気分で「真っ赤なスカーフ」も聞いて
それから。沢田研二のＬＰに変えて
「大和より愛をこめて」
ガミラスに突っ込む大和
実写版のシーンかなんか思い出しながら
アニソンはアニソンの専門スレでやった方が良くはないか？
やはりこのスレは、アタマに新の付かない御三家や三人娘の時代の歌謡曲スレだろう
戦時歌謡もあれば青春歌謡もあればアイドル歌謡もある
歌謡曲歌手がアニソンや童謡を歌うことだってあるんだからそれもややこしい
人によって歌謡曲の抱くイメージが違う以上話が広がるのは仕方ないだろう
次第に日本調歌謡は演歌と呼ばれ歌謡曲から分離、ポップス調が主に歌謡曲と呼ばれるようになった
近年、昭和歌謡と呼ばれる曲は昭和50年代以降の歌謡曲、ニューミュージック、アイドル歌謡を指す場合が多い
ニューミュージック系のシンガーソングライターがヒットチャートに登るようになったのがだいたい昭和50年代前後くらいかな?
それ以前はリアルタイム世代がリタイアしてるし映像も残ってないからほぼ含まれない
ペドロ＆カプリシャスを聞いてると、これだけのラテン・ロック・バンドが
日本に居たことを不思議に思う。そしてアルバムがない。これも不思議だ。
昭和40年代にグループサウンズをやっていた人達がソロになって継続しているんで、
少なくとも50年代前半までは世代はそんなに変わってないよ。
堺正章、萩原健一、沢田研二などの男性歌手はこの系譜で、女性アイドル歌手が出てくるのがこの後。
時代とともに世代が移り変わり、今の時代昭和歌謡といったら昭和の終わり頃の曲を指す人が多い
だから歌謡曲の定義を昭和30年代辺りの曲に限定するのは無理がある
個別の歌手の話は邦楽スレでやってくれ
あんなぼやけた音が好まれたのだろうか
実際にはナイトクラブで歌謡曲は生まれないと思うw
やはり恥ずかしいとか馬鹿にされるとか思っているんだろう
あちらの世界じゃ、オーディオマニアと知られた瞬間に仲間はずれ。
でもそれはポップスの世界だけのこと。
クラシックやジャズのコレクターは、オーディオにも金を使う。
ゴージャスな機器のほうが音も良いからだ。
しかし、歌謡曲のコレクターは、その庶民性も含めて
ゴージャスな機器で聴いていることを恥ずかしがる。
ライフスタイルとすごく密接なんだと思うな。
御三家時代三人娘時代の歌謡曲を扱うスレという変な誤解が定着しているが
そもそも過去スレみるとそんな限定的なスレじゃないぞ
四畳半は歌謡曲というよりフォークの代名詞だし
次は普通にpart5にしてくれ
当時はリバーブじゃなくてエコー。
リバーブは中高域に効くけど、エコーは低域まで伸びてる。
平行面のないコンクリ部屋でスピーカーを鳴らし
それをマイクで拾って混ぜていた。
出張録音のときは、ホールのトイレを使ったことも。
最近判ったのは、このエコーはトランス類を噛ませた
当時の真空管回路のせいと見るのが妥当かと。
安っちいトランスを通すと余韻が出難いんだよね。
今の機器は、アンプ、スピーカー共に
過剰なほど余韻を拾い上げる。
ツイーターがエコーで撹乱されたうえ
低域まで残響が残ると、すごく音がボヤける。
オーディオ機器の進歩ではなく
12chを超えるマルチトラックのレコーダーと
ミキサー卓が出現したから。
低域にまで残響が伸びるとゴチャゴチャになる一方で
高域にリバーブを掛けてあげることで
各チャンネルの音が馴染みやすくなる。
マルチトラックの利点は、各パートを別録り出来て
効率よくレコーディングを進められるから。
それまでが、4～8chでオーバーダブを繰り返すと
音質が犠牲になるので、ミュージシャン一堂に会して同時収録。
スケジュールを合わせるだけで大変そうだけど
それだけ時間の余裕もあった。
四畳半がナイトクラブに変わる
という視点もお忘れなく。
ttps://pbs.twimg.com/media/CIG-0cdUEAACTnw.jpg 次はフィンガー5かな。堀越学園天国みたいな。
時代にあらがって特異性のあるのがホソノハウス。
細野さんの自宅にバンドメンバーが合宿して録音された。
そういえば、GSのタイガースがメジャーデビュー時に
合宿という名目でアパートでメンバーで共同生活させられた。
基本的にロック野郎なんで、喧嘩も絶えなかったらしいが。
収録は真空管の機器で行われていたが
ラジオ、テレビ、共にトランジスター化が進んでいて
ソニーなどは名作TA-1120を発売している。
当時としては最高級のプリメインアンプだった。
このトランジスターアンプを市販する前年1964年に
ソニー試聴室を長岡鉄男が訪問している。
話題はテレコのことが中心だが
大賀氏の自宅では既に自家製トランジスターアンプを使っていて
ジムランのミニゴン、パイオニアCS203、三菱610Aなど。
会社の試聴室では、三菱2S-305、クォードESL。
クォードはほとんど間隔を開けずに聴いてた。
「無響室で測定して、フラットな特性だとしても
一般家庭に持ち込んだら、どんな音になるかわかりません。
音には細工が必要だと思うんですよ。
音楽家は耳がいいと思いますが
ハイファイ・マニアが喜ぶような音は好みませんね。
音楽家の使ってるステレオを見ると
たいていバスを上げ、トレブルを落として聞いてます。
これが自然な聞き方だと思います。」
そんなことにコストかけるくらいなら自分の楽器にコストをかける。
真空管で色艶を増やしたほうが良いか
トランジスターでパリッと乾いた感じで鳴らしたほうが良いか。
中間を取ると、EL34のようにクールな音のする球なんだけど
それだと他の録音に足を運ぶのが難しくなるので、追い込みすぎない。
当時の流儀だとEL84なんだけど、今だと選択肢が色々ある。
低音のバランスは、部屋の残響の問題もあって
一度出た低音は響きが残って引っ込まない。
曲によって、タイトな低音が良いか、ドーンと響いたほうが良いか。
ある種の軽さがあったほうが、若者の音楽という感じが出るけど
ギスギスし過ぎると聴いてて疲れる。
鍵は100～200Hzの出方で、ここが巧く弾んで
ボーカルと分離できれば、土台が仕上がる。
次は中高域のキャラクターだ。
中高域の艶やかさと、低域のシャープさが共存していて
なかなかの名球だ。1960年代のポップスには欠かせない。
一方で、低能率のスピーカーだと、低音がスカスカになりやすい。
最近のスピーカーでだと、KT88のほうが使いやすいかもしれない。
しかし、低音がガッツリ出過ぎると、GSの音楽が貫禄負けしてしまう。
結局、この方向性だと、1970年代以降の録音が最高という
シナリオが既に引かれていて、そこから逃れられなくなる。
スピーカーの選択には、2段階あって
最初はフルレンジ、次にマルチウェイという順番に進むと
バランスがとりやすい。そして録音の癖も判りやすい。
フルレンジで悩むのが、フォステクス FE103の存在だ。
これも1960年代半ばに開発された、この時代のビンテージで
中高域のアカ抜けたキャラクターは、GSにはうってつけなのだ。
ますは、EL84のアンプ、FE103のバスレフ、と抑えておこう。
フォステクス FE206があるけど、Qが低くバックロードホーン向けなので
箱の準備が大変だ。SICA製のものが使いやすいと思う。
これにツイーターを足していくのが、2wayへの足掛かりになる。
個人的にはホーンドライバーが好きで、1.2kHzクロスではなく
2.5kHzクロス辺りで贅沢に使うと、その下の帯域まで足が保証されるし
フルレンジ側のボーカルの音色に一貫性が出て聴きやすい。
少し分割振動で荒れたくらいが、音にパンチがあっていい。
ドライバーは、今はJBLもブラジル製だったり、かなり安い価格で抑えられてる。
エンプラ製のチープなホーンで十分だろう。
エージングされたビンテージより、卸し立ての新品のほうが
GSには向いているような気がする。
最初からツイーターを足すことが前提なら
古いエクステンデッドレンジも良い。
JBL D130、D123、ジェンセン P12Rなど色々ある。
こっちは1950年代のロカビリーとの繋がりが出て
GSのルーツを探るのに、色々と聞き比べができる。
音量に左右されずに一定のキャラクタが維持されるのは便利だな
決してピュアオーディオではないし、かといってローファイオーディオでは語弊があるし、
ヴィンテージオーディオと呼ぶにも路線が違う
個人的には「再生」オーディオなんだけど、ハム小僧にしか通じないし
スパイダースも仲は良かったが、次第に音楽的に高度になっていくメンバーの中で
唯一ドラマーだけがメンバーの音楽的要求についてこれなかったのが、解散の本当の理由だと巨匠がTVで言っていた
じゃあドラマーだけ替えれば？ と思うのが普通だが、なんせドラマーは・・・
結局解散しても事務所は田辺エージェンシーか、その傘下プロダクションなので、ケンカ別れとは違うんだそうだ
ジェンセン C6Vを小さなバスレフ箱に入れたのはどうかと。
モノラルのサブシステムとして、ディスクトップで使うと面白そう。
これと合わせたツイーターが難しいけど
安いコーンツイーターで様子見とうのでどうかと。
最高じゃなく、最適化なんだよね。
適度にハイファイ、適度にローファイ。
盆栽のように、音の切り詰め方が面白いんだ。
>36について言うと
当時は業界の歌謡曲路線とロックバンドとしてのステータスの間で
奮闘してたバンドがほとんどで、フォークルがやりたい放題やったら
一気に業界の方向性が変わった感じ。
もうひとつの方向性は、はっぴいえんど、じゃなく、村八分。
フォークルと村八分で、アングラシーンがほぼ満喫できるかもしれないな。
あとは任侠映画とルパン三世１ｓｔシーズンでほぼまとまる。
ＥＬ84プッシュとMOS-FETアンプ、どっちも面白いので、2つ持ってれば良いかと。
でも10万前後の中級品で十分。スピーカーの選択のほうがずっと効く。
中庸なのは、SICAのフルレンジ。これも中級品で、永遠の入門機だろう。
GSサウンドが、ずっと若いときの印象で鳴り続ける。これが目的だ。
今TVで酒飲んでるけどｗ
ケメはエレックがむりくりアイドル路線で売り出そうとした為に、結果消えることになったとNHKで言っていた
あと三上寛は本当に凄かったらしい
音楽もそうだが、なによりも性欲が。。。
たしかに民生オーディオ用のスプリングリバーブはあるにはあったんだけど、
基本的には8トラカラオケの延長にあった物だしなあ
ttps://www.youtube.com/watch?v=ZR_CoCTNV9Y この頃はランボーでドンパチにぎやかになるとは思ってもいなかった
（中略）
1.何年もの間、ラジオや蓄音器の音を聴いてきた一般の聴取者は、ある限られた周波数域に慣らされていて、
それが自然の状態であると感じている。
(2)楽器が正しく設計されていないことと、高調波範囲の基本音や倍音が抑圧されているほうが、より心地よくまた好ましいのであろう
(3)元音響の真の再生からの歪と偏倚は、周波数範囲が限られている方が、不愉快な感じを与えない。
-H・F・オルソン著、平岡正徳訳『音楽工学』から
このスレでよく言われてること、生々しく聴くには、必ずしも広い周波数が必要じゃない、
って事とも重なると思う
歌謡曲を聴いてる中ではこれでも高級な方じゃないかと思う
1964年のビクター・ステレオ。
ttp://www.ne.jp/asahi/radiomuseum/japan/images/victor-cat.jpg この手の初号機ST-37は1961年発売で、エコー付きステレオがブームになったらしい。
おそらく、モノラル、ラジオ、全てにエコーを掛けてた可能性がある。
ライントランスを噛ませるのが一番の緩和策だと思う。
でも、ハイ落ちしたトランスってなかなか見つからないんだよね。
ちなみにビンテージのライントランスは以下のとおり。
ttp://www.pandcamp.com/imada/line_amp.htm 思ってるほどナローレンジじゃないけど、微細電流で反応が落ちてるとみた。
というか、ノイズとしてカットされてるかも。
戦前の電蓄なら、電源トランスでも用が足りたらしいけど。
ttp://www.asahi-net.or.jp/~cn3h-kkc/claft/ht_opt.htm このままで良いか悪いかは試してみないとね。
同席していたレコード会社の人がその歌唱力の高さを評価して、アニソン歌手の仕事が来るようになったそうだ
そしてヤマトで紅白にも出場したのだから人の運命は分からない
そのヤマトだが、実は佐々木功の前に子門正人も呼ばれていたそうだ
子門板のヤマトも是非聴いてみたいものだが、西崎さんはテープを持っていたのかねえ
ちな、ヤマトのキャラデザも松本零士の他にも何人かの漫画家に依頼していたそうで
あのゴルゴのさいとうたかおもキャラの絵を描いており
ゴリラの様にゴリマッチョな古代くんのキャラ画が当時のOUTに載っていた
さいとうたかおもグレートな漫画家だが、あのキャラだったらヤマトはあんなに人気は出なかったのではないだろうか
実写版のヤマトはCGによる戦闘シーンがまるでダメで、パチンコのヤマトの大当たりした時に流れるCGアニメの方が格段にセンスがよくて素晴らしいものであった
ガトランティスの大戦艦の頭上にスッと滑る様に画面に入って来たコスモタイガーが、機体を捻るやいなやアフターバーナー吹かして急降下爆撃を敢行するところなどシビレル程のカッコ良さ！
宇宙に上下はないとか、真空中でアフターバーナーはおかしいとか、ちっちゃいコトはどーでもいいのである
ヤマトはエスエフではなくエセエフなのでカッコ良ければ全てが許されるのである
英国ではブルース、R&Bの系譜と並べられたのとは対照的だ。
オーディオ・マニアとしては、いわゆるマージー・ビートの録音と
GSサウンドがどういう関係があったのか？ というのが気になる。
そもそも、ビートルズのサウンドというのが一番不可解なのだが
特に来日前後のラバー・ソウル、リボルバーのロック路線が
日本ではまだ未消化のまま、GS路線が敷かれたことが
やや腰砕けな感じがするのと、
BBCでのR&Bカバーバンドとしてのビートルズの活躍が
日本ではほとんど無視されてきたことが関係しているような気がする。
つまり、英国でのR&Bの受容と、日本でのものとの温度差が
GSサウンドの印象を作り出しているように思える。
ビートルズ－R&B＝GSブーム、と言うことができるかもしれない。
実は、R&Bの泥臭いテイストが、演歌と別の支流から流れて
歌謡曲というジャンルのなかに入れ混じった状態である。
演歌が演歌と呼ばれる以前は、ジャズ・ブルースが入り込んでた。
少し知ってる人なら、流行歌にドゥーワップ・スタイルが
1960年代初頭に入り込んでいることが判るだろう。
それとGSは別物ではなく、異母兄弟のようなものである。
「ブルー・シャトウ」「花の指飾り」「亜麻色の髪の乙女」など
GSバラードの名曲は、当時としては洗練された曲調だったが
その甘い思い出の影に潜んでいる、暗い影が差し込むと
どこか不安気でナイーブな、昭和の世情を感じさせる。
昭和40年という未来形と1960年代という過去形との
不思議なミスマッチである。
大阪万博で技術大国として目覚めた日本の産業構造からみて
1960年代は古臭い、ど根性の世界であり
昭和30年が終わり、もはや戦後復興が一段落した安堵感からは
東京五輪でテレビがモノクロがカラーに変わった印象と重なる。
これをオーディオ的にどう判断するかである。
倍音を目一杯含んで、瞳の奥まで輝かせることもできるし
逆にレンジを狭めて、セピア色に染めることも可能だ。
そこに1960年代後半の不思議な年齢がある。
プロデュースしてた30代のサラリーマンと
実演してた10代のバンドとの協働作業から由来するともいえる。
企業体としてのグループであり、バンド活動だった。
ビートルズを売り出し、フォークルをプロデュースした高嶋弘之氏の本を読むと
そういう企業体質が、単なる市場支配ではなく
若手ディレクター自身の自己実現の物語が存在し
それが旧態依然のレコード会社に10代の発言権を与えていたと判る。
何よりも、若者音楽というジャンル形成にも、結び付いていた。
「GSサウンド」だと「頭痛が痛い」になるよw
ビートルズの最初のファンクラブは女の子だったが
それがラバー・ソウル辺りから引いていったらしい。
ライブ活動もやめると、当然次に出てくる解散の噂もあり
いわゆるビートルズ・ロスト現象になり
代りとなるGSバンドが現れたと言えるのかもしれない。
タイガースの前身だった1966年のファニーズについて、ファンクラブの女の子は
「（プールサイドで）パチャパチャしながらビートルズ・ナンバーなんか聞いてるうち
ハートにピーンときちゃったのね。上品で清潔で、抱きしめたいほど可愛かったわ」
こういう聴き方はなかなかできない。
昭和40年代の女の子に「抱きしめたいほど可愛い」と思わせるサウンドって何だろう？
おじさんはふと考えるわけである。
そりゃサウンドではなく、ジュリーにシビレてただけやろw
問題はそこにあって、アイドル歌謡、アニソンも一緒の部類だと思うけど
ビジュアルと楽曲が一体化して、はじめて感動にいたる要素ってあるんだよね。
でも、音の印象ってやつは、技術革新と共に段々と劣化していく。
そこを翻して、あのときのトキメキも一緒に再生したい。
そこをオーディオ・マニアとして真摯に受け止めるわけ。
少なくとも、ビートルズ・マニアがやってる
初期プレス盤、イギリス製オーディオでは解決の糸口はなさそう。
かといって、和製ロクハンでもまじめすぎる。
では、どういう手があるのか？
そこに何か深淵な意味を読み過ぎると、別のカルトが生まれる
という感じもしないわけでもない。カルト・ムービーという言葉もあるように
GSにも昭和カルトの一翼を担う素質は十分にある。
その一方で、歌謡曲一般が、ある種の商業目的の強い音楽作品なので
それを言ったら、これまでの歌謡曲とオーディオの関係のように、なし崩しになる。
ここは、GSも文化遺産としてマジメに付き合わなきゃと思う。
それは実はキャーキャー歓声を上げてた女の子の視点にも結び付いて
バンドの個性ではなく「上品で清潔で、可愛い男の子」という商品に過ぎない。
リカちゃん人形の家族構成をみれば一目瞭然だが
「きれいなママ」と「やさしいパパ」である。
歌謡曲でさえ、そんな嘘は許容できない。
で、GSの語る恋心は、どこに真実があるのか？
所詮、少女マンガの前振りだったのか？
実は、少女マンガのほうが、もっとストーリー性がある。
実に、その軽薄な企業体質というか
若手サラリーマンの企画力のなさが、GSの本質なのである。
翻って、1970年代に活躍した中身の人は、実に立派な芸能人だ。
GSを一流の役者が演じた音楽エンターテインメントと考えれば
その再生の糸口がみえてくるのである。
けして、大衆の欲望が生んだカルトではない。
歌謡曲とオーディオとの関係に根強く影を落としている。
それは、歌謡曲は大衆文化＝大衆の持ち物であり
そこを再生機器の良し悪しで評価することは、ゲスな行為なのである。
見方をかえれば、金で解決しようとする拝金主義につながる。
しかし、一流のエンターテインメントは、磨けば磨くほど輝いてくる。
その価値観を大切にすることこそ、オーディオの本質だと思う。
要はその磨き方が肝心なのである。
ダイヤモンドは高価だが、何でもダイヤモンドのように磨けば良いものじゃない。
その宝石に合ったカットの仕方が、本来の輝きをとどめる。
フィル・スペクターのウォール・オブ・サウンドである。
とはいえ、GSの深いエコーは、むしろロカビリー時代のものを想起させ
スペクターのような緻密なオーバーダブによるものではない。
むしろ、カバー・ポップス時代の録音の延長線上にあるのだが
違うのはリボンマイクから耐圧性の強いコンデンサーマイクに変わった点である。
同じエコーに包まれても、少しエッジの立った音が特徴であり
クルーン唱法の名残があったロカビリー時代に比べて
がなり声をたてても十分に許容できる耐圧性をもっていた。
では、なぜエコーが多いのかというと
多くの原因が、テレビやラジオに付属していた
フィックスドエッジ・スピーカーによるものと思って差し支えない。
狭い筐体でダンピングを得るためにQが高く
タイトでメリハリのある音は出しやすいのだが
そのかわり、エコー成分を急激に減衰させる。
さらにモノラル音声にライブ風の広がりをもたせる効果もある。
この辺はフィル・スペクターの「ティーンズのためのシンフォニー」という
思想に沿ったものだといえる。
高性能ヘッドホンでの試聴がはじまる1970年代に消えたと思える。
FMをステレオで試聴できるレシーバーには、いち早くヘッドホンジャックが付いたが
ヘッドホンでは強いエコーが丸判りである。ついでにピンポン・ステレオも。
急速に過去の録音が市場から消えていった。
消費社会の栄光も悲劇も、短い5年程度の期間で燃え尽きたといえる。
しかし、個々の歌手の5年単位の浮き沈みは当たり前のことなのに
GSだけが際立ってみえるのは、その人気ぶりと凋落の落差が大きいからである。
そして1960年代という不思議が沢山詰まっている。
GSの謎が解ければ、1960年代の録音の様々な疑問もとける。
まず、最大の難所がエコーとバランスの取れるフィックスドエッジ・スピーカーであるが
実は品質グレードも伴ったものを探すのは、今では結構難しい。
今では貴重な16ｃｍは、ダイトーボイス ＤＳ-16ＩＩ、ジェンセン Ｃ6Ｖ、Ｐ6Ｖである。
箱はそれほど大きなものに詰めず、10L前後に盆栽のように詰め込む。
そこで、少しグレードの高いラジカセの音、というコンセプトで、録音の特徴を知る。
録音の特徴を知るミニモニターは、使いようが他にも色々あるだろう。
そこでバランス感覚が判れば、次のステップアップとして20cm以上になるが
SICAのダブルコーンのシリーズが高域まで伸びて、バスレフ向けで使いやすい。
基本的にフリーエッジだが、エコーに負けない中高域の腰の強さが身の上である。
ステレオ試聴をする前提なら、中型ブックシェルフに収めることができるので
汎用性が高いかもしれない。
ジェンセンのギターアンプ用20cm、30cmなどは、ツイーターとの組合せが望ましいが
平面バッフル、後面解放箱での使用も可能であり、躍動感が非常に強い。
音響的にも簡易PA、ジュークボックスの規模にまでグレードアップできる。
続きはアンプの選択で。
>>GS
リバーブを効果的につかっていたのは、歌謡ポップスだよ
由紀さおりの夜明けのスキャットのエコーを思い出す
「手紙」とか「生きがい」の演歌から離れた作り方が好きな小学生がいましたわ。
トワエモアのドラムに短いエコーかけたのは、とても好き
あの頃のセパレートステレオは、25-30cmのウーファーで
ドスドスの低音がでた。
１つには、出力コンデンサーを詰め込んだあまーくて伸びる低音だったことで
今の締まり切ったDCアンプ系のTRアンプとは、異なる事だ
高域は、キンキンの硬い光沢の表現ができた
由紀さおりの他に坂本九や欧陽菲菲などが所属した東芝は特にエコーが強い
同じ意見なのでよろしく。
松本英彦クインテットがコロムビアから出した『これぞブルース』（1968年の発売）、
聴いてみたら、明らかにその頃のセパレートステレオで聴く人に向けた音作りだった
ttp://audiosharing.com/review/wp-content/uploads/2014/06/Frontier.jpg（こういうタイプの物） 中低域がボンボンと鳴る一歩手前・・・
歌謡曲もムード音楽も、その手の物の方が多かったんだろうか
収録曲は「別れのブルース」が特に良かったな
堅苦しく聴かないで、部屋のBGMとして楽しむのに極上の雰囲気があった
低音がドンヨリ出るタイプは控えたほうが良いと思ってる。
真空管でいうと、300BとかKT88とかよりは、EL84、6V6がいい。
それに合わせて出力トランスも小物のほうが、音の小回りが利いていい。
というのは、低音の出にくいラジオや卓上プレーヤーに向けて
低音をブーストした録音も多く、これが明瞭度を下げるからである。
トーンコントロールがあるなら、100Ｈｚを-3ｄＢくらい下げると
音楽のノリとか、ボーカルのニュアンスとか、バランスが改善することがある。
高域のエネルギー感は、これも10kHz以上はオマケなので
あまり強力に出るツイーターがあると、録音の粗が出やすくなる。
これも真空管が合ってるように思うが、むしろライントランスで整えたほうがいい。
真空管アンプの音は、真空管そのものより、トランスの音色の影響が大きく
出力トランスで整えるよりも、ライントランスのほうが安上りである。
ライントランスにはもうひとつの効用があって
磁気歪みからくる高次倍音で、この倍音がとてもシルキーで
やんちゃなGSの過入力時の歪みを、少し和らげてくれる。
これは、トランジスター・アンプを使ってるときにも同じ利点がある。
おそらく話が逆なのではないかと。
当時の音の基準は、クラシックにあったので、海外で録音された交響曲を
残響のほとんどない和室で聴いて、コントラバスの倍音がゆったり鳴る
というバランスなので、録音自体のバランスをいじってるのは卓上プレーヤー用。
GS特有のドンヨリ低音を、自然に制御できるように感じてる。
むしろ50Ｈｚまでがんばって出していることで弊害があるくらい。
この辺を割り切った特性をあえて選ぶことが肝要である。
むしろ高域の出方をケアしたほうがよく、1～3kHzのつながりが悪いと
声の抜けが悪いのにキンキンして、堂々巡りの結果になる。
これはアンプのせいではなく、スピーカーで押さえておくべき基本性能だ。
そんな当たり前のこと、と思うだろうが、意外にウーハーの特性が1.5ｋＨｚまで
というのが多く、ツイーターも下限域で音が曇ってるものが多い。
1～3ｋＨｚが落ち込んだほうが、全体に上品に聞こえるのだが
ＧＳは元気がまったく削がれる。全部が遠鳴りのエコーにまみれる。
これを避けるために、中高域でも低めの帯域の艶やかさが必要になる。
結局、低音の制御と、中高域の繋がり。
システムを大型化する際に、その両翼の周波数を欲張ってしまい
要らない情報というか、元の録音でケアしてない余分な音を重ねてしまう。
結果、悪い音だと判断するなら、それはシステムを組むセンスの問題かもしれない。
少し考えてみる必要があると思う。
例えば、以下の特性はＢＢＣで1930～47年に使ってたスピーカーの特性である。
ttp://quwa.fc2web.com/1950/BBC/RK-GEC1930s.jpg これが何を示しているかというと、欧米言語のアナウンスの中核周波数が
母音と子音にキッチリ分かれていることである。
音楽プログラムの忠実性よりも、アナウンスの明瞭性を優先したのだ。
ところが、ラジオが音楽業界に与えた影響は計り知れず
このアナウンス向けの特性に合わせて、より効果的なサウンドを目論んできた。
一方で、アジア系言語は、喉音によるニュアンスの伝達が豊富で
800～1500Ｈｚが沈むと、とても都合が悪い。
このため、ラジオ音声は電話の声に近い3ｋＨｚまでの帯域でも
十分に意思疎通できるようになってる。
欧米型のスピーカーとは、特性的に逆の傾向を示している。
ＧＳの録音がドンシャリなのは、この電話並みの狭い帯域に
洋楽ロックのニュアンスをデフォルメして伝えようとしたからで
これに、もともと洋楽にフィットしたシステムを充てるとおかしなことになる。
1960年代の録音が押し並べて似たような状況にあると言えよう。
これはレコードの売り上げが、ＳＰ盤の頃に比べ3倍に伸びたのに
依然として電蓄時代と変わりないスペックの機器で聴いてたことによる。
150～3000Hzのスペックを改善せずに広帯域化しても音は良くならない。
逆に、電話の声の150～3000Hzの再現性の良いJBL D130などのほうが
例えツイーターの帯域が狭くても良い結果が出るのである。
女心と秋の空、熱しやすく冷めやすい、そういう当てにならなそうな気分のようなものを
GSがはじめて具現化した。それがそのまま60年代の空気を感じさせる。
オーディオ的にはスペックダウンしたのかもしれないが
そこから見えてくる和製ポップスの本質についても、色々と考えることができるだろう。
GSの再生音は、ドンヨリ曇った音ではなく、上品で清潔、可愛くなくちゃ。
シャリシャリのスリスリレコードで開口した事があります。
そんなりっぱなプレーヤーでは掛けなかったのでしょう
その印象が強いのですが、GSの人たちが
「タイガースメモリアルバンド」で1990年代に再活動していました
今風の音色のベストのCDもあります
ttp://www.geocities.jp/return_youth/groupsounds/tigers/tigers_memorial.html GSブームをバンド中心で語るのと、ファンの女の子の視点で語るのとでは
全く違うんでしょうね。そういうクロニクルが本としてないのが残念な限りです。
明治の女学生、大正のモダン・ガールとかは豊富にあるのに
昭和40年代が無いのはおかしいです。
少女の憧れのスターが色々と出てくるのですが
何を基準にスターが選ばれているか？ という大雑把な解説がある程度。
買い手はマスメディアに対して受け身の存在としてしか描かれていない。
ザ・タイガースの評伝のなかの肉食系女子のようなバイタリティは感じられない。
そのなかに集団就職した女性たちのことが、少し書いてあるんだけど
例えば1970年代に神田川で書かれた行き場のない哀愁なんてものじゃなく
プールサイドで聴いたバンドについて「ハートにピーンできちゃった」というのは
もっとブームの立役者として積極的に評価してもいいんじゃないかと。
GSそのものが懐かしいと思う元女の子はあんまり居ない。
この辺は、1970年代の新御三家やジャニーズ系の男子アイドルと大違い。
個人的には、あんまり巧く再生できていないんじゃないかと勘繰っておるわけです。
老人ホームの婆さんが好きなのが演歌となっているけど
いや、GSでしょう、といえる時代にはならないんだろね。
実は1968年 フォークルの「当世今様民謡大温習会（はれんちりさいたる）」にも
同じ歓声が聴ける。しかし歓声の質が違う。ちゃんと音楽と一体化している。
1970年の藤圭子、1971年のちあきなおみおのリサイタルは、今と同じ観賞会。
若者だけというわけではない、というのが一番の理由だからだろう。
GSブーム以降今に至るまでポップス調が流行歌の主流になった
だから青春歌謡世代は演歌を受け付けてもGS世代受け付けない
ジュリーもショーケンも当時はスターと呼ばれていたんだっけかな？
ん～、記憶にないｗ
しかし中三トリオが出て来たのはスター誕生だから、アイドルって言葉が普及したのはその後かねえ
まあ「アイドルを探せ」なんてシャア・アズナブルも出ていた映画もあったけど
エリック・クリプトンがCreamをやっていて、それに詳しいとか
ジャニーズ系のフォーリーブスとかそっちに行っていて、GS凝っているのは
お姉さんの影響とかいう人で、あれは、10年続いたのだろうが
カッコだけの男子のアイドルは、スタレルのは、早いのではないかな。
男の子は、GSかっこいいと言うよりS&G(サイモンとガーファンクル）聴いて
ギターを弾いてた、拓郎とか泉谷聴いてたような気がする
中学生の話しだけど
不良上等でやるのは勝手だが、品行方正な女の子が聞く音楽ではないとされてしまった。
マンガで言えばハレンチ学園みたいなものかなw
GSの下地はそのころに出来てたんだろうね。
その後チャック・ベリーが出てきてそのままロックに方向転換していったと。
一般に人気が出るきっかけになったのはビートルズかも知れないが。
自分はテレビで真木ひでとを見てオックスってバンドがいたんだって知ったんだけどね。
今なら完全にブラック事務所でアウトだなあ
そういや五郎ちゃんも人気絶頂時の当時のアイドルは、事務所がダブルブッキングとか無茶なスケジュール入れてくるのが当たり前なので
とにかく現場に着いたらまず「遅れてごめんなさい」と頭を下げるのが日常だったそうだ
その為どんなに人気があっても天狗になりようがなかったので、昔の人気アイドルは皆腰が低かった、とラジオで言っていたなあ
そういえば、コンサートに行ったのがバレたら停学とか
どっかの本に書いてあったな。
ロック＝不良という括りだと、60年代末のアングラと並ぶのかもね。
でも、ビートルズと同様にお茶の間のアイドルというのも目指してた。
歌詞の内容も、演歌やムード歌謡に比べると、全然清純だし。
微妙な年頃をターゲットにしたもんだなと思う。
最初が男子向けじゃなくて、女子向けというのも意外だ。
当時はフランスのアイドル系歌手も大勢来日してるけど
今見てもずっとセクシーだし、小悪魔的なところもチラホラ。
園まり、伊東ゆかりが歌ったムード歌謡、喪失ソングも
男子の憧れ、というわけにはいかないな。
同じ世代の子を、おやじ目線でみてるのがすぐ判るしね。
黛ジュンが一人GSとか、美空ひばりもがんばってミニスカ履いたり
そういうのも男子は萌えなかったんだろな。
それぞれ、楽曲としては完成度が高いのに
それ自体がブームを生むことがなかったのが不思議だ。
ある種の完成した状態から、楽曲を見渡す感覚は残ってる。
成長を見守る、熟していくのを待つ、そんな感じ。
あるいは、いつまでも現役で、ファイト満々の状況。
一方で、ティーンズ終焉の微妙な年頃をあまり表現できてないな。
崩壊寸前なんだけど、新たに突き抜けるような感覚。
少し不安気なんだけど、元気だけは有り余ってる。
性能の良くない機器に、無理させて叫ばせる、ということか。
アイドル歌謡になると、熟練したバンドマンがバックに付いて
演奏の品質は、歌手のタレントに比較して、すごく安定してる。
背景が安定してるので、成長の度合いも明瞭。
これはオーディオの尺度にハマりやすい。
そっちはいつまでも純粋でいようね、という合言葉で、爽やかに語り掛ける。
例えば、ユーミンの「卒業写真」にも現れるテーマでもあり
記憶のなかで止まってる永遠の時間という感覚さえ引き起こす。
レコードという媒体にすごくマッチしたテーマだと思う。
ティーンズ終焉を、喪失ソングで表現するときもあって
こっちは完全にオヤジ目線。でも、ウブなところが残ってて
変に色仕掛けされるよりも、男心に響くところもあって侮れない。
なにカマトトぶって、なんて一蹴する女とは遊ばない。
でも、そんな純な女の子なんて現実にあり得ないので
レコードで聴いて何となく想像してるだけ。
ティーンズの終焉を、ロックで表現することも可能だろう。
それと、おセンチな少女趣味。どちらにも揺れ動くGSバンド。
どっち付かずというのが、リアルなティーンズの心象だったのか？
少女趣味とロック魂が交互に入れ混じっていて
そのスケール感が判らないまま再生してるからだと思う。
フルレンジだけで十分な少女趣味のサウンド。
ステージを揺るがすロックのサウンド。
この間を瞬間移動で行き来する、やや分裂症気味の采配が
オーディオにとってすごく難しい。
曲調に合わせて、スピーカーを切り替える、というのも必要か？
全ては演出。エンターテインメントとして、最大の効果を求める。
今月のギターマガジンが歌謡曲特集で70、80年代を代表する数人のギタリストのインタビューが載っており
70年代初期レコーディング現場がガラッと変わったのがわかる
筒美、馬飼野、穂口あたりの作曲家もGS経由だしね
ということで、よろしいでしょうか？
ややこしいのは、ビートルズ、ストーンズも共に
1950年代のロカビリーよちも黒人ブルースをトリビュートしてることだ。
実際は、黒人ミュージシャンからプラスチック・ソウルと馬鹿にされてたけど
ストーンズのようにブルースそのものを目指していたのはともかく
ビートルズもBBCの歌番で、R&Bのカバーを積極的に紹介してた。
そういう意味でも、ブリティッシュらしさ、という形容はあまり正確ではない。
逆にいえば、黒人に対する差別的なものを捨てて
むしろ尊敬の念をもって接した、共感する姿勢のほうが大きく
そこがアメリカ的ではない。つまりネガティブで陰鬱なものがない。
その意味で、ブルースから陰鬱なパッションを抜いたら
ブリティッシュのようになるのかもしれない。
そこからさらに、R&Bのテイストを抜いたら
GSのスタイルに近づくのだと思う。
では、モータウンと似ているかといえば、全く似てない。
できるだけ、和製～という魔法の言葉を使わずに考える。
リードボーカルが鈴木ヒロミツだからしかたない。
モップスの生演奏は面白かったよ観客殆ど男性客でヒロミツと客のやり取りも面白かった。
おいこの曲出来るかと客がリクエストすると結構演奏出来た。
モップスはボーカル音声にエコーチェンバー殆どかけずにそのまんまヴォーカル用スピーカーから
音だししていたな。
りりィ、カルメン・マキ、チャーリー・コーセイなど、1970年代に広がった。
それより前は青山ミチが、そういう歌い方のできた人だった。
あと、1960年代初頭に、ロカビリーの影響で
ドゥーワップのこぶしを入れた歌い方が試みられた。
「上を向いて歩こう」なんかが、それに当たる。
実は、GSのボーカルスタイルは、意外にフォーク調で
ストレートに言葉を発して、余計な装飾をしない。
裏のない、行間もない、単純明快なメッセージ。
ティーンズが直感だけで話すおしゃべりに似ている。
ブルースって陰鬱じゃなくてもっと陽性の音楽だと思うけどね。
陰鬱なパッションってむしろ当時のイギリスのバントの特色だと思う。
そしてそこからサイケデリック・ロックになって、GSブーム後期のスタイルはだいたいこの辺りかな?
ポンキッキのムックを思い浮かべる鈴木ヒロミツさん。
すごいバンドですね。GSとは時期がかぶっているだけだろ。
ロカビリーはカントリーと繋がってはいるけど、ドゥー・ワップは別じゃないかな?
R&Bの歌い方を真似たんじゃなくて、もともとカントリーと黒人音楽はつながっているから歌い方も似通っていたということじゃないだろうか。
カントリーの歌い方はまねただろうけど、日本にドゥー・ワップの影響って殆どなかったと思う。
例えば、西田佐知子「信じていればこそ」
青山ミチ「ひとりぼっちで想うこと」なんかを聴いて
こういう歌い方も試してたんだ、と思った。
あとで演歌のこぶしになっていくものだけどね。
まだ、バタ臭さが残ってる。
涙の太陽の作曲家だけど、1953年に渡米して
Westlake College of Musicの編曲学科を卒業。
ここは、ジャズを教科として教えていた草分け的存在だった。
レスアンカーするなら「>>」にしないとリンクしないぞ
>>橋本淳
すでに2,000曲を超える楽曲を発表し、
『ブルー・シャトウ』、『ブルー・ライト・ヨコハマ』、『亜麻色の髪の乙女』
のほかグループ・サウンズ（GS）の作詞を多く手がけ、
オリコンチャート解析において「GS関連で最も売れた作詞家」
としても知られる
そんなに偉い先生だったとは、しらなんだ
スワンの涙、ぼくのマリー、銀河のロマンスとか
平気で書けるのは、すごい人です。
日本のドゥー・ワップならシャネルズを忘れてはいけないと思う
ムード歌謡もそうだけど、コーラスグループっていなくなったねえ
スマップも5人いてもユニゾンだし、カラオケでも一人一人がマイクを持って、みんなでハモるってことはない
国民性なのかねえ
コーラスグループだよ。
外貨が自由化されてない時代だから西海岸止まり。
高等音楽教育にジャズを持ち込んだ草分けを言うなら戦前のドイツに目を向けるべきだろうけど…
アメリカに限定するなら終戦直後の1945年にウエストレイクと同じタイミングでバークもボストンで音楽教育を開始してる(後のバークレー校ね)し、ニューイングランド音楽院の影響も無視できない。
Jazzの発生と発展、理論化の歴史を紐解いてからここに書き込んでも遅くはないと思うが。
つかさ、前々から思うんだけど消化不良のゲロ見せられてるみたいで気持ち悪いんだけど？
日本でコーラスグループといったら、紅白歌合戦にも出場してるのは
ダークダックス、デュークエイセス、スリーグレイセス、ボニージャックス、
少し時代が下って「グッド・ナイト・ベイビー」のキングトーンズ、あたりかな
キングトーンズは大瀧詠一さんとの繋がりで名前が出てくるのも、近年になって知った
紅白には出てないけど、コンピレーションCDや当時のテレビ・ラジオ番組、CMソングで名前を見る人達だと
伊藤素道とリリオ・リズムエアーズ、ボーカルショップ、フォーコインズ、って風に思い浮かぶ
CMソングも、作曲家で調べてみると、意外と歌謡曲や日本のジャズと繋がりが深いよね
ジャズそのものなら、米軍キャンプで修行できたわけで
中島安敏の場合は、むしろヴォイストレーナーとしての手腕のほうが際立ってる。
それもジャズではなく、R&Bのスタイルを日本語歌唱にいち早くもってきた点で。
でも、バタ臭い歌い方はあんまり売れなかったね。
日本でコーラスグループというと、プロの男声合唱団という感じで
曲そのものを歌でいじらない、という感じもあったな。
以前にスレで出てきたキングトーンズのB面というのが
全く本格的なドゥーワップ。異色だったんだろうな。
昔の方法ということで、テープを介さずダイレクトカットで録音したもの。
アメリカン・ポップスの勢いの良さは、ダイレクトカットにあり、という見込みだったけど
ほとんど注目されなかった。今のCDは、並行して録られたテープを元にしてる。
何が違うかというと、プレスト社のアセテート盤用カッターレースと
ノイマン社のカッターレースの違いが大きいような気がする。
プレスト社の場合は、1940年代には内周補正の自動イコライザーをもってて
基本的にはメリハリのあるラジオ向けの音調に仕上がる。
1946年にも6N型が進駐軍からNHKに贈与された。
1950年代は、テープもまだ高価だったので、アセテート盤での対応も多く
例えば、プレスリーのデビューしたサン・レコードでは
録りたてのアセテート盤をラジオ局で流してリスナーの反応をみてた。
大瀧詠一さんは、1960年前後のビンテージのジュークボックスを持ってて
古いドーナッツ盤のアメリカン・ポップスを自分で選曲して収めてた。
最近、ドーナッツ盤でナイアガラ関連のシングルBOXが出たけど
元ネタと一緒に出すと、もっと面白かったかもしれない。
久々に普通のブラウザでみると、リンクできてないな。
昔はこれでOKだったけど、運営会社が変わったせいか。
専用ブラウザだと全く問題ない。
悪口たたくにはこっちのほうがいいかな。
1960年代末にドアーズのエンジニアがロスでやってた。
テストカットしたラッカーを放送局に持ち込んで
深夜放送で何のアナウンスもなく流して
追加のリクエストで反応をみるのが楽しみだったらしい。
カーステが最良のモニターシステムだったそうで
大手のコロムビア、RCAなどの録音と一緒に流れると
録音の出来も客観的に聴けて良かったそうだ。
ミキサー卓が真空管からソリッドステートに入れ替わって
パンチも天井の高さも全て失われたという現象。
真空管なんてノスタルジックなカマボコ音を思い浮かべるけど
実はその反対のことを言ってる。
このときの真空管ミキサーがパットナムのカスタムメイド。
新しく入ってきたのが、おそらくニーヴの初期型。
鉄板リバーブが導入されるのが、もう4～5年後なので
使いこなしがまだできない状態だったのだろう。
同じことは、はっぴいえんどのゆで麺と風街の間にもあったらしく
鈴木茂さんが、最近のリマスターで、ゆで麺にロックのテイストが色濃いのは
真空管の倍音が中域にタップリ残ってたからだとコメントしてた。
ちなみに、ゆで麺がアンペックスのヘッドアンプそのまま、風街がクワッド8。
1960年代以前の録音に影を落としてると思うフシがあって
真空管のリンギング、トランスの高次歪み、スピーカーの分割振動
オーディオ的には排除されてきたものが、背後霊のように付きまとう。
私個人はMOS-FETアンプで聴いてるけど、分割振動とライントランスは外せない。
ブレンドの違いだろうね。
分割振動の少ないスピーカーでは、真空管のリンギングは不快だし
元録音にある音割れも、ただの雑音になる。
CDに入りこんだ音割れは、ザザッとうるさい音になりやすい。
トランスた真空管の倍音が加わると少し和らぐし
おそらく1968年以前の真空管のカッターレースにも同じ効用があっただろう。
私のギター用スピーカーは分割振動のほうが勝っていて、もともと目立たない。
なのでMOS-FETで中低音を引き締めてあげた効果のほうが高い。
一種のパズルのように、あれこれ試してみると、バランスが見えてくる。
オデオも機械で道具なんだから、使いこなしてナンボ
皆さんも見習えw
ん？ 真空管だろうが石だろうが
電気信号の増幅理論そのものは一緒だぞ
石で割れて聴こえる音は真空管でも割れて聴こえる・・・
まさかハードディストーションとソフトディストーションの違いのコトを言ってるんじゃないよな？
マスターテープの問題なのかデジタル化したときの再生機器の問題なのかどうなんだろう
自分ちのプレーヤーのスピードは合っているのかな？
マスターテープってキャリブレーション用の信号って入ってないのか？
例えばA音で合わせれば、スピードが違うなつてことはないだろ
1950年代から60年代前半の元テープや原盤に
過入力で音が割れて入ってるのが時折あって
アナログ盤ではスクラッチの勢いでそれほど耳ざわりじゃないんだけど
ＣＤだとビリッと紙を破ったような音になりやすい。
そんなとこまで正確に出す必要はないので、トラップを設けるわけ。
長大作氏が1950年代にデザインした木椅子が好きで
低座椅子、中座椅子など、いつかはそれに合う家具を
揃えてやろうと思っていながら、なかなか踏ん切りが付かない。
その前にオーディオの見栄えを整えるほうが先なんだけどね。
>>ドゥーワップのこぶしを入れた歌い方が試みられた。
「上を向いて歩こう」なんかが、それに当たる。
前にNHKでやってたコッコTVで坂本九が「上を向いて歩こう」を
歌うのに最後の「こーおおおーっ」て伸ばすと永禄輔が
「こーおおおーっ」じゃ無いだろって、叱りとばすシーンがあった
永禄輔は、日本語がどうたらでうるさい人だったからありうるなあと
思ったが坂本九が伸ばした根拠がわからなかった。
ドゥーワップが根拠だったとわからなかった
ブルースってこうかな？と思った
逆の話もあって、九ちゃんの母君が、ロカビリーの歌い方を真似たと言われているけど
という前提で「アレは小唄なんですよ」てな感じのことを言ってたらしい。
こっちのほうが流行歌ファンにとっては好まれるかな。
1954年の竣工で、東京タワーに先駆けてテレビ放送の高品質化に先鞭をつけた。
同じ頃にマスプロ電工も創業し、おなじみの八木アンテナが標準化された。
名古屋といえば、民放のFM局もここが発祥で
1958年から東海大学の試験放送がはじまっていた。
ちょうどNHKがAM2波で立体放送の実験を開始した頃。
FM東京に移管された後も、アンテナは大学の屋上に残ってる。
モガミや古いオーテクなんて、なんてことないケーブルのほうが自然に聞こえる。
スピーカー用はDIYショップで売ってる安い赤黒銅線かな。
銅線の音に慣れてる、というのもあるかもしれないけど
少し高域に延滞のあったほうが自然な感じがする。
その代わり、中域がぼやけたスピーカーはどうしようもなくなる。
この辺のバランスがとれるかで、歌謡曲向けかどうか、判断するのもアリかな。
美空ひばりの生声とレコード演奏とが交互に現れるのだが
その音質の違いが少し気になった。
生声は鮮明なのに、レコードはやや曇った音。
当時のピックアップは、NHKだとデンオンのMC型が使われてたが
民放だとどうだったのかが気になる。
今のDL-102とも違うようだが、SP盤なのでフィルターを掛けたか。
坂本九は、確か花街の生まれと聞いたことがあるから
小唄の話も、さもありなんかと、思うよ。
三善英史は違うと思う
だから残響音は馴染まない
東海大学は代々木の校舎で試験放送していたのではなかったっけ
何故名古屋？
後半がちょっとよくわからない
東海大学は代々木の校舎で試験放送していたのではなかったっけ
何故名古屋？
FM東海の「東海」を、東海地方の東海と混同してるんじゃないかな
東海大学に由来するから、東海地方とはまったく無関係だよ
母体になってる東海大学の所在地、FM東海の最初のスタジオは代々木（渋谷区富ヶ谷）で合ってるよ
FM東海のスタジオはその後虎ノ門の発明会館ビルに移って、FM東京になってからも1974年まで使ってた
今でもTOKYO FMの関連企業（制作会社とアナウンススクール）が入ってる
マトモに受信出来なかった。
唯一の民間FM放送なのでどうしても聴きたくて5素子のFMアンテナ立てたな
近所の今だったらクレマーの勘違いオヤジがお前んとこのハム用アンテナのせいで
俺んとこのTVが妨害電波で映らんと難癖つけられた。
NHKまで呼んで大騒ぎになったが結果オヤジの14インチ白黒TVが古すぎてアボーンして
いたのが原因だった。
残念だったのは一番いい時間帯（ゴールデンタイム）は望星高校通信講座の番組が
独占して事かな、午後6時半から11時までが通信講座だった。
あたぁー。痛い勘違いをしましたね。
丁寧な解説ありがとうございました。
古本で松下電器のハイファイラジオの技報（1956）をゲットしました。
届いたら報告します。（あんまり興味ないかもしれないけど。。。）
FM東海の当時の番組表だと、朝～日中と深夜は音楽中心で、夜の6時から9時までが
望星高校通信講座になってるね
このスレには不適当な話題だけど、ポピュラー音楽でもジャズ（ディキシー、スイング）中心で
歌謡曲はほとんど流れなかったとか
ハイファイラジオの技報はぜひ見たい
AMは特に雑音の影響を受けやすい電波だから、どういう風に回避してたのかも気になる
今のチューナーについてる小型ループアンテナだけだと、AMの良品質受信はなかなか難しい
1955年頃というと、蛍光灯、冷蔵庫、テレビなど
AM受信のジャマになるものが、まだ少なかった時期。
こうした要素も広帯域放送がFMに移行した原因かもしれません。
そういえば、FM東海への許可の条件が教育放送にあったので
ゴールデンタイムでの娯楽は厳禁、資金難でCM流せば国会で突かれる
色々と鞘当てがあったようですね。
ttp://jump.5ch.net/?http://www.video-koubou-topaz.jp/National-1956.html">ttp://www.video-koubou-topaz.jp/National-1956.html 過去スレにもあったナショナルのカタログでも、蛍光灯の欄の下に
雑音防止器がいくつか載ってるね
白黒テレビが電蓄、ハイファイ装置（オーディオ）より高かった頃・・・
FM東海実用化実験局1969年7月22日放送分
ttps://youtu.be/2P24D1OPneA 当時のFM東海「ジェットストリーム」をステレオ録音したもの
（歪みはあるけど、しっかりステレオ音声）
個人録音でも、良い状態でテープをデジタルデータにして、
残しておける時代なのが有難いよ
： [sage] 2017/03/30(木) 20:45:57.23:ETc55k0c
おお！ちょうど良いのがみつかった。
ハイファイラジオ、ゲンコツ、まさにこの時代の資料を探し回っているところ。
日本コロムビアのポピュラーソング集など聴くと、1954年から急激にハイファイになり
通常の流行歌より早めにドーナッツ盤用の音源を作ってた感じがする。
歌声のリアリティは、その数年前でも十分にあるんだけど
聞き比べると、何を強調したいか、するべきかの道筋がみえてくる。
ハイファイ用は、6BQ5、6CA7のヨーロッパ球があてられ
ラジオ用に6V6-GT、6Z-P1、特殊用が2A3、807など。
今は、むしろ逆のほうが真空管らしいと思われてる。
自作用の出力トランスに大容量のものが増えたことも一因かな。
可変型ＩＦＴは、455Hz近傍の選択度を広帯域、狭帯域に切り替えられるもので
トリオのものだと狭帯域 3kHz (-3dB) 広帯域 12kHz (-3dB)という感じ。
少し気になったのは、減衰特性を10kHzのイニシャルで取ってること。
例えば、選択度 （±10kHz） A1-12dB D5-12dB B1-6dBというもの。
これってトーンコントロールの考え方に似ていて面白いと思った。
個人的には、アンプのトーンコントロールは、EQカーブの補正を兼ねてたと
思っているけど、同じ聴覚の基準としてラジオでも有効だったことが判った。
高周波キットだけなら1,900円、製品になると19,800円ということで
改造、自作に走る人の気持ちも判るもの。
デジタルエフェクターに「RADIO VOICE」というのがあって
これを800Hz近傍を中心に±1オクターブに合わせて
元の信号との混ぜ具合を変えていくと
広帯域～狭帯域の可変ができて面白い。
普通のフィルターと違うのは、特定の周波数でバッサリ切るのではなく
元信号で残りを補完して緩やかにできること。
これでやると、おっとりして柔らかい昔のラジオの音に仕上がる。
広帯域以前の「日曜娯楽版」、広帯域以降の「美空ひばりアワー」
ＳＰ盤からドーナッツ盤という変化への対処が判りやすくなる。
同時期に多数のレコード会社で吹き込んでるから各社の録音が聞き比べられて面白い
キングのステレオLPは発売当時のLP売上記録を作った
地方の場末のスナックやってたりしたらウケるんだがw
島倉千代子なら自分もよく聴くんだけど、大全集をリリース順に聴いていると
昭和43年に入った途端に、演奏の楽器一つ一つの音が明瞭になったり、
昭和37年頃からはコーラス隊が入る曲が多くなったりして、流行や進化が判って楽しい。
すごく高域が張ってて、同じコロムビアの美空ひばりの船村徹曲集とは雰囲気が違う。
大全集でも同じ感じでしょうか？
バックが原信夫とシャープ＆フラッツだったよ
1970年台ですかね
CDの美空ひばりの2枚組みは、よくみたら1枚目がMONOの録音だったが
まったく違いました
National Parts Fan Circleという自作派のための情報誌だった。
ちょうど1955年にAM広帯域放送が通常放送となり
メーカー側の体制も整った頃のハイファイ機器を幅広く扱ってる。
アンテナなどの使いこなしの関係は書いてなかった。
（目次）
音響工場の新設
高級ハイファイラジオ CF-745型の紹介（6BQ5シングルでゲンコツを駆動）
旧来のラジオをハイファイラジオに改造（可変IFT、6P-W1使用）
8P-W1を使った製作応募作品の紹介
6CA7プッシュ ウルトラリニア・アンプの製作
松下電器のハイファイ・アンプの評価
オートストッパー、ターンテーブルの紹介
電解コンデンサー作業場見学
テレビ自作の可能性
研究室、会員質問室、アマチュア無線家の紹介
新商品紹介
とりあえずラジオ改造の記事だけチラ見。
ttp://quwa.fc2web.com/008.jpg ttp://quwa.fc2web.com/009.jpg ttp://quwa.fc2web.com/010.jpg ttp://quwa.fc2web.com/011.jpg ラジオ受信側のIFTの交換（1,900円）
ピックアップをハイファイ対応品に交換（1,250円）
スピーカーをハイファイ対応品に交換（1,850円）
アンプをウルトラリニアに改造（トランス1,150円＋真空管eｔc）
スピーカーを専用箱に入れる（完成品6,000円、自作だと格安）
など色んなルートがあった。
いずれの改造もパーツ代2,000円を切るように設定されたのは
LPが1枚2,300円というのと関係がありそうだ。
そのうち立体放送、FM試験放送と技術進展するとは誰が知る。。。
ダイヤトーン 2S-305、デンオン DL-102、ソニーのテレコなど
当時の最新技術がずっと先の技術を目指していたことが判る。
流行歌は、SP盤～ハイファイラジオ～ドーナッツ盤をさまよっていて
価値観を熟成させたんだと思う。
10kHzまでしっかり出る機器で聴くと、それ以上はあんまり要らなく感じる。
1960年代までの歌謡曲だと、むしろ削るほうを考えてしまう。
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-31509.png ジェンセン2ｗａｙにラジオボイス・エフェクターをからめて最適化した。
比較に松下電器のラジオ用スピーカー
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-28275.png オーラトーン5c（細線）
ttp://quwa.fc2web.com/aura5c-ns10.jpg 30cmフルレンジ‘＋ホーンドライバーなのにローファイ・リッチな昭和の音。
ハイファイ・ドーナッツ盤を、ＡＭラジオとの下位互換という見立てにした。
こういう無茶をしても破綻しないので、ジェンセンは好きだ。
高域が張ってるって具体的に言うと？
勝ち目はなかったのではないか？
まあ、使い道ちがうので勝った負けたではないが
バイオリンの倍音が強いので、4～6kHzあたりにピークがありそう。
音が張ってるというのは、リミッターぎりぎりで入れて減衰しない感じ。
下の音階から倍音が伸びると、楽音と一緒に引くんだけどね。
歌が抑揚をもって歌ってるのに、高域は出っ放しで引かない。
時代の趨勢からみれば広帯域AMラジオは暫定的な感じになったけど
受信機を持ってる人の数がテレビと圧倒的に違うのが当時の事情。
そのスキマに入り込んだ流行歌の命運を拾い上げようとする意図です。
サウンドの志向からすると、録音史の年表よりも10年遅れているとみるのが
おそらく正確だと思う。これは洋楽のポップスでも同じかな。
おお、ありがとう
CF-745は「パナソニック」の名前が、ラジオの愛称として使われた最初の物だね
一通り読むと、当時の『ラジオ技術』に載ってるような内容とかなり近い
試聴だけで画像はメーカーHPのコピー、というような個人ブログの多い今と、
メーカー自身がアマチュアの先頭になってるこの当時では、情報の質が違うのかと思った
立体放送と中波の広帯域放送は、ほとんど同じ頃（1950年代半ば）で
それらがFMに移行して、1960年代から70年代に大衆化していったんだと思う
戦後復興のなかで、新技術の導入が遅れたせいで
テレビ、ハイファイ、ステレオが1953～58年の期間に
矢継ぎ早に販売されたんだけど
テレビ、洗濯機、冷蔵庫と買い揃えるなかで
ハイファイとステレオは、まだ贅沢な品物だったかと思う。
こうしたピュアオーディオ＝嗜好品の感覚は、今でも変わりないかも。
デンオンもダイヤトーンも一般市場への販売はしてなかったしね。
ダイヤトーン銘柄のスピーカーが付いた真空管ラジオがあったけど
P-610Aとは全くの別物で、AMラジオ用帯域のもの。
磁石代がほとんどなので、松下電器のロクハンでも
ラジオ用1,450円、ハイファイ用1,850円とほとんど差がない。
そのためスピーカーだけ交換して、ハイファイになったと思ってた人もいたらしく
ラジオ改造記事でも、広帯域IFTを付けなければハイファイ受信はできない
という趣旨のことが書いてある。これはピックアップも同様だと思う。
AMラジオの200～5,000Ｈｚのクオリティが、結局は最後の切り札になってると思う。
狭帯域のＳＰ盤でも真に迫る音が出せるのは、その辺に秘訣があると思う。
何か違いを示すパラメータがあれば便利なんだけど、まだ見つからない。
松本市の日本ラジオ博物館に所蔵がある、三菱の7H-456（FM付3バンド、6球スーパー）
これにはP-610Aが使ってあると解説があったよ
写真で見る限り、1960年代のラジオの中でも高級品の1つだね
ttp://jump.5ch.net/?http://oomaguro.eco.coocan.jp/radio/radio281.htm">ttp://oomaguro.eco.coocan.jp/radio/radio281.htm： [sage] 2017/04/02(日) 08:13:47.43:xCI37/gD
1963年の製品なので、P610Aが市販された後ですね。
P610Aの前身のフルレンジは
局用テープレコーダーの音声モニターに使われましたが
このタイプは1953年の電音ST14型テープレコーダーに遡ります。
最初期のP62Fが博物館所蔵でよく知られますが
この頃の名称はP65F。続いてP60Fになります。
ttp://triodeamp.web5.jp/adv/m/p610_m.html ttp://triodeamp.web5.jp/adv/m/P60F_1.JPG ttp://triodeamp.web5.jp/adv/m/P60F_2.JPG ttp://www.jas-audio.or.jp/jas_cms/wp-content/uploads/2016/06/201605-085-089.pdf ttp://www.zc.ztv.ne.jp/shin/00/josf/KTB/ktbtape.jpg （1956年のラジオ局） 初期の1951年頃の国産テープレコーダーの音と比べると
1953年頃から音質改善があったようで「日曜娯楽版」でも確認できます。
LP発売の年とあって、ラジオでも音質の向上に努めたのでしょう。
その翌年1954年末にAMハイファイ、AM2波ステレオ放送が定時番組となったわけで
両者は連動してたと思われるわけです。AMラジオだってハイファイを狙ってたのですが
FMステレオに移行する1964年までの10年間の録音品質が曖昧なまま残されます。
>>受信機を持ってる人の数がテレビと圧倒的に違うのが当時の事情。
これは、昭和31年代でした。月給が30776円、
ttp://shouwashi.com/transition-salary.html TVの安いのが78800円で、冷蔵庫が74000円、洗濯機23000円
フィリップス製のオートチェンジャー付き電蓄198000円
日本人の年収が低い頃の価格で2ヶ月分でTV1台に相当という頃の話しで
TVなんて、あまり普通の家に無い時期なのですね
自分の昭和の白黒TV受信機のイメージは、
まだ映る管球TVが廃棄されてた昭和40年代末の河川敷のTVとかです
その頃のLPをTVで流す？（ではないか）と、結構恐ろしく良い音がたまにしてた
覚えがあって、音楽ソースも全部は、良くなかったのでしょうが
1956年の長時間テープ録音機（2ch、10時間）とかが既にあって
1958年のダイヤトーン 2S-305でステレオ録音対応が本格化するわけで
さらに絞り込めば1953～58年が、SP盤でもドーナッツ盤でもない
ハイファイラジオの時代になるわけです。
この頃の録音といえば、島倉千代子、美空ひばり、フランク永井、石原裕次郎など
戦後のスターが揃い踏みする頃で、映画との関係が深いながら
流行歌の再生には欠かせないわけです。
昭和 TVでぐぐると 30年の金属ケースの14インチの正方形TVしかないですね
それより後の時代で
家具調木製の大振りで20インチで
広偏向ブラウン管で奥行きが狭いやつがでてこない。
あの種だとラジオよりゆったり調で歌番組が聴けたですけどね
あの手のTVのある部屋で、チェックCDのスイープトーンを鳴らすと、低域で盛大にボーッという共鳴音がするｗ
>家具調木製の大振りで20インチ
何故か半端な数字の19インチだったよ。
なんとなく米軍基地との関係で1950年代からあるもんだと思ったら
一般の人が聞けたのはそんなに古いことではなく、1965年頃からだと判った。
セガが米ローゼンと合併、ヒビノが輸入開始などしたのがこの時期で
輸入の代理契約にもかなり厳しい審査があったらしい。
ttp://www.onionsoft.net/wp/archives/1154 ttp://www.hibino.co.jp/50th/history/foundation/chronicle/1-5.html そういえば、ビートルズを歌えて、ゴーゴーも踊れる、という触れ込みで
黛ジュンが売り出したのは1967年のこと。
大瀧詠一が、中学の修学旅行でジュークボックスに出会ったのが1963年
米軍が払い下げた1959年製 AMI JBJ-120を引き取ったのは1970年で
モノラル仕様なので格安だったという。 👀
Rock54: Caution(BBR-MD5:33957319a8699e549898cdf7a4d5a410)
ttp://peanutsfan.net/StHiFi3705.html こういう雑誌にポピュラー歌手が取り上げられるのは異例なような気がするけど
「ザ・ピーナッツはステレオマイクで録音」というくだりが妙に気に入った。
表紙絵で手に持ってるのはPCL82などの複合管のシングルか。
1955年の国家公務員の大卒初任給は1万円に届かない時代。
その価格を20倍したら現代のいくらくらいの感覚なのかわかりやすい。
ラジオIFTの交換 \1900 → \38000
Hi-Fi対応ピックアップ \1250 → \25000
Hi-Fi対応スピーカー \1850 → \37000
アンプ改造 トランス\1150 → \23000
スピーカー専用箱完成品 \6000 → \120000
LP \2300 → \46000
そのページはボーナス含めた平均月収であることに注意。
なので家庭持ちのサラリーマンの月給ベースで考えるとTVは月給半年分、洗濯機でようやく月給の２ヶ月分。フィリップスのそれに至っては月給一年分とかの世界。
いい記事をありがとう
「ホーン・スピーカーがハイファイへの近道」とあるのが当時らしいね
今は市販2ウェイスピーカーの音圧レベルが80db～90dbの間だけど、
この当時は真空管アンプだから、音圧レベルの高いスピーカーで補う必要があったのか
言うまでもないけど、ホールを借り切って、演奏と歌の同時録音・・・
今からしたらものすごく贅沢に感じるなぁ
演奏と歌は別録りが当たり前だと思ってると尚更
ttps://pbs.twimg.com/media/C3_lN7BVYAEWKzM.jpg ttps://pbs.twimg.com/media/C2L_cslUoAAZDzb.jpg へえーこういうステレオハイファイ製作読本って、あったんですね
私の頃のは、コンバットの主役のビッグモローだった
ttp://www.hifido.co.jp/KW/G7004/J/200-20/C13-73915-87213-60/ NAITONAL TV 嵯峨 でした
佐賀だと勘違い、3スピーカーだそうです
ttps://www.youtube.com/watch?v=gToO8hYqZRE ヒッチコックならまだしも、あのモノクロ・テレビドラマを1980年代でも見れたからね。
1971年で自作＝真空管中心というのも、ちょうど時代感覚が合ってる。
これをみると2way。色々ありそうだね。
ttp://yonedenblog.blog.fc2.com/blog-entry-302.html これの翌年昭和３８（１９６３）年に発売になった梓みちよの
こんにちわ赤ちゃん、途中でスプライシングテープの処か
かなり低域のノイズが入っている。
個人的には、このノイズの聞こえ方でスピーカーの低域
特性の判断材料に用いていた程だが、その写真と同じ
小型モニタースピーカーでこんにちわ赤ちゃんの収録を
実施していたなら、当時ノイズに気付かなかった為、その
まま商品化した可能性は有るかも・・・。
6V6プッシュ、JBLのOEM 8インチ・フルレンジが入ってました。
おそらくD216の改良品で、センターキャップを樹脂でダンピングしてます。
ttp://www.skyelabs.com/_Media/ampex_620_amp_spkr1.jpeg これをみると65～10,000Ｈｚを保証していて、内部でイコライザーを掛けてるらしく
内部スピーカー端子に別のスピーカーを繋げるなと注意している。
ttp://audiophool.com/Schem_A/Ampex_620-3.gif 一種のインピーダンス補正回路だけど、中高域が引っ込むようにしてるかも。
ttp://www.ilk.org/~ppk/Manuals/Ampex_Speakers/Ampex_620_Sams.pdf 次期バージョンのＪＢＬ Ｄ260では、ガチガチにセンターキャップを埋め立ててる。
小坂一也のカバー曲を聴いて納得。サン・レコードのレパートリーだ。
ニューヨークでR＆B、シカゴでブルースというジャンル分けをされるが
メンフィスだからカントリーと言ってただけかな。
実際には、ブルースもカントリーもロカビリーも全部ごちゃ混ぜだったし
サム・フィリップスの彗眼は、ジャンルを破壊する個性的歌手の発掘にあった。
こういうパッションは、歌謡曲のノンジャンル的な模様と関係が深そう。
小坂一也の紅白歌合戦初出場曲が「ハートブレイク・ホテル」だもんね
他にも雪村いづみの「ビーバップ・ア・ルーラ」、バナナボートが男声コーラスの関係で歌えなかった
浜村美智子の「監獄ロック」もあるから、ロカビリーも初期のロックンロールも全部ごちゃ混ぜだったと思う
紅白歌合戦の音声で聴けるのがとても貴重だよ
ザ・ピーナッツも、1965年の紅白で「ロック・アンド・ロール・ミュージック」を歌ってるけど、
これも紅白の映像しかないのが残念・・・
カントリー・ミュージック自体が黒人音楽とミックスされた音楽性だったっということだね。
カントリーといえばジョージア州、ジェイムズ・ブラウンが育ったところ。
JBの初期の頃はまんまロカビリーだもんね。
そもそも昔のことだからそもそも音楽ジャンルという概念がないんだけど。
ありがとうございます
こういうテレビをさがしてました。
平面バッフルとしての大きさが効いてゆったりした音だったりして
でもこういうTVのオーディオ回路は、シングル段しかなくて
プッシュプルで10W以上とかは、みたことなかったですね。
そこら辺が貧しいですね
戦前のアメリカのラジオなら、
平気で４５や５０、2A3のプッシュプルとかあるでしょうに
戦前で最高級のラジオ電蓄は$5000。5スピーカー、2A3×8でした。
ttp://www.campx.ca/dubois.html 今の価格にしたら250万から300万くらいでしょうか。
戦前期のアメリカのメーカーは最上位モデルはフラグシップとして売れなくて上等、買えるもんなら買ってみやがれ的な価格設定にするのが常でしたから、最多販売価格帯は実勢$50程度のモデルだったのでしょう。
黒人音楽で特徴的なモード奏法のルーツはアフリカ起源ではなく
イギリスの聖歌唱法でLine-outというのが大元。17世紀まで遡る。
ttps://www.youtube.com/watch?v=VQmfHLpCQcU ドラムを主体にしたビートのほうはアフリカ起源かな。
アイリッシュのフィドル、セネガルのバンジョー、イタリアのマンドリン。。。
色んな国の楽器がアパラチア地方に押し寄せたのか？
黒人音楽に特徴的なモード奏法？
意味不明も甚だしくないか？
ttp://market-uploader.x0.com/neo/src/1491483900117.jpg 出身は雑多なそれぞれのコミュニティで共通した地域娯楽がダンスだったこと。多人数で行うダンスの伴奏のリード楽器にはフィドルが定着したこと。リズム楽器はあり合わせの弦楽器。地域ごとに民謡の独自スタイルがあるようなもの。
アイリッシュでバンジョーは使うけど…
1910年台半ばからジャズ方面と地域のバンジョーオーケストラで大流行したテナーバンジョーブームが大恐慌で一気に終わりブーム時に作られた楽器が中古で安く出回った1920年代にアイリッシュやってる連中が使うようになって定着したもの。
つまりアイリッシュで使うバンジョーは4弦。もともとアイルランド系の連中が使っていた楽器は単音楽器も多くテナーバンジョーの奏法がハマったのもあるかも。
マウンテンミュージックで使うのは5弦バンジョーで、話は18世紀に遡るけど白人連中にバンジョーが定着したのはミンストレルショウの影響。(ミンストレルショウ自体、白人が黒人に扮して松竹新喜劇やるようなものなので、今やったら大炎上なんだろうけどね。)
マンドリンはテナーバンジョーブームの少し前1910年代にマンドリンオーケストラブームみたいなのがあって、ギブソンのフラットマンドリンなどはこの時期の発祥。
ギターに関してはドイツ出身の家具職人のマーチンさんが19世紀にスチール弦を使えるギターの表板の補強方法にXブレイジングを編み出してギター方面で主導権を握る。
フィドル以外はアメリカで改良発展を遂げた楽器が定着したわけだから、楽器の名前に惑わされてはいけない。
アパラチアは日本でイメージするなら岐阜の山奥かな。地域は貧しくそして集落ごとに出身国が違う。それぞれの集落でできたスタイルが19世紀から20世紀にかけて融合してマウンテンミュージックとかオールドタイムミュージックと呼ばれる形に。
共通するのはキリスト教がベースという部分で日曜日には教会に…物心ついた時からヒム(そのYouTubeのやつね)やらセイクレッドやら説教師の口上に慣れ親しんでるから、現代でも南部のミュージシャンのアルバムにはセイクレッドアルバムが混じってたりする。
モードは世界中にあるから
ヨナ抜きの歌謡曲もジャパニッシュモード？
あ、そっか。同化じゃなくて孤立。言葉が通じないならダンスでも。そんな感じかな。
「演歌オヤジのオーディオ指南」という言葉が思い浮かんだ。
演歌聴くのに豪勢なオーディオ装置などいらない。そう言う人は多い。
しかし、舟唄で「肴はあぶった烏賊でいい」と唄ってるように
しみじみ聴くにも流儀というものがあってもよかろうかと。
おちょこ一杯、フルレンジ一個、という具合である。
灯りはぼんやり、真空管がいい。。。
何だか調子に乗ってきたわいな。
ttps://m.youtube.com/watch?v=giRayK4fQkg スケールはスケールであって、意図的な演奏もあれば後からの解釈もある
「当てはめる」場合もあれば、単に「当てはまった」場合もある
「遡れば」と言う話なら、非常に限定的かつ、演奏にも聴取にも役に立つかどうか判らない薀蓄の一種でしかないような気がする
演奏者が起源を意識している事もあればそれが結果、解釈としてモーダルな事もある位に考えていたが
チャーチモードからフリージャズまで論ずるつもりがあるかどうかも解らないし、それがこのスレに適切だとは尚更全く思わない
ttp://wiki.nothing.sh/page/Vintage%20Technics%20%B0%A6%B9%A5%B2%F1/Technics%A5%AB%A5%BF%A5%ED%A5%B0%C7%EE%CA%AA%B4%DB/8P-W1 アンプには6V6プッシュが望ましいが、コストを下げたい人は6AR5でよい。
この文章を読んで、演歌オヤジは何を選ぶかというと、6AR5のほうである。
さらに絞り込むために以下のカタログを眺める。、
ttps://blogs.yahoo.co.jp/chitoseame28/GALLERY/show_image.html?id=67559985&no=3 周波数レンジをみてJP-704楕円フルレンジで十分だと見極める。
実際にはJPシリーズのほうが中高域が張って声が通るし、箱の容積も小さくできる。
そのかわり、音量を上げ過ぎると音割れするので、6AR5でいいと納得する。
かように、しみじみにも流儀が必要なのである。
言い訳できるように見せかけるテクニックである。
シングルアンプでも300B、さらには50などは本当に高い。
しかし、6V6や6BQ5のプッシュなら、見た目も質素である。
昔のように戸棚に隠しておいてもかまわないくらいだ。
そこで高性能な20cmフルレンジを壁掛箱に入れて鳴らそう。
かつてのラジオ局で使ったモニター方式だが
ちょっとした大画面テレビよりも、ずっと高音質で鳴ってることに
さりげなく気付かせることくらいなら簡単にできる。
鼻高々に「演歌はこのくらいがちょうどいいんだ」と言おう。
けして20万円掛かったなんて言ってはだめだ。
居酒屋の有線放送、8トラカセットのカラオケマシーンがある。
有線放送はロクハンの壁掛けスピーカー、またはモノラルラジカセ
カラオケマシーンは8インチで金属センターキャップについたウーハー。
しかし、いずれも高度成長期の1970年代末の思い出だ。
ゼンマイのねじを少し巻き戻そう。
それは少年時代の記憶との邂逅である。
つまり、オトナ目線で聴くべき演歌を、幼児化した記憶で補うことになり
途端に想像力がしぼんでいく。
おそらく、流行歌を口ずさむことさえ学校で禁止された時代のこと
子どもが窺い知れないオトナの世界が広がっていたはずである。
記憶のなかでは、演歌オヤジの花は夜に開かない。
このため、演歌オヤジにオーディオ指南をするときは
オトナ目線で記憶を再構築する必要がある。
10円の駄菓子で満たされると思うのは、極端な精神論だ。
昔歩いた学校の道も、大人になって歩くと、狭くて何もかも小さい。
おもちゃかリアルな大きさかの違いがあるだけでも、音楽の目線が変わる。
個人的に感じているのは、時代が遡るに従い、音のパースフェクティブが拡大し
スピーカーの口径に喩えると、1970年代で16cmだったら、1960年代は20cm
1950年代より昔は30cmである。普通は逆にする人が多いが間違ってる。
逆に能率が良くなるので、アンプの出力は、50W→30W→10Wと減る。
ようするに、オトナ目線も幼児体験も一緒に包み込もうというわけ。
演歌オヤジは、哀愁もあるが、どこか愛嬌もある寅さんのようなところがある。
どういうオトナになりたかったのか、古い流行歌を聴きながら、感じ入るわけだ。
大人の恋愛観が酸いも甘いもストレートに表現されているので
子供にはマネしてほしくないし、茶化されたくない大人心の現れであろう。
伊勢佐木町ブルースは、カトちゃんの「ちょっとだけよ～ん」に化ける。
この辺の敷居をオーディオで作る必要があって、私は音のスケール感だと思ってる。
ほどほどに立派に鳴らさないと、まじめに受け取ってもらえないのである。
二十歳前後の美空ひばりと聞き比べて、女の年頃についてふと思った。
って、LPがみつかって、歌謡曲じゃないかもしれんが
これの「風」だけMONOだよ
中学生がAMラジオで聴いてたので知らんかったわけだ
テレビで流したらお茶の間が凍りつくこと必至w
ttp://diskunion.net/jp/st/images/NipponFunkSoulDisco19731983.jpg そういえば、昭和30年代に素人の浪曲のど自慢のようなものがラジオ番組にあったそうな。
題して「浪曲天狗道場」。勝ち残って段が上がると賞金が増えて結構盛り上がったらしい。
ttps://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%B5%AA%E6%9B%B2%E5%A4%A9%E7%8B%97%E9%81%93%E5%A0%B4 さすがにこれの音源はないだろうな。。。と思ったら、最終回に近い音源があった。
ttp://www.bpcj.or.jp/search/show_detail.php?program=133363 戦後に文芸浪曲から歌謡浪曲へ転身したとのこと。
女性でも、美空ひばり、島倉千代子など
このジャンルが歌えるかで、歌手生命の長さがあったような。
語り掛けが古びないという意味かな。
迷曲w
ジャズ好きならアドリブとかアンダートーン、ヨコハマに浸りたいならモンサンミッシェルの孤独とかヨコハマノクターンとか。
雰囲気あって好きな歌い手さん。
音源そのものを所有するだけでなく、その展示方法（再生方法）も提案する。
例えば、CDを買って、CDプレーヤーで聴けば、それで本当に味わったことになるだろうか？
逆に、古い音源は、最高の機器で聴けば、最高の音とみなせるだろうか？
答えは「NO」で、快適な音で聴くためには、再生のノウハウが必要である。
今は個人的な興味で、昭和30年代の音文化の再構築を目論んでいるが
ラジオ、映画、演芸場。。。これだけでも、多様な切り口があって
それぞれの専門家と前後の時代との発展史とで、縦割りに構成される。
これを、家庭でひとつのエキシビション、アーカイヴとして形成する試みである。
ttp://www.jas-audio.or.jp/jas_cms/wp-content/uploads/2015/12/201511-076-080.pdf つまり、送信機に入る前の音は、1952年（昭和27年）で十分にハイファイだったし
そこでモニターに使用してたP-65Fも、ラジオ少年が手にしてみれる状況にあった。
一方で、SP盤、中継所の音質は、まだ旧規格のままだった。
松山市にすでにこうした音響システムが導入されていたが、音源は生音声であり
高性能なテープレコーダーの導入は、東京でST-11型が試作されたばかりで
1953年のST-151型まで待たなければならない。
1956年の三重県では、この録音機が複数台稼働していた。
ttp://www.zc.ztv.ne.jp/shin/00/josf/KTB/ktbtape.jpg 2wayの2S-660は完成したばかりで、1958年の2S-305まで待つことになる。
「当時の技術」は十分にあり
「マスター音源」は一般の人は手に取ることができず
結果として「再生できなかった」。
では、マスター音源を手にすることができたらどうか？
当時の人が、どういう音を聞いて感動したか？ という原体験なのか
マスター音源の性能を十二分に引き出すようなシステム構築か。
まだ円盤式のアセテート収録もあったことも考慮して、考えなければならない。
CDでもLPでもなんかつまんないなと思っていたが
当時のD130使っていた頃の感激が無いなと思っていた部分を埋めるのが
このEP盤の「勝手にしやがれ」なのでした。
全く録音がちがうか、マスタリングのちがいかわからないが
あの頃、LPで聴いたのではなかったEPだったというオチでした
結局、自分が聴きたい音で聴いて能書き垂れたいだけではありませんか。
どうでもいいことばかり報告するスレ 17
ttp://mint.2ch.net/test/read.cgi/pav/1478589377/
ダイヤトーン 2S-305が現れたのは、ある意味、先進的なことだったと思う。
一方で、開発に携わった佐伯多門氏は
「クラシック音楽、ジャズ・ポップス音楽、邦楽、朗読、コーラスなど
幅広いプログラムソースに対し忠実な再生をして、
音質として高い評価を得ることが重要」
という言葉通り、徹底的にフラット＆低歪みを目指したため
それに追いついた国内録音が、1950年代にはそれほど無かったという
トラウマになることもある。おそらく、2S-305の登場を前後して歌謡曲の録音も
ハイファイへと舵取りをしはじめたように思うのだ。
このため「個性の強い音質のスピーカーでは対応できない」というとき
当時のPA音響機器がもつ、中高域を持ち上げたアザトイ音への一瞥であろう。
何となく推測するに、NHK技研の計測室で育てられたように思える2S-305は
ほとんどの耳で判断され、量産体制に入る段階での品質管理のために
その後の計測技術の開発という、別の難問を導いた。まさに禅問答である。
ttp://www.jas-audio.or.jp/jas_cms/wp-content/uploads/2015/12/201511-076-080.pdf 個人的に思うもうひとつの課題は、ラジオを中心とするオーディオ市場が
もっと後進的であったことで、昭和30年のシングル盤の9割9分はSP盤である。
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-22697.png この時点で、ハイファイを再生する基本はフラットで広帯域な装置だとすると
当時の9割以上を占めた旧規格の録音を再生するのに最適なのは？
この課題は、流行歌＝懐メロというジャンル分けに大きく影響されるので
丁寧に扱わないと、芸能史の連続性が失われることになりかねない。
レコード・コンサート、ダンス・ホールというPA機器の性能と連動している一面がある。
映画に詳しい人なら判るが、どんなフラットなスピーカーでもホールでは高域が減衰し
旧規格の録音特性はこれと連動していた。
ttp://quwa.fc2web.com/Academy-Curve.gif ラジオの音もそれに準拠していたと思われる。
ttp://quwa.fc2web.com/009.jpg （図3Cを参照） この特性に合わせて、PA機器では落ち込みやすい中高域を持ち上げた
スピーカーが増えていくようになる。1950年前後のエクステンデッドレンジである。
ttp://www.lansingheritage.org/images/jbl/specs/pro-comp/2135/page2.jpg ttps://www.jensentone.com/vintage_ceramic/c12r これがマイクの生音をそのままホールで鳴らすときに最適な特性である。
1955年の流行歌の録音のクロニクルを考えると
庶民感覚で横並びになって、オーデイィオ特性を最適化する必要がある。
ラウドネス曲線での聴覚と連動した、人間工学的なデザインだ。
ただ最適なデフォルメには、メーカーなりの意見や個人差があるので、
フラットな特性という、一種の定規のようなもので規定しましょう
というルールの敷き方のように思う。これは電気工学的なデザインである。
実際は、録音された音そのものはフラットな特性ではないし
聞いてる人間の感性もフラットではない。
ジェンセンやJBLは、実にアザトイ音だが、ステージでの説得力について
伝統的なツボを押さえているように思う。
結局、私は音楽の説得力を感性で聴いてることになる。
当り前のことだが、オーディオではこれ以外のことを気に掛け過ぎのように感じる。
ttp://jump.5ch.net/?http://www.ne.jp/asahi/shiga/home/MyRoom/9722dynamicspeaker.pdf">ttp://www.ne.jp/asahi/shiga/home/MyRoom/9722dynamicspeaker.pdfスピーカー自作スレに貼ってあったので、こちらにも
低域の共振周波数の変化は、バスレフポートが後ろにあるか前にあるか、
置き場所の変化（インシュレーターやスタンドの素材）でも違ってくる
バスレフポートが後ろにあると、壁との距離を上手く使えば、低域の質が変わって
それが人の声（歌やラジオのニュースの声）にも効いてくる・・・
自分なりに理解しているのはこれくらい
： [sage] 2017/04/11(火) 06:41:33.66:Xp6/1lJJ
中規模のPA用として活躍したが、ギターアンプというのは、その一部である。
面白いことに、この時代のユニットは、正面はアグレッシブだが、
斜め45度くらいから聴くと、r中高域の山はフラットになる。
正面：
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-8642.png 斜め：
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-8168.png ところが、パルス波で倍音特性をみると、斜めから測ってもアグレッシブである。
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-6178.png この歪み成分によって、立ち上がりの音に輝きが加わりビビット
持続する音はフラットでクリーミー、という相反したサウンドが得られる。
特に古い録音は、こうした歪み成分がないと、高域の明瞭度が落ちる。
単純にテープの劣化というのもあるが、リバーブを使った音に慣れた
1970年代以降の録音に行き着くまでに、こういうことをやっていた。
1960年代の深いエコーも、倍音がないと音が沈むし
1950年代のSP復刻も、倍音があると発音が明瞭になる。
正確、忠実だけでは解決できない、音楽再生の基本があると思ってる。
録音側で100Ｈｚ近傍をブーストしてあることが多いので
200Ｈｚから-6dB/octでロールオフしても大丈夫だと思ってます。
逆に100Ｈｚ以下が伸びてると、ブーストされた低音が暴れて
バスレフだと引っ込みが付かなくなってしまう。
当然、中高域の明瞭度も下がると思います。
1960年代後半の国産アンサンブルステレオは
機器のほうでも低域を持ち上げていて
アナウンサーの声がこもっている、と長岡鉄男氏がコメントしてました。
無響室で測ればフラットでも、一般家屋では低域が残る算段です。
ＢＢＣのLS3/5aは100Ｈｚでロールオフしますが
部屋の響きを勘定すると、低音が回り込んでバランスが取れます。
歌謡曲ではないけど『ベニー・グッドマン物語』のキャピトル盤（1954年-55年録音）
アンプ側のトーンコントロールで200Hz以下と10kHz以上を下げた設定だと、ずいぶん相性が良く感じるね
この頃のポピュラー音楽は、だいたいそういう設定の録音が多かったのかも
スピーカー側は現代の物だから、このスレで度々出てくるジェンセンのスピーカーのようなバランスとはいかないけれど
スレ主ではないけど、アンプなら、トーンコントロールの調整範囲が細かい物がいいよ
現行品ならマランツのPM8005、中古も含めればケンウッドのR-K711/K801(CDレシーバー)、R-K1000あたり
音源に合わせて低域や高域を抑えたり、中域を上げたりできるから、古い時代の録音とも相性がいい
PC再生だと、foobar2000のプラグインでグラフィックイコライザーを使って、同じように調整すると良いと思う
1955年辺りにあるSP盤～ドーナッツ盤の移行期
1965年辺りにあるモノラル～ステレオの移行期
大体この辺でつまづく。
どの辺まで深く潜るか？
こっちはまだ地中に埋もれていないと思うけど
1970年前後と1980年前後では、やっぱり雰囲気が違う。
同じジーンズでも、パンタロンとホットパンツぐらいの違いかな。
歌謡曲なので日本製と考えがちだけど、今の日本のメーカーでは
この時代のスタイルで続けているところがない。
スピーカーで一番コスパが高いのは
JBL 4312Eで、なんだかんだ言ってバランスがいい。
アナログ時代の低音、高音というデフォルメ具合がツボを得てる。
高価なものでは、BBC LS5/9、スペンドール SP2/3Rが
アナログ時代の中域の艶っぽさがあって、JBLが下品だと思う向きにはいい。
アンプは、ラックスマンのA級アンプを充てると、和風の柔らかさが出ていいけど
コストを下げたければ、真空管でもKT88プッシュくらいで鳴りっぷりが良くなる。
入り口は、アナログだとDL-103が一番無難で、CDPはCECのベルトドライブ式。
これは永久定番だと自分では思ってる。
JBLはメッキのように高域でツヤを加えるけど
BBC系は樹脂コーンの中域で倍音を加えてくる。
一方で、JBLは中域がシルキー、BBC系は高域がシルキー。
この辺は、アグレッシブなボーカルの多いアメリカと
クラシカルなインストを重視するヨーロッパのトーンの違いがあると思う。
しかし、4312E、LS5/9は、共に中域に十分な厚みがあって
ボーカルを中心に周辺帯域を広げていく、古典的なバランスが残ってる。
では日本はどうか？というと、当時はB＆Kスピーカーと言われてた通り
無響室での特性を重視して、モニター調の性能を競ってた部分があって
特に中域のポテンシャルが低くて、歌モノに難を感じる。
TAD、ダイヤトーン、ビクター辺りが、新品同様のコンディションで手に入るなら
今でも十分に通用するものになると思う。
DCアンプ、MOS-FETアンプの登場前後で
今の技術水準に達していたと思う。
超低域から超高域まで、フラットに大出力を出すことが
アンプの要件になって久しい。
この付近の前後で、歌謡曲の録音のテイストも変わって
ステレオに空気感というか、サウンドステージが現れた感じ。
一方で、アイドル、演歌は、昔のまんまのラジオ向きバランス。
DCアンプ以前は、トランスの影が付きまとって
周波数は伸びていても、磁気歪みでリニアニティが低下してたが
今は逆に味わいがあって良いかもしれない。
ボーカルを中心にしたフォーカス具合が心地いい。
ラックスマンの古い真空管アンプに人気が集中してるけど
橋本トランスは、旧サンスイの仕様を引き継いでいて
自作も含め良質な真空管アンプの選択肢に入ると思う。
頂上決戦を究めるというよりも、いい加減、お気軽、という選択肢もある。
いい湯加減、リラックスできる音、と言えば、もう少し判りやすいだろうか。
鼻歌のように、軽く歌う雰囲気が出ないと、なぜかすぐに飽きる。
これとオーディオ的な快楽とが、噛みあう瞬間があって、
ふと自分でも気づかなかった心の奥底にある真実にズバッと突き刺さる。
それが歌手の個性、楽曲のアレンジごとに、ツボが違う。
このオーディオのツボを聴き込んで探すのが、本当に楽しい。
いい湯加減とは言いながら
上質な温泉が、お湯の成分、温度が合ってれば良いだけでなく
岩風呂か檜風呂か、露天風呂か家族風呂か、リラックスの基準も違う。
こうした水準の考え方が、オーディオでは技術的な進化という言葉で
ツボを押さえる機会を失っているような気がする。
いい加減にも基準があった。
それを中心にバランスを取りながら
周波数レンジ、音響出力など
グレードアップに思いをはせることができた。
ロクハンが製造中止になる1970年代末は
デジタル録音への対応に追われていたが
それより以前にロック・テイストのアレンジで
役不足になりがちな側面があったものの
ロックそのものがアンチ・オーディオの先兵のように
見なされることで、寿命が延びていたのだ。
ただ、今思い返せば、オーディオが糸の切れた凧のように
自由なようで、結局はバランスを崩して、墜落する。
ビギナーにありがちな、ドンシャリ音が蔓延した感じもする。
実は、その影響を一番受けてたのが放送業界だったんだと
言えるんじゃないか。
去年、国際フォーラムのインターナショナルオーディオショウで、TADの新型スピーカーが展示されてたけど、
音の響きが硬くて硬くて、柔らかさのない音としか思えなかった
（で言われている、いい湯加減のリラックスできる音とは程遠い雰囲気）
国際フォーラムの場所の悪さが大きいだろうし、試聴の感想だけで決めつけてしまうのは良くないと
頭ではわかってるんだけど
今のじゃなくて、1980年代初頭のやつ。レイ・オーディオの木下さんが
パイオニア在籍中に元JBLのBart Locanthiの指導のもと開発したもの。
ttp://www.audio-heritage.jp/PIONEER-EXCLUSIVE/speaker/model2402.html ユニットもいちよ現役なんだけど、ホーンとエンクロージャー、ネットワークは
別途揃えなきゃいけない。
ttp://dp00000116.shop-pro.jp/?mode=cate&cbid=698&csid=12 見た目はアルテック、ウェストレイクとかの延長線だけど
ずっと精緻でパワーのある音が出る。 👀
Rock54: Caution(BBR-MD5:fc5433912aa55592f73f2dda4d43bdf8)
歌謡曲には少し精度を下げたほうが良い部分があって
JBL L101、4211くらいのほうが、小音量でも鳴るし
録音に対する相性も幅広い。現在も作ってるとなると4312Eになる。
ネットワークを見直した4312SEが出てるけど、4312は本当に非論理的で
スコーカーはボーカル域に引っ掛からず、しかも逆相つなぎ。
当時のPA技術のように空間で音を折り重ねる方法で組まれてる。
例えば、D130と130A、2420と2440を一緒に使うのと似てる。
でも、ボーカル域の抜けの良さや、中高域の腰の強さを確保してる。
実にアメリカンでいい加減なんだけど、ポップスには合ってる。
ウーハーにダンプ材を塗った民生用のものを使ってる点で
1960年代のLEシリーズがもつ少し緩めのホームソング向けのバランスをもっている。
プロ用はタイトでローエンドが伸びる一方で、パワーが入らないと鳴り切らない。
これで、何が困るかというと、歌謡曲はダイナミックレンジが狭いため
パワーが入る段階で、ちょっとしたディスコ並にガンガンに鳴ることになる。
これがロックや演歌歌手なら濃密で良いが、可愛らしいアイドルは。。。
録音のアンバランス、粗ばかり目立って、空振りになる。
新品で揃えるには、どういうシステムが良いか？
JBL 4312Eを中核にして、とりあえずデノン PMA-390REを充てて
アナログ・プレーヤー、CDプレーヤーを揃えればどうかと。
PMA-390REは、懐かしのラウドネススイッチもあって、まさに1970年代風。
ただMCカートリッジには対応してないので、DL-103という神器を狙う人は
MC用ステップアップトランスで対応すれば大丈夫。
あとあとアンプをグレードアップすれば、4312E側のポテンシャルが応えてくれる。
CDPは難しくて、何でも同じように思えて、余韻の方向で価格が効いてくる。
新しいDSD配信などの方向性も考えれば、パソコン用の汎用DACを買い
CD専用として、CECのベルトドライブ式トランスポートTL-5が買い得。
PMA-390REもそうだし、ヤマハのA-S501も、40年前なら
ラック込みのシステムコンポとして売ってそうな雰囲気があるね
ttp://www.video-koubou-topaz.jp/Technics-AUDIO-1976.html こんな感じで ヤマハ・ビューティという言葉が昔からあって
ニューミュージック系を中心としたポップスには合ってるね。
最近のヤマハのアンプは、高級機になると力強さも加わって
良いポジションを保ってると思う。
アンプは地味な存在なので、価格設定に理解を得にくいけど
企業としての力の入れようが本当によく分かる。
おそらく、こっちの方向はスピーカーも現在のもので良い結果が得られて
欧州系のスピーカーをあてがうと、スッキリ感に磨きがかかると思う。
最近PMA-1500REを使ってみて判ったのが、まさに NHKの音。
評判では、低音ブリブリとか、ロック向けとか、あれこれあるけど
自分のなかでは、100～1000Hzを位相変化なく鳴らす職人だ。
普通なら100～300Hzで緩めて量感を出したり
800～2000Hzで艶を出してみたり、聴きやすくする傾向がある。
おそらく、PMA-390REには低音側にそういう遊びが
PMA-1600NEには中高域に艶が、それぞれ加わってるかもしれない。
しかし、その基調にあるのは、DL-103にみられる
機械的な運動性能を均一化する姿勢。
この辺の雰囲気がどうも、NHKを連想させるのかもしれない。
昭和の歌には、何というか窮屈さがないと、人間味が出ない。
これは自分の思い込みかもしれないけど。
どうもスーツ姿の石原裕次郎、タイトドレスの八代亜紀がイメージにあって
音楽のもつ欲情的なところを、うまい具合に押し殺して立ち振る舞う。
オーディオ的には難しい表現だけど、どこかその辺のバランスを取らないと。
心のなにかが溢れ出す瞬間があって
その演出がどこかにないと面白くない。
これは、部屋の広さ、普段聴く音量で変わってくるので
ユーザー側でコントロールすべきだと思ってる。
自分のやり方だと、ライントランスに過入力して歪ませる
スピーカー側で分割振動を起こすポイントを設定するので
アンプ側では歪ませない方向にしてる。
真空管アンプで、リンギングを織り交ぜる方法もあるけど
こっちはスピーカーで歪ませないスタイル向き。
昨今のスピーカーでは、ブレークポイントの設定は難しく
なんぼ突っ込んでも、スポンジのように吸い込んでしまう。
これだと完全無欠のハリウッドスターのようなもので
義理も人情もあったもんじゃない。
最近のカラオケマシーンの点数で競う歌ウマ番組。
口パクの多い歌番組とは違って、真剣勝負が伝わって面白い反面
どういうわけか、ご本人が出てきても、そんなに高得点取れない。
歌い崩しというのが、歌手の技量とも考えられていた時代だと
今更ながら思い出させてくれる。
文体がわかりやすくていいんだがw
1968年頃のGSブーム、1958年頃のハイファイ移行期に
ダイブするのに勇気が要って難しいんだな。
底なし沼か、真珠とりか。まぁ、どっちでもええがな。
SP盤時代：ほの暗い照明を使ったメリハリのある画
ttp://blog-imgs-90.fc2.com/a/3/0/a30041/fc2blog_20160315061643d96.jpg ハイファイ初期：ハレーションを使ったキラキラ感がある画
ttps://wing-auctions.c.yimg.jp/sim?furl=auctions.c.yimg.jp/images.auctions.yahoo.co.jp/image/dr203/auc0303/users/3/9/3/9/gonzaleznippon2-img424x600-1384684372i4waxr6311.jpg&dc=1&sr.fs=20000 ステレオ初期：白いレース地、ワインの透明感を強調した画
ttps://wing-auctions.c.yimg.jp/sim?furl=auctions.c.yimg.jp/images.auctions.yahoo.co.jp/image/dr113/auc0211/users/4/0/0/2/retoro_r-img380x512-1412568006kj4wza3485.jpg&dc=1&sr.fs=20000 最初の目的は、昭和30年代の流行歌の再生にあったわけだけど
ようやく試聴＆調整も一巡して、ローファイに耳も慣れたところで
1970年前後の歌謡曲を流している。
所詮、AMラジオの音で全ての音源をねじ伏せてるわけだが
ボーカルにフォーカスを絞った、くつろいだ感じが心地いい。
周辺のボケが柔らかく出ることで、人間の顔の輪郭を自然にフェードアウトする。
よく構図もへったくれもない、お花畑ピンナップなんて揶揄されたけど
オートフォーカスも手伝って、素人でもきれいなポートレート写真が撮れた。
歌謡曲を再生するときも、解像度を上げてまつ毛の付け根までクッキリ
というのが一番いいわけではなく、ピントとボケの自然な諧調が欲しい。
渚ゆう子、藤圭子、ちあきなおみ。。。
1970年代前半に活躍した戦後生まれの演歌歌手の録音は
ローファイで鳴らしてもOK。むしろ歌い口の濃さがよく分かっていい。
これと並行して、荒井由実、トワエモア、井上陽水、あがた森魚など
フォークからスピンアウトした楽曲も、詩の世界にどっぷり浸かる。
深夜放送の淫靡な笑いがこみ上げてくるのは、本質を外していないから。
一種の懐古趣味、原体験といえばそれまでだが
どうも最近のオーディオは露出狂になっていないか？ と思うフシもある。
重低音と超高域なんて高尚なスペックではなく
100Ｈｚ近傍のボン付きと、4～6kHzのピーキーを
音量に合わせてコントロールできればいい。
中低音のキレと中域のアカ抜けた感じが備われば怖いものなし。
（45度斜めから計測）
サインスイープ： 200～6000Hzフラット（90～8000Hz）
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-5841.png パルス応答： 強い分割振動が12kHzまで立ち並ぶ
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-6178.png ボーカルのフォーカス感は、200～900Ｈｚの音圧にあるかも。
あとはそこから広がる倍音との混ざり具合。
ワシ写真もやっているから、その表現とても
良く分かるよ。
ところで、一部でお姉ちゃんレンズと呼ばれ
ポートレートの写真撮影に最適な85ミリf1.4
レンズみたいな、少し小ぶりのスピーカーは
ないかなぁ、フルレンジかせいぜい20センチ
2ウエイ位で。
ttps://www.youtube.com/watch?v=dUn7U8NjBIA 60万円というのは敷居が高いので、ローファイ・ユニットを2種。
箱が自作できるんだったらこの辺り。
ttp://dp00000116.shop-pro.jp/?pid=34746561 ttp://www.toptone.co.jp/products/full/F120C85-1.html ジェンセン C6Vも一度試してみたいと思ってて
こっちはコイズミ無線オリジナル箱でも入る。
ttp://www.soundhouse.co.jp/products/detail/item/234083/ ttps://www.jensentone.com/vintage_ceramic/c6v 気に入らなかったら、SICA Z004002でもTangbang W6-214でも付け替えて。 👀
Rock54: Caution(BBR-MD5:fc5433912aa55592f73f2dda4d43bdf8)
歌謡曲ファンなら買いだろう。
作曲に杉真理が参加というのも興味深い。
ttps://www.barks.jp/news/?id=1000141053 さすがVIVID SOUNDのプロダクション
ttp://natalie.mu/music/gallery/show/news_id/229559/image_id/761723 の続きだけど
私のローファイ修行はモノラルが基本。当然ステレオ音源もモノラルで聴く。
モノラルだから、ボーカルのフォーカスを絞ることができる。
あと、ステレオだと仮想の音像が出るので、小口径でもOKだけど
モノラルはスピーカーの口径がそのまま声のスケールになる。
10cmで唇、20cmで顔面、30cmで胸像。
胸像になると、えぐるような胸声の響きがグングンくる。
今の技術からみれば、という上から目線でみても上手くいかない。
かといって、無闇に金を継ぎ込んでも、袋小路に入り込む。
録音と機器には、必ず相性があって、歌謡曲はその振れ幅が広い。
再生技術は、録音に合わせた方法に最適化しなければならない。
個人的には、歌謡曲は誰もが耳にする放送メディアの影響が強いと思っていて
1950年代はAMラジオ、1960年代はテレビ、1970年代はFMステレオと
録音技術の発展史よりも5～10年遅れて進んでいるように思う。
そのうえ、1970年代からは聴く年齢層によっても、サウンドを変えていて
その年代が所有するオーディオ機器のグレードに合わせている面もある。
アイドルは豪華な伴奏陣とは裏腹に、ラジオ向けのバランスだったり
演歌のように、1970年代初頭はゴージャスでも、1970年代末には貧相になる。
シングル盤とアルバムバージョンで、ステレオ感の違うのは当たり前で
最初からアルバム制作に力を入れていた、ロックやニューミュージックは
その時代の最新の音響に、興味を抱かせるように感じる。
時代感覚に合わせた立ち位置で、ビンテージ感のある選択である。
私自身は、大口径エクステンデッドレンジで1948年のエリア
それにホーンドライバーを追加して1958年のエリアを占めている。
モノラルのラジオ電蓄からジュークボックスという感じだ。
これで、歌謡曲の10年遅れの技術に照らし合わせると
1968年くらいまでのエリアを網羅できる立ち位置に居る。
ところが、1970年代末でもラジオ試聴が多かった
演歌、アイドルの分野では、まだこの方法が通用する。
むしろ、かつての高級電蓄の威力は、ラジオ風の録音でも
表情の奥までスケールアップしてくれる。
けしてそうではなく、むしろローコストでも効率的に聞こえるように
人間工学的なラウドネスを効かせてある。
むしろ高音質と言われる録音のほうが、電気工学的な特徴をもっていて
フラットに聞く耳をもつまで、人間のほうが遥かにローファイにできている。
だから無闇に高級オーディオをあてがっても、バランスが崩れるので
録音が悪いと勘違いされやすい。これでは本末転倒である。
当時のエンジニアが当時の機材でモニタリングしながら、出そうと考えたところは出し、押さえ込むべきところは抑えこみ、そうやって設えた録音の「出すべきではない部分」を、忠実再生とピュアオーディオの名の元に白日の元に晒す道を自分は取らない
エンジニアがミックスで「抑え込んだ」ところ、当時の機材では「抑え込めたと思った」ところを「白日の元に晒す」機材で当時のマルチトラック録音を判断するのは自分は避けたいと考えている
4320では粗は聴こえず、完パケと判断された録音、10Mでエンドユーザー向けの確認をし、当時の機材で聴く事を前提として作り込んだ音源を顕微鏡で拡大して粗を見ても、自分は楽しくない
同様に、いいところ80年代中頃までの音源を楽しく聴けるように設えた自分のメインシステムで椎名林檎は聴かない
椎名林檎の時代の音楽を、最終的にエンドユーザー向けに設えているであろうアクティブモニターで聴く
この考えは、単純や無加工を旨とするジャンルの音楽には必ずしも当てはまらないかもしれないし、ある年代の幅のマルチトラック/ミックス録音限定の話だと考えていただけたら有り難い
旧来の家庭用JBLの大らかさは、歌謡曲に合ってるよ。
>歌謡曲の再生で一番の課題は、録音そのものへの謙遜だと思う。
>今の技術からみれば、という上から目線でみても上手くいかない。
>録音と機器には、必ず相性があって、歌謡曲はその振れ幅が広い。
>再生技術は、録音に合わせた方法に最適化しなければならない。
この記述に全面的な賛意を表す
例えば、AMラジオのレンジが100～6000Hzなら
その帯域だけで再生能力のグレードを上げていく
というような方法は、あまり想像がつかない。
しかし、ホーンドライバーでもアルテック288、JBL 375は
中域の魅力で押し切るタイプだ。
映画のサウンドトラックというと、それほど高域が張ってないし
セリフを中心とした地味な音声でもちゃんと鳴る。
ウーハーはもっと評価が難しく、古いものほどコーン紙が軽く
張りのある音を叩きだす。そのかわり重低音は出ない。
どっちを取るかぐらいの選択肢はあってもいいだろう。
分割振動排除したり、様々な手はあるんだろうが、一番の問題はそれをやっても「作った時の機材がやった事と違う」だと思うんだ
作った時の機材の歪込みで、一番リーズナブルな音になるように設えたはずの音源から、良かれとばかりに取り去ってしまってはいけない「ピュアオーディオ的害悪」があると思う
作った時の機材の歪や、ローテクノロジーは全て込みで作られた音から勝手に、作られた時代を無視した、勝手に害悪だと思っている要素を取り去るのはそれこそピュアオーディオに逆行する行為だと俺は考えてしまう
むしろ歪みのブレークポイントを聞きたくて大音響で聴いてる人もチラホラ。
低い出力で歪ませるならジェンセンのギターアンプ用だな。
いずれも3～10Wクラスのアンプで十分ドライブできるので
そこでの質感を磨くのもローファイのセンスだな。
糞音と言われるSRにもスタジオモニターにも慣れてる
親和性があると言ってもらってもいいw
それ以降で変えてしまった音を美音と言う層はそれはそれで好きにすれば良い
こう考えているんだなw
ウチのスピーカーは、いわゆるハイファイタイプで
録音の微妙な差を明快に描き出すけれど、例えば
昭和30年代の古い歌謡曲であっても、当時の歌手を
含めた制作側の意図が伝わって来るから、それは
決して否定しないよ。
耳障りだ、聴き辛いと思う事は有っても、当時の
人達の息吹きが伝わって来るから、大切なものと
考えて、少し音量を絞って聴いている。
それどころか、かなり年代別に差異を分析、認識しているように思える
その「ビンテージありき」という発言にはビンテージの定義含めてやや疑問を感じたんだな
歌謡曲が好きでそれをどう再生するのかじゃなくてね。
「70年代まではビンテージ」という押さえなの？
あと俺は、椎名林檎含む2000年代の音楽にも上の論者に賛同する形で触れさせてもらってるよ
話の流れがそうなっているって感じただけだよ。
2000年代以降の話をすると荒らしになるらしいぞw
>もともとビンテージ機器と旧い録音が好きで
それも誰も言っていないんじゃないかな？
録音の振れ幅と再生機器の相性については聞いたけど
それは現代の録音と機器にも全く同様に当てはまる事だと俺は受け止めたけどな
だから感じたと言ってるんだけど?
誰かそんな事言ったのかね？
スレタイに沿わない話の連投をするのは勘弁だなと思った書き込みは何回かあったな
歌謡の定義に関してはスレ主さんのものだと思うし、ビンテージの定義はあなたのものだしな
俺は単にに対していたく賛同した者であるのみなので、これ以上はスレ汚しになるのでレスは打ち切らせてもらうよ
すまんね
ビンテージの定義は、1970年代前後にミキシングコンソールが
ソリッドステート化された頃が境界領域だと思ってる。
それ以前と以後で、再生するノウハウが変わってくる。
しかし、今の基準でいうと、その頃のNEVEやAPIなどは
高額で取引されるビンテージ扱いになってる。
考えてみれば、50年近く時間が経っているわけで
録音環境がデジタル化される前のアナログ技術全般を
ビンテージと呼んでもよいような時代に差し掛かっている。
家具に喩えると、イームズやウェグナーのようなミッドセンチュリー風が
今も人気があるのと同じ感覚。その前のビクトリアン調と比べると
明らかにモダン・エイジに属するから、今でも現役で製造される。
イームズなんか、同じ形をした駅のベンチとは、やはり座り心地が違う。
一方で、オーディオのほうはというと、音源こそ旧いものが再発されてるけど
再生する側の準備がほとんどできていない。
おそらく、レコードマニアとオーディオマニアのそれぞれの思惑がずれてたままで
進行しているからだと思っている。
このことが問題だと思うのは、例えば1970年代にJBLが流行ったお陰で
1950年代のモダンジャズが見直されたのと、同じ轍を踏むんじゃないかと。
同じ時代の他の音源が、かなり歪んだ形で紹介されてしまった。
おそらく昭和30年代は、マイルスよりも裕次郎のほうを皆知っていた。
でも、裕次郎の魅力をオーディオ的に説明できる機材は？
これがビンテージのセンスが必要な理由なんだ。
例えば、人が叩くドラムなんかは、その入り口で
シケンサーまかせでは絶対に出ない味がある。
あとはボーカルの柔らかい表情かな。
良質なモノクロ写真から出る陰影のようなものは
今の録音ではなかなか出ない。
こうした魅力を引き出すのに
フィックスドエッジのように機械的なバネで押し返すとか
真空管のように高次歪みで輪郭を滲ませるとか
同じ電気信号にも、オーディオ的なセンスが必要だ。
昭和30年代も、ラジオの音楽、テレビのミュージカルバラエティ番組、歌番組の生演奏やCMソングを通じて
「ジャズ」はかなり身近にあったと思うけど、同じ時代のモダンジャズとはだいぶ切り離されてるね
今は後者の方が大きくクローズアップされてて、ジャズ初心者向けのおすすめにもそういうのが出るのに
同じ頃にラジオやテレビから流れていたジャズ歌手は、だいたいが「昭和歌謡」で一括りにされてる気がする
「おそらく昭和30年代は、マイルスよりも裕次郎のほうを皆知っていた」ってのはいい喩えだと思った
基本的にスウィング・ジャズの延長線にあるからね。
物腰の柔らかいリボンマイクというのも手伝って
中域から高域にかけて綺麗に減衰するグラデーションが
高域偏重のバランスだと、音が沈みこみやすいのと
今どきの重いウーハーだと、スイング感を出すのが難しい。
コンデンサーマイクで音圧いっぱいに入れたモダン・ジャズとは
違う魅力があると思う。
その音楽がもつ本来の魅力が、相対的に聞こえやすくなる傾向がある。
録音を比較することで、ミュージシャン間の競合性とか個性とか
当時を沸かせたミュージック・シーンが蘇える感じがする。
1970年代中頃にスピーカーの箱鳴りが原音再生にじゃまだということで
インパルス応答をできるだけ鋭く出すスピーカーが増えてきた。
おそらくその初期の作品が BBC LS3/5aで
元はサウンドステージの縮小モデルの研究から始まってたようだが
ここでは残響時間の周波数分布を正確に出すことが目的だった。
ttp://international.kef.com/explore-kef/about-kef/kef-bbc-and-ls35a ttp://downloads.bbc.co.uk/rd/pubs/reports/1970-13.pdf ttp://downloads.bbc.co.uk/rd/pubs/reports/1974-27.pdf これは、ブルムライン方式のワンポイントマイクで収録された音源で
最高度の性能を発揮するように設計されている。
インパルス応答はステレオの定位感とも関係が深く
今のスピーカーは、この辺は本当にクリーンで見通しがいい。
一方で、パルス波への過剰な反応も際立っていて
そういう録音の管理をしていない1970年代前半までの録音は
音像の前後が逆転したり、音場と関係ない歪みが浮き上がって耳に付く。
個人的には、これは技術の発展ではなく、ただの流儀の違いだと思ってる。
やれやれだな
旧い機材をビンテージと言っただけなのに定義はあなたのものとかどうでもいいことをw
ミッドバス2121が、音楽の再生で一番重要と思われる
300～1250Hzの帯域を受け持っているからかな。
良くも悪くも、4ウエイ4343～4348或は4350の最大の
特徴はミッドバスの存在だろうな。
ロックが出て来る前の洋楽を日本ではジャズと言ってたんだよ。
ブルースもジャズの一種として括られてた。
オーディオにしてもビンテージと現代のものをどうミックスしていくかがポイントだと思うんだけどね。
再生するのはデジタルデータだし。
ttps://www.youtube.com/watch?v=VbphMQ58YI4 当初の目的はカップリング・コンデンサーの排除にあったらしいが
本当の意味での広帯域増幅が可能になったのが1970年代。
ttp://www.fidelix.jp/others/classA.html これに追従するかたちで、以後メーカー製のアンプは。。。
とはいえ、私自身はジェンセンの古レンジに、デノンの最新アンプを充ててるわけで
別にアンプのせいで音がカチコチになってるわけではないと思ってる。
俺はどうしても2wayから離れられないんだよね
多分4320アタマから来る物なんだろうなあ…w
なんか悪い方に追従しちゃったみたいだが、それでも俺はDC-300a2をこよなく愛しちゃってるんだな
聴いてる音楽がアナログーCD過渡期以降まで含んでるからかもしれませんがw
デジタルデータは、単純に低域から高域までのダイナミックレンジが均一。
逆に、アナログは音源の製作途中のプロセスで変わる要素をもってて
それをデジタル化しても、精々ガラス越しに物を見てる程度の違いで
アナログで練られたプロセスの影響のほうが強いと思う。
アナログ盤が良いと言ってる人は、原盤をカットしてたオジサン以上の腕がない
と思ったほうが良いような感じがするけど、おそらく反発する人も多いだろうな。
ミッドバスによるサウンドの変化もあるけど
むしろワイドレンジかつダイナミックであることの魅力を
スピーカーだけで体現したことだろうな。
デフォルメの仕方が巧妙で
ミッドバスとミッドハイのパワーレスポンスを基軸に
重低音と超高域に音楽的な意味を付け加えた。
それに追従するかしないかで
高音質の基準が変わったように思う。
雪村いづみ、原信夫、北村英治、前田憲男・・・
ロックが出てくる前、クラシック以外の洋楽をジャズと言ってた頃から、
今でもご健在なのはこの人たちくらいかな
（ペギー葉山さんも先日亡くなられたし）
の話題とも被るけど、この時代の日本のジャズが楽しめるように調整していったら
SP盤時代のスイングジャズも、録音の古さが気にならなくなってきた
それって、いわゆる良し悪しを越えた原体験みたいな
ものかも。
オーディオ評論家の故山中氏は、親爺さんが所有して
いたクレデンザの音を、ずっと追い求めていたそうだ
けど、それに近いものかな?
確かに、ミッドバスの追加によってウーハーは
スーパーウーハーとしての働きを務め出し、更に
2405の投入は、スーパーツィーター追加と同等
だから、再生周波数特性のワイドレンジ化及び
平坦化に大きく舵を切っただろうな。
好き嫌いは別として。
ほとんどの骨格はできているという側面が忘れられている。
そこを抜かしてワイドレンジ化しても腑抜けのまま。
>おそらく昭和30年代は、マイルスよりも裕次郎のほうを皆知っていた。
マイルスの名前は認知されていなかっただろうけどマイルス独特のミュートを効かした
クールなサウンドは昭和３３年公開の映画「死刑台のエレベーター」で結構知っていたかもよ。
映画のストーリーは知らなくても曲だけは知ってる。
日本のギター文化の最大の功労者かもしれない。
実はオリジナルのサントラはほとんどの人が聞いてなくて
イエペス初来日時のステレオLPで知られている。
レスが遅くなってしまったが、情報有難う。
やっぱ目的に適うのは、英国のＢＢＣモニター辺りか
１６センチフルレンジ位だろうなぁ。。
ところで、ウチは85F1.4Gでなくて、一つ前の85F1.4Dを
愛用しているよ（ボディはＤ４）。
もう旧製品になってしまったが、女性のポートレイトや
夜景、特に夜桜なんか最高だよ。
三橋美智也、田端義夫あたりは？
ジェンセンは30cmでも7,000円くらいなので、価格面での敷居はすごく低い。
それと高価なP12Nじゃなく、安いC12Rのほうがジュークボックスに実装されたなど
電蓄の音に近い感じもする。これにホーンドライバーを付ければ汎用性が出る。
この価格で、ドラムがドカッと蹴りだして弾むのだから、本当に恐れ入る。
問題は箱が大振りになりやすいことだけど、低音は70Hzまでなので、
Altec 618相当の後面解放箱のほうが音のキレがよくて実用的。
三橋美智也は昭和30年代、田端義夫は昭和10年代デビューだから良いんだよ
昭和30年代になってGHQに禁止されていた股旅歌謡などが解禁されて日本回帰した
美空ひばりに絡んで、米山正夫の楽曲とかは？
来月のお買い物リストに生誕100周年記念CD上巻があったりする。
米山作品は美空ひばりに偏り過ぎ同じ歌手ばかりで飽きる
不思議なのは所謂演歌歌手にはその日本の郷愁のようなものが感じられない
洋楽のようにリズム重視になってアクセントを強調するように歌うからではと勝手に分析している
ジェンセンのユニットはフィールド型もあるのかな？
ttp://www.vintagejoin.com/Field.html この店で聴いた、ドイツ製のフィールド型スピーカーの音が好みだったなぁ
電圧可変タイプの電源が要るそうだけど
あるけど戦前の製造がほとんどなので、コンディションも気になるし
上はWEのトーキー用から、下は電蓄用までほんとに色々。
ドイツ製が気に入ったのなら、それこそ戦後のラジオ用をお勧めします。
ガッチリした板に固定するよりも、少し箱鳴りを活かしたほうがバランスが取れます。
場合によっては、薄目のパーチクルボードのサブバッフルで固定して
それを箱で包んであげるという構造のものもあります。
それでも負けない中高域の腰の強さがあるので、音がこもることはありません。
昔はどの国にも、この手の辛目のトーンのラジオ＆テレビ用スピーカーがあったのですが
今となっては新品で見つけるのが難しいです。
ECL82、ECL86のような複合管も良く使われていました。
これらの特徴は、少し艶があって澄んだ高域で
逆にドンスカ低音が出るような感じではありません。
ターゲットは、1965年の前後7～8年くらいの録音です。
橋本トランスがサンスイブランドで作ってるラジオ～電話用のSTシリーズで
今のUTC C2080の代りにならないかと色々妄想してる。
ttp://www.hashimoto-trans.co.jp/ 確かに高域が減衰しているが、中域と連動した躍動感があって
昔の上方漫才なんか聴くと、早口が聞き取りやすくなる。
従来のように3kHzで切ってしまうと、高域は張り付いた感じになって
声の流れが止まっていることにに気付いたわけ。
ここで、下はNWをスルーして、ツイーターを5kHzから被せてあげると
躍動感を保ったまま高域がスッと伸びる感じになった。
中域から土台が繋がっていると、筋肉がブルッと震えるような感じになる。
ソロのときの哀愁みたいなものも、このマッチョな肌合いがあってこそ
男泣きのような抑圧感と溢れ出る感情のバランスが出せる。
だから昔からラッパを鳴らすなら、500Hzから使えるアルテックやJBLのコンプレッションドライバーなのか？
そうね。ホーンを中心に考えればそうなるんだけど
合わせるウーハーも必然的に大口径＆高能率になるので
何から何まで豪勢なスペックになりがちなんだよね。
そうなると録音のほうも、貧相なものは聞かなくなる。
結局サブシステムを構築しはじめる。。。無限ループなのよ。
今日はハエの本音が聞けて良かったよw
>俺はお前が嫌いなんだよｗ
>個人の問題（好き嫌い等）を、誰に公正に扱うんだよ？ｗ
「嫌いな奴は、公正に扱わない。それが個人の問題(個人への攻撃)であれば」
お前はまだ自治「みたいなシロモノ」しとるみたいだけどなw
だからコピペ爆撃も気になる訳はないのなw
「俺が嫌いな、公正になれない個人の問題」な訳だからw
さすがにそれ、自治じゃないわなw
嫌いな奴に対しても、好きな奴に対しても、スレや板に対する問題に「公正に対処する」
これを放棄したら自治なんぞ出来んわなw
だから俺は自治から降りたんだよw
お前さんも降りなさいw
「スレッドルール」とか振り回すのはいささかアレなんじゃねえのかい？w
960 名前:アンバランス転送 ◆VppUdchn86 [sage] :2017/04/25(火) 22:03:42.78 ID:ghsCzHTv
>じゃあお前は今後自治スレを立てるなよ
>交わした約束は必ず破るアンバランス転送のことだからお前のことは一切信用してないけどな
>公正とか笑わせるなよ
いや、俺公正じゃないからw
馬鹿には辛く当たるわw
信用されてないのはラッキーw
だって次も自治スレ立てるからなw
自治スレと言う名の「怨嗟と好き嫌いで伸びる人気スレ」なw
962 名前:アンバランス転送 ◆VppUdchn86 [sage] :2017/04/25(火) 22:04:57.30 ID:ghsCzHTv
ほれ、有言実行w
ピュアオーディオ自治スレ12 [無断転載禁止]©2ch.net
ttp://mint.2ch.net/test/read.cgi/pav/1493125451/
米ビクトローラがWEと協力して開発したクレデンザでおわします。
美空ひばりのファンだった池田圭氏のシステムに従えば
15Aとまでいかずとも、22Aホーン1発で懐メロ三昧してみたいなど思うもの。
テクノ(狭義ではデトロイトテクノからミニマルテクノあたりまで)ってどんなの？っつってYMOを例に出すくらいの時代錯誤
そら広義にゃどちらも当てはまるが時代によって区別されてるよ
なんでいつまでたってもフランクザッパの悪口なんだろうな
WE 753という中型システムがあって
これのウーハー部分がジェンセンのPM15という
現在だとP15Nというユニットに相当することが判った。
ttps://www.jensentone.com/vintage_alnico/p15n_no_bell これと32Aホーンを組み合わせると面白そうと思った次第。
ttps://electravolt.blogspot.jp/2017/01/horn-loudspeaker-exporations.html アルテックだとA-8相当なんだけど
ウーハーをラディカルにすると面白いかも。
ttps://www.jstage.jst.go.jp/article/jaspmpms1997/3/0/3_0_30/_pdf 1954年にシングル(EP)盤 が発売 され、録音技術の向上 もあいまって
フランクの「低音の魅力」を引 き出 した
実際にはバリトン系の歌手はビング・クロスビーなど昔のほうが多かったし
昔のフィックスドエッジのほうが低音の躍動感が良いので
胸声をえぐったときの色気が出やすい。
おそらくSP盤を並四ラジオのマグネチックスピーカーの組合せでしか
想像力が働かない人の文章のように思う。
むしろ新しめのスピーカーのほうがフランク永井の声がこもりやすいよ。
オーディオチェックにも適してると思う。
オーディオ批評の洋楽偏重という体質だけではなく
ヒット曲の原体験を語る人たちの経験の浅さとも関連してそうだ。
楽曲の魅力のあることも確かで
レコードが歌手の人格のように感じてる人も多いと思う。
ここで、オーディオの良し悪しで感動の質が違う、なんて言うと
本質を理解していない、シャラ臭い感じがする。
レコードマニアがオーディオマニアを嫌う理由がここにある。
でも、同じ100～6000Ｈｚでも、ペナペナのマグネチックスピーカーと
蓄音機の女王クレデンザとでは、出てくる音に雲泥の差がある。
その間に偏在する、オーディオのグレードを議論するのは良いことだと思う。
当時のオーディオ的手法で、グレードアップを図っていこう、という手法だった。
例えば、周波数レンジを絞って、そのなかで質感を高めるために
真空管やトランスの高次歪み、コーン紙の分割振動、機械的なバネなど
従来は原音再生に邪魔だと思われていたものを再評価して
ビンテージ感のあるシステム構築のために意見を出してきた。
原体験のスケッチをするなかで、歌謡曲の録音の問題性も浮上し
低音のデフォルメ、深いエコー、ピンポンステレオ等々の諸問題を
電気的にフラットな特性をもつ原音再生で評価するのは間違いであり
オーディオ機器の側から録音に寄り添うべき方向性も指摘してきた。
元テープをただＡＤ変換しただけのものから
適度に音をいじった（リマスタリングした）ものまで
アナログ盤に存在したプロセスを補完しながら
逆にデフォルメして試聴する方法も模索してきた。
ヤマハの卓上ミキサーに付属しているデジタルエフェクターで
有効だと思われるものは以下のとおり。
ラジオボイス：ボーカル域を持ち上げてクッキリさせる
ルームエコー：フラッターエコーの累加で楽音と連動した倍音を増やす
フランジャー：ＬＰレコード特有のワウ感を出す
価格も評価もハイエンドになりがちなんだけど
歌謡曲の場合は、ロクハン、DL-103などBTS規格のものが基礎にあって
国産機器のオーディオ史も踏まえてビンテージ感を考察しなければならない。
個人的には、ジェンセンにはじまりオーラトーンに終わる、と思っているが
入門用に最適で、録音への評価が下しやすいという以上の理由はない。
基本的には、電子楽器の出現からマスメディア向けの商業録音の完成までの
サクセスストーリーを思い描くのに、必要十分なスペックの割り当てである。
そこから更に踏み込んで、更なる高みをねらっていく、という道筋もあるが
意外に高価な機器で聴いたというだけで満足する人も多いので
やはりオーディオマニアは嫌な奴が多いということになりかねない。
録音ソースに最高のおもてなしをしたい気持ちは判るが
裏町の居酒屋のほうが居心地のいい場合もある。
強いシンパシーを感じていた。
ブルースとは、白人黒人問わず
人生はいかに難しいか
そしていかに素晴らしいかを考えさせる。
ブルースは音楽でありながら、祈り、諭す。
毎日毎日やって来る困難を取り除く
こうしたことを、歌謡曲に言い換えるのは、とても簡単だ。
逆に難しいのは、いかに凡人であることの幸せを味わい尽くすかだ。
オーディオに特別な体験を求めすぎると、道を外しやすい気がするのは
日常のなかにある言葉や思いを見失ってまで聞くべきものがあるのか？
という別な疑問が浮かび上がるからだ。
時代という現実と、取り戻せない過去という非現実の間で
歌謡曲はあてどもなく流れていくように感じる。
私の考えるオーディオは、そういう時間軸を今に合わせる作業のように思う。
12cm+2.5cmの2ウェイなら、左右の感覚や角度を揃えて、
11～12インチのスピーカー1本と仮想して聴くようにしてる
（仮想するといっても、頭でイメージするだけなんだけどｗ）
ここのスレ主みたいに、ステレオ録音もモノラルで、って潔さは、
なかなかできることじゃない
16cmくらいの付属スピーカーでも、AM放送との音の違いは判った。
一方で、ステレオ装置で聴くAM放送は本当にヒドイもので
ラジカセで聴いたほうが音が良かった。
その頃は理由なんて考えなかったけどね。
ただ映像の印象のほうが大きくて、たとえエアチェックできても音はションボリ。
初期のラジカセには、外部録音端子がなくて、付属マイクでの入力のみ。
テレビの前にラジカセを置いて、誰かがしゃべらないか監視してなきゃだめだった。
50年以上昔の記憶の底に眠っているものと大分印象が違う。
例えばテレビ歌番をYoutubeで観ても、元が家庭用ビデオだったりすると
音声がこんもりローファイになっている。今どきのPVとは演出も天地の差。
それならとCDを買い込んでも「なんじゃこりゃ？」という音。
化粧のひび割れが見えるんじゃないかと思うくらいドギツイ。
何かが違う。
その間はこの件は放置したままだったのだけど
1960年代のロックの再生方法と格闘してたときのノウハウを
そのまま歌謡曲に転じると、これまで開かずの扉が開陳したわけ。
きっと蜘蛛の巣だらけの骨董ばかりかと思いきや
みんな新品同様に光輝いてた。昔の記憶は間違ってなかった。
欧米でのロックの試聴層は、イギリスだと低所得層に属していて
AMラジオ（海賊ラジオ）と卓上プレーヤーのモノラル試聴が基本だった。
このためにサウンドのデフォルメをしたのが出回っていた。
その元ネタは、アメリカのR&Bで、やはり状況は一緒。
モータウンのエンジニアは、当時は90％がモノラル試聴だと確信してた。
つまりローファイ伝送でも音楽の魅力が伝わることが大前提だった。
そのローファイ伝送の世界で培ったノウハウが
50年前の歌謡曲の録音の劣化程度と上手くマッチしてるんだと思ってる。
悪い録音に耐性がないオーディオ機器で聴く歌謡曲は80％がNGだが
ローファイから再生能力を磨いていくと95％はOK。
一般的なオーディオ機器からみた歌謡曲の利用価値は1/5だが
整備すればソフト側からみた資産価値は4倍以上になる。
経済が上向きで希望に満ちていた雰囲気ともとれるだろう。
しかし一方で、過去のしきたりや貧困の閉塞感も大きかったように思う。
私個人は、時代の閉塞感と向き合っていた歌謡曲が好きだ。
こんなことを言うと、演歌を思い浮かべるかもしれないが
二十才前後の美空ひばりや島村千代子の声をきくと
哀愁と希望のバランスが実に清楚で庶民的だ。
媚びることなく自然に美しい。
島村じゃなくて島倉だろう？
50年以上前にラジオからオープンリールで録音したからたち日記なんかたまに聴くともうたまらんね
こんな日本女性は絶滅してしまったんだろうかという気持ちになる
あの時代に現在の最新機材持ち込んで録音したい
ああ、また大変な失態を。。。絶滅というのはその通りですね。
肩肘張らずに生きやすくなった分だけ欲望も丸出し。
なんて言ったら、また嫌われるタネを蒔いてんだろうな。
サム・クックも、フランス・ギャルも、みんな仲良く歌っている。
何かのアトラクションにでも入ったよう。
たしかに難しい。
もうちょっと分かりやすい言葉がないかと思ってたら
昭和歌謡のサウンド・アトラクション、というのが浮かんできた。
50年以上前の録音でも
マイクを通じて今歌ってるくらいのクオリティで聴ける
体験型のオーディオ装置。
そういう輩を跳ね飛ばすくらい音に勢いがないとダメだ。
それを超えるバランスや質感を超えるものをなかなか作れない。
コストまで考えると完全にお手上げである。
国民的なオーディオのレベルを上げたことは、ほぼ間違いないだろう。
一方で、ロクハンを超えようとしたとき
重低音の迫力、高域のフラットネス、大音響などの方向に進みやすい。
ロクハンそのものは、ラジオ音声の品質を保つモニターで
音楽専用のものではないので、消去法で足らないものを数え上げると
どうしてもこうなる。そして、何かを失う。
30度で3kHzフラットという感じになる。
ttp://www.leyun-music.com/news/images/2010624152916177.jpg この特性は70年代後半に少し変わっていて
30度で8kHzフラット、60度で2.5kHzフラットとなる。
ttp://www.geocities.co.jp/Technopolis/5053/sp/P610a.jpg 低音は標準箱で目一杯伸ばして70Hzまでフラットだが
今時の響きの強い洋間だとボン付くようなバランスだろう。
帯域は3つに分かれて
70～200Ｈｚの箱やバスレフ共振の領域
200～2500Hzのコーン紙でダイレクトに鳴らす領域
2500～13000Ｈｚの分割振動の領域
実際には中域は800Ｈｚのエッジの共振点で分割されていて
この800～2500Ｈｚの歪みの少なさが血統の証だった。
著者は高城氏だったと思うが、昔の音楽雑誌で
ロクハンはスコーカーとしても優れているから
これをスコーカーに使い、上と下をウーハーと
ツィーターで固めた3ウエイ機を、との記事が
載っていたよなぁ。
その記事の終わりに、販売店がロクハンを余り
勧めないのは、利幅が少ないせいかとの指摘も。
1～2kHz辺りで凹むものも少なくない。
実はこの辺が日本語をはじめアジア系言語のように喉音でニュアンスの多い言語で
乗り越えなきゃいけない問題となっている。
ヨーロッパ系言語では、子音でのニュアンスが重要で
音程を司る中域と、言語のニュアンスを伝える中高域とは分かれて問題ない。
1970年代の録音から、この件が緩和されているのは
プレートリバーブが用いられるようになったからと思っていて
この領域の位相を乱して拡散することで、スピーカーの癖を克服している。
それ以前の録音で、声がくぐもったり、伸びがないように聞こえるなら
800～2500Ｈｚの繋がりの滑らかさを見直すべきである。
勘違いしてはいけないのは、高域の不足ではないこと。
高域を増やしても、ザラザラ感が増すだけで、良いことは何もない。
200～2000Hzが素直というのは、高城氏のようなオールホーン派からすれば
大変な魅力だったのかもしれないね。
ネルソン・パスが原理主義的なオーディオを展開してて面白い。
ttp://www.6moons.com/audioreviews/firstwatt10/j2.html 初期の巨大バックロードホーンに比べて寄り付きやすいのもいい。
ttps://www.passdiy.com/projects/images/content/cs_amps11.png 平面バッフルで抑えてあるのが、鳴らしやすさに結びついてるように感じる。
スケベ根性が出てしまうんだよね。
さらにウーハーを足すのが本当に無駄に思えてくる。
おそらく、16cmのロクハンより、38ｃｍのほうが良い音出してそうにみえるけど
中域の質感と繋がりをどう聞き込むかで、答えが違うと思う。
ドイツだとジーメンスやサバの20cmフルレンジが挙げられるだろう。
互いにOEM生産していたので、どのメーカーも仕様が似通っており
アメリカほどメーカー毎の個性が強くない。
いずれも高域が明瞭で、小音量でも聴き映えのする音である。
逆にアメリカ製で標準的なフルレンジと言われると少し悩ましい。
例えば、WE 755Aは最初に放送用として売り出したが
ずっと後のAltec 755EはPA用と言ったほうがいい。
おそらくGE製 RCAブランドのほうをずっと多くの人が聞いていたし
シナトラ、ナット・キング・コールなどはこれがベストだと思う。
JBL LE8T、トゥルーソニック 80FR、エレボイ SP8Bはハイファイ組
JBL 208D、Jensen P8R、Altec 400Bはローファイ組になる。
もうひとつ米国製で悩ましいのが、そもそも20cmが標準だったか？という問題で
弾数からいうと30cmのほうが多いという現実がある。
では、20cmと30ｃｍとで低音に違いがあるかというと、ほとんどない。
それなのに、口径が大きい分だけでも箱を大きく構えなければならない。
なので日本では人気がないだけなのだ。
では何が違うかとういうと、中低域のふくよかさ、歯切れのよさ、などで差が出てくる。
実にアメリカンなグラマラスなプロポーションは、この口径から出てくる。
100Hzと7kHz以降をそれぞれ下げて、1kHz～3kHz付近はそのままで、って設定でイコライザーを調整すると、
1950年代の録音に限れば、中音域がキンキンと煩くならないバランスになった
（キャピトルのような海外録音でも、日本の録音でもそう変わらない気がする）
最近のスピーカーだと、エッジの共振はあまり話題にならないね
ttp://www.roktal.com/unit/20pw09.html 8P-W1（EAS-20PW09）についてのインプレッション
ゲンコツ（イコライザ）があるとないとでは、高域がだいぶ違う模様
フラットという電気的な優秀性よりも、各帯域のプロポーションが大事だと思う。
200Hz以下の低音、200～2500Hzの中域、2500～8000Hzの中高域
それぞれのキャラクターを繋ぎ合わせることでバランスを取っている。
フラットなのが良いのは、Ｆ1レースのような、音質を競う録音に対してであり
そういう録音は歌謡曲には少ないと考えていいと思う。
むしろ、絶対に外していないのが、200～2500Ｈｚの中域の品質で
この領域の反応が重いオーディオ装置は、声が死んでしまう。
古レンジはこの領域に関しては、本当に考えて造られている。
ゲンコツのは、ボイスコイル周辺の共振や干渉を避ける目的で
実際にはサブコーンにも似たような役割があります。
ボイスコイルの共振はセンターキャップで抑えたり
逆に金属ドームで増やしたりと、各メーカーそれぞれ工夫していて
その辺が個性として出ています。
古いエクステンデッドレンジは、この領域を持ち上げることで
指向性が振れてもデイップに負けないようにできています。
ＰＡ用といわれる理由がそこにあります。
今のウーハーのほとんどは、この共振を抑える傾向があるので
暴れが少ない一方で、声に伸びやかさが不足しやすい感じがします。
自分が30cmのフィックスドエッジが良いと思ってるのは
200Hz付近の中低域のキレ味と
1kHz付近の倍音の吹き抜け感とのバランスが良いことで
結局のところモゴモゴしやすい古い録音を良く再生するから。
逆に20cm以下のほうが、500～2000Hzを暴れを抑えられるので
女性ボーカルをクリーンに再生したいのに向いている。
これに、ある種の力強さやアクの強さを加えたのが30cmだ。
きれいごとですませない、情念のようなものや
かわいらしい声にも、芯の強さがあるという、二面性が出てくる。
昔の日本人の歌が、能面のようで表情が乏しい、と思う人は
この辺を見直すと全然違ってくると思う。
声も衰えているのは切ないねえ
チェリッシュの悦ちゃんなんて、昔は声がツヤッツヤで実に良かったんだけど
旦那の方が衰えていない気ガスｗ
これもメリケンのフルレンジで聴くと、ええ塩梅で聴けるのかのう？
6.5inというサイズは昔から内外問わずいいユニットが多いけど、上下を追加しなくても完結しちゃうから商売として見たらつまらんと思う。
TwとWoで色々遊べるだろーがよとは思うけど。
岡晴夫あたりから春日八郎、三橋美智也のデビューあたりまでを
金属マスターの復刻で5枚組50曲で綴るというもの。
洋楽カバー、演歌と万遍無く収録しているのと
同じSP盤でも録音技法の遍歴が判って面白い。
漫画でいえば紙芝居から貸本に変わるくらいの違いかな。
1枚10曲というのも、CDだともったいない感じもするが
意外に飽きずに聴けるということも発見した。
ttps://lh6.googleusercontent.com/-NcZ8GFLlTwc/VRpRV4S8hoI/AAAAAAAALQE/Qw0NvoQE8Y0/s800/FOSTER%2520FCS300.jpg 切っ掛けは長岡鉄男の自作記事だったらしい。
もしかすると、JBLがパクったとか。。。
あとパイオニアも。
ttp://www.audio-heritage.jp/PIONEER-EXCLUSIVE/speaker/cs-100.html ttps://www.youtube.com/watch?v=uxw710B6Koc こういう仕様も復活させてもいいかな。
同じ状態で売っていたのには驚いた
ハンバーグにカスタードクリームをかけて生姜を載せた様な味付けはどうにかならんのか
敏感なツイーターで聴いちゃダメよ～ん。
それこそメリケンのパンパンに張ったコーン紙の古レンジで聴かなきゃね。
昔、松崎君は喧嘩っ早かったってホント？
エルグストン・ワークスとかアバンギャルドとか
ドームとホーンをパラって鳴らすのは変態でしょう。
ttp://www.audio-heritage.jp/WESTLAKEAUDIO/speaker/tm-2.html BOSEは音楽を気楽に聞くのに最適な選択肢だよ
101とか一時期流行ったから中古で安く出回ってるし
ttp://audio-heritage.jp/BOSE/speaker/363westborough.html メインは3階建て公団団地のモックアップで
2DKの内装も含めて昭和30年代を復元したもの。
中身の解説としては以下にまとまってる。
ttp://www.kawade.co.jp/np/isbn/9784309727097/ すぐ近くに現物の常盤台団地があるわけなんだけど
当時は新婚家庭が生活をスタートするのに最適とされた。
最近の流行りはリノベーションで
副都心でも一等地にあって、その資産価値を保ちたいとの試み。
例えば、無印良品などが手掛けると、あっという間に応募が埋まる。
少し考えたのは、自分の最終目標が、歌謡曲を取り巻く文化の再現なのか
一種のリノベーションのようなものなのか、どうも整理がついてないと。
少なくとも、昭和30年代の録音が貧しく前近代的という感覚からは脱却できているが
その先にあるものを思案する時期にきている。
エグルストンワークスなw
最初のアンドラでブランドネームが出来た瞬間に会社売り飛ばすんだもんなwww
モレルの16cmをバーチカルツインでスラントマウント、後面開放で据えて、ディナウディオ製のエソターとWo。Woは30cmのタンデムツイン、ネットワークはTwがコンデンサ一発、Woはコイル一発。鳴らない箱の功績が大なスピーカーという印象。
（Altec Lansing 1959年カタログより）
ttp://www.hifilit.com/Altec/1959-m.jpg ttp://www.hifilit.com/Altec/1959-c.jpg しかし、なぜヤカン？
中途半端な和洋折衷は、視覚化すると変だとわかるが
音の世界では抽象的で分かりづらい。
オリエタリズムというか、汎アジア的な雰囲気もある。
イサムノグチと山口淑子が短い結婚生活を送っていたような感じだが
両者はジャポニズムという陳腐な単語では到底表現できない。
さりとて日本的という視点からは異質な感じもする。
イサムノグチは柳宗理ではないし、山口淑子は原節子ではない。
欧米から見れば、どっちも東洋的なんだけども。
流行歌をメリケンの古レンジで聴くと、なぜ古風なクルーン唱法が
藤山一郎や淡谷のり子のように、クラシックの声楽をマスターした人から
生まれてきたのか、理由がハッキリするのだ。
間の取り方を含めた息の流れが、口先ではない、芯というか深さがある。
これが、日本風のフラットな特性のスピーカーだと、能面のように聞こえる。
少しリアクションの多い、バタ臭い表現のほうが、見得を切った感じが出る。
これが、低音の迫力、高音の伸びというような、ベタなスペックではなく
浸透力のある中域という、差が見えにくい性能によるのだから表現に困る。
話は逆で、レガートの中にある抑揚の波や、緊張の弛緩が明瞭になる。
むしろ、低音や高音で覆い被せて、誤魔化したオーディオのほうが多く
表面的には、迫力があり、輝かしいのだが、肝心の歌が奥に引っ込む。
・SP盤からの復刻のCD化
・CD初期ならPCMプロセッサーやDAT、近年ならハイサンプリングのAD変換で、マスターテープをデジタル化したもの
だいたいはこの2つに分かれると思うけど、管理はどうなってるんだろう
80年代のデジタル化の初期に作られたマスター音源のように、使い物にならないって話は
あまり聞かないから、それらよりは良い状態で保存されてるとは思うけれど
なのでメーカーは神経質なくらいボーカルの再生にはこだわって、スピーカーを作るそうな
しかしメリケンメーカーが、オペラやシナトラ、エラやカーメン、ドリス・デイで試聴しても
歌謡曲を試聴して音決めはしてないだろう
なのに国産スピーカーより歌謡曲が塩梅良く鳴るのは何故だろう？ 何故かしら？
80年代のバックコートが施してあるテープの方がべたつきなどがあって劣化が激しいらしい
だから熱処理をしてから再生しないと磁気面が剥がれてしまうそう
原盤管理という点ではとても気になっていることで
1960年代までは全ての利権がレコード会社専属だったけど
1970年代から少しずつ崩れていって、原盤管理のみの事務所や
歌手自身もレコード会社を移籍したりと、利権の所在が分散していて
いつまでもリマスターされない音源は、マスターテープの所在が本当に疑問に思う。
ベスト盤が乱発される演歌歌手のほうがずっと危険な状態にある感じがしてる。
国産オーディオって元々壊滅的じゃないですか。
アメリカさんなんかWEとそこ出身者の設計した製品で百科事典ができるくらいだし、BOSEも然り。
国産に見るべき製品は稀くらいに思っててちょうどいいでしょ。
難しいのは、三菱 P610A、2S-305のようなスピーカーに対し
それ以前のオーディオ機器があまりにもチープなこと。
これに加えて、ダイヤトーンのスピーカーが
旧規格のSP盤（復刻を含む）をあまり上手に再生しないし
それが正しい評価だと考えるようになった。
アンプに関してはほとんどが自作なのでメーカー製はないし
カートリッジも消費物なのでほとんど残っていない。
残ったのは録音だけ。
８トラのテープからリマスター出来るかも
そういう所は倒産した会社が多いし廃棄されてる音源も少なくない。
＞1960年代までは全ての利権がレコード会社専属だった
この年代までの人たちが、ステレオ再録音の全曲集とか、よくある昭和歌謡のコンピCDで乱発されてるかと思えば、
SP盤からの盤起こしや、最新リマスターのテープから良質なCDが作られたりするのは、レコード会社専属ってのが大きいのかな
時代が新しくなるほど、原盤の問題がやっかいなことになってる場合も多いはず
NHK技研が昭和30年代に先進的にオーディオ技術を牽引してきた
という一面が大きいように思う。
イギリスのBBCの場合は、一般の人が所有できる機器が販売されたのが
1970年代中頃からで、ステレオ放送が本格化してからのことである。
アメリカの場合は、RCAが1930年代にオルソン式の20cmモニターを製作したが
ダブル・ボイスコイルとラビリンス型エンクロージャーの特別な仕様で
一般にはほとんど出回らなかった。
あえて同じと言えるのはドイツの状況で、大手がOEM生産で結ばれ
1960年代まで船団方式で品質を保っていた。
歌謡曲を考えるときに、オーディオ技術のダウンサイズが
大きくのしかかっているように思う。
NHKでは新しいオーディオ機器への更新を行わなかった。
むしろNHKホールの建て替え、テレビカラー放送（全放送は1971年）に
興味が集中していたといえる。
オーディオ機器にとって1970年代の状況は
百花繚乱と戦国時代の二面性を呈したことになる。
1969年から開発を本格化させ、1978年にようやく試験衛星が完成した。
ttp://www.hummingheads.co.jp/reports/series/ser04/140626.html 放送技術の宇宙開発の提言が1965年というから、なんとも時間のかかる話である。
それでも新幹線同様に支えられた経済成長があった。
＞NHKホールの建て替え
内幸町の旧NHKホールについても情報があったよ
ttp://www.nagata.co.jp/news/news9509.htm 今のNHKホールを作る時に、小ホールとして残しておけなかったものかな
美空ひばりが「真赤な太陽」を歌った『歌のグランド・ショー』（1968年1月7日）の映像があるだけで
あとはNHK交響楽団の演奏しか、このホールでの録音は残ってないみたいだね
紅白歌合戦はNHKホールが小さくて、東京宝塚劇場を使ってた時代
アルテック、タンノイなどの同軸型は開発が1940年代まで遡り
保守性の意味からはNHKの比ではない。
一方で、ポップスに限定すれば、アルテック、タンノイ一辺倒では済まない
パラレルワールドが存在して、黒人ブルースのエスニックな嗜好が
大きく浸食していて、オーディオ的には蔑まれる存在だ。
1970年代のBBCが凄いのは、ステレオ・イメージのダウンサイズを
1975年頃になって改めて体系付けたことで
BBCモニターの系列で説明がつくことである。
最終的にはヤマハのテンモニで、ステレオ・ミックスの技量は一気に変わった。
ステレオ・イメージが奥行き方向にも展開する方向に向かったのである。
一方で、歌手をクローズアップするミックスバランスは古臭くなり
テレビのキャンペーンと連動したものに限定されるようになったと思う。
テレビ放送と連動した歌手中心のミックスバランス
これらが歌謡曲の再生を究める障壁になってると思う。
1980年代からのスピーカーでは切り貼り、前後がアベコベに聞こえる。
ただし、この手法にもルーツがあり
歌謡映画、ラジオ、ドーナッツ盤が横並びになっていた時代の成功体験が
その後の芸能界全体を覆いつくしていると思う。
つまり、そこに鍵があるような気がしてならない。
例えば、1950年代の広告デザインをみると、印刷技術の限界から
単色系の色使いが中心である一方で、デザインとしては洗練されている。
同じことは100～8,000ＨｚというＡＭラジｵ、トーキー、ＳＰ盤の規格から
できることの限界とすごく関連があるように思う。
今どきのグラドルと昭和の映画スターの写真集を比べて
それぞれに求めているものの違いが歴然としている。
同じように歌手の内面性にアプローチする気もないのに
歌謡曲もへったくれもない感じもする。
調整は簡単。色調を最低にして、シャープネスも落とす。
これでとぼけた味のあるモノクローム画質の出来上がり。
改めてモノクロ映画のDVDを掻き出して見直してみると
これが案外面白い。
幕末太陽傳 1957年
二十四時間の情事 1959年
豚と軍艦 1961年
殺しの烙印 1967年
薔薇の葬列 1969年
この時代のサウンドトラックは映像に対するオマケのように思われてるが
ジェンセンの古レンジ1発の100～8000Hzで十分にカバーできるし
セリフのダイナミックレンジが広い。
＞とぼけた味のあるモノクローム画質
2インチVTRじゃなくて、キネコ（フィルム）に録画された1960年代までのテレビ番組は
どれもそんな感じの画質だよね
音楽（歌謡曲やジャズ）もそういうイメージで触れてしまうけど、録音品質はずっと高い
640×480pixだけど走査線のモアレで滑らかさを出してた。
液晶テレビだとデジタル化のディザが目立つ場合もあるので
フィルムっぽい滑らかさを出すのが良いと思うし
かつてのテレビ放送よりはずっと高画質で見れると思った。
サウンドトラックの音質は、SP盤よりも悪い。
画質優先なので、こればかりはどうしようもないかな。
ttps://youtu.be/DXg6UB9Qk0o ttps://youtu.be/DfANFQOLGKA カラーになってから米のTV曲かな。
ttps://youtu.be/2AreefiCrN8 ttps://youtu.be/bOLGv3WPnVQ ﾒﾃﾞｨｱを縦断してソフトを蒐集すると
1950年代には横並びの音質だったのが
1970年代になると、てんでバラバラ。
5.1chなんてみてると、昭和の映画は全部アウト。
普段の映画ファンはどう考えてんだか
レコードマニアよりもひどい状況に感じる。
5～10m離れて定位するのが正しい。
しかし、映画の意図は1mすぐそばで怒鳴っている。
実際の収録も釣り竿で集音していたりする。
この迫力は、しっかりしたモノラル機材でないと出ない。
10xmウーハー、1Lの専用バスレフ箱とか
不思議な宣伝文句が溢れてる。
それでいて500～1000Hzがモゴモゴして
これを回避しようと、通常の音声がカリカリの音。
重低音の沼にはまって悪循環を繰り返してる。
低音が被らないようにしてやるとか
中高域は大人しめにしてやるとか
実際にはAMラジオ並のスペックに戻っていく。
むしろAMラジオ並みのスペックの枠内で
音響をグレードアップさせる方向が難しい。
立派な3wayなんかで聴いたって
音悪いでしょ。
いや、テレビの音声信号って、意外と侮れないぞ。
テレビ放送をベースにしたヨウツベでも、中には
アッと驚く位の高音質のソースがあるからな。
業界が抱える色んな偏見だらけで意外に面白かったな。
歌い方までそのままコピーしたレコード
ジャズ好きの鼻持ちならない会話
零落れたカントリー歌手
テレビ出演の宣伝効果
ハリウッドの浮かれたグルーピー
ロカビリーの先進性を取り巻くほんの一時の事件が
ここに凍結されているように思った。
この後は石が転がるように音楽シーンが移ろうんだな。
録音の新旧を問わず通用するように感じる。
他に真似できない個性を尊重する
難しい論評で誤魔化されない
流行に左右されない価値観をもつ
マスメディアの宣伝・戦略にのらない
高級だとか売れ筋だとかで迎合しない
オーディオ選びにも自分なりのポリシーが大切かも。
言葉では簡単だが、実践は結構難しいかもしれない。
マスメディアに踊らされ、高級機種やベストバイに憧れ、
おまけに難解なオーディオ批評に囲まれては
通常の判断に困るというのが実際だ。
マスメディアから離れて、かつての歌謡曲をじっくり味わおう。
高級機器でなくても、今売れてる機器でなくても、別にかまわない。
機器のスペックなんて、自分の耳で確かめよう。
1950年代の音源とは逆に、200Hzと3-5kHz付近を少し、+1上げるだけで、全然違うものだね
歌声がスピーカーの手前からせり出してきて、上手い具合にリアリティが増す
ザ・ピーナッツ辺りでこの設定が決まると、なんともいえず楽しくなる
1970年代に、接続も複雑で場所も取るプリメインアンプ+チューナーのシステムコンポーネントが若年層に売れたみたいに
単なる流行りでオーディオが売れていくのは、先を考えると恐ろしい・・・
今もそれは変わってないね
チャンネルセパレーションを高めるため指向性が鋭敏になった。
±30度はフラットだけど、それより外は5kHz以上がロールオフするのが多い。
困ったのがボーカルなど中央定位する音で
録音側でリバーブなどで補完してないボーカルはモッサリ聞こえる。
5kHzを持ち上げると、3～8kHzも一緒に持ち上がるので改善する。
ポップスの場合は2ｃｈモノラル、ピンポン・ステレオと呼ばれる左右分解型で
サウンドステージをシミュレーションして理論付けたのが1970年代半ば。
ステレオの奥行き方向の定位は、絵画の遠近法と一緒で、訓練が必要になる。
幼児の絵が並列的なのと一緒の感覚が、スレレオ理論からみた1960年代の録音にある。
面白いのが、近代絵画のモダニズムは遠近法と写実主義の解体にあったわけで
そういう意味でポップスの切り貼りしたような構図とみると、別な理解が可能かもしれない。
これの解体が基調になってもおかしくない。
モダンデザインの単純な構図とは何となく符合しているように感じる。
モダニズムには、商業・工業デザインからファインアートまで様々だが
歌謡曲のデフォルメした描写を、コンサートホールというサウンドステージから
ラジオやテレビといったパッケージに収めて構築する音響デザインと考えると
モダニズムの流れと合わせて考えられるように感じる。
今も続く小型化・携帯化の流れもそのなかに入るだろう。
一方で、私個人が考えている歌謡曲の再生は
歌謡曲に色濃い人間本来のパーソナリティを際立たせるため
今一度、人間の等身大スケールに戻してあげることである。
単純には、モノラル、30cmのフルレンジというのが
形状的にも音響的にも、一人の人間のスケールに等しい。
遠近法＝サウンドステージ、写実主義＝原音再生といった
二次元的なパレットでの描写ではなく
一種のヒト型ロボットのような造形になる。
モノラルは、音響的に一次元のように考えやすいが
部屋との関係でいえば、1点からの3π空間が広がる。
これが音源を固有のパーソナリティとして捉えるのに有効で
歌手と聴き手の関係が客観的に緊密に保たれる。
今のパーソナル・オーディオ、イヤホンでの試聴がある。
これも私個人の意見だが、イヤホンでの試聴は
音源との間に、他者との客観性を示す空間がない。
自分の脳内で音楽が鳴り響く。
これは個人の所有物であり、他者との対話はない。
19世紀の人が夢見たロボトミー技術のひとつに数えることができる。
それを20世紀のオーディオ文化と照らし合わせてみると
「コンサートホールを家に」の合言葉で始まったステレオ再生を
ミュージシャンのパーソナリティとして捉え直すことが必要である。
パーソナリティが歌謡曲にとって、一番重要なアイテムであり
人間の居住空間にフィットした、人間と等身大のモノラル・システムが
パーソナリティの音響的実体感を再生できる。
でもって仕事を終わらせたら12時過ぎだったので時間調整して愛すべきクソ不味くて高いコーヒーを飲みにベイシーへ。
店を開けた直後だったけど、菅原さんが特等席でまあまあの時間、聴いていた痕跡が残っててにんまり。ヴォリュームを抑え目から平常運転に持って行く現場に出くわしてラッキー。
貸し切りで小一時間音を浴びて、次のお客さんが来たので出たけれど、20年前に初めて行った時と同様に爆睡しそうになった。
爆音の類だけれど爆睡できる音ってすごいと思う。
歌謡曲もイケるシステムだよなと思ったのはナイショww
歌謡曲も基本的には、ラブソング＝一人称の愛がテーマである。
歌謡曲をモノラルで味わう。歌手と一対一で対面して聴く。
"日本の歌、日本語の歌（アルテックで聴く）"
ってタイトルで、いくつかブログを書いてた
（まだ続きがある模様）
ここの話題とも少し繋がるんじゃないかな
ttp://audiosharing.com/blog/?cat=832 そういう歌手は歌詞なんてどうでもいいんだろうな
まあ日本語の歌詞すらまともに理解してないで歌ってる歌手も少なくないが
アルテック604シリーズは、1970年代にはクラウン・レコードで使われてた。
同じ時期に、アメリカでＪＢＬがブレークし出したので
新しく導入するところは押し並べてＪＢＬかウェストレイク。
日本ビクターの小鐵氏は、今でも4331を愛用してる。
日本コロンビアがタンノイをずっと使っていて、石川さゆりさんもご愛用だな。
あとピーナッツの録音現場にも出てきた出張録音用のＡＭＰＥＸフルレンジ。
ttp://www.radiomic.org/activity/backnumber/No82/MeMic.htm 意外なのはアルテックＡ７だけど、日本では劇場用でも
アメリカでは録音したあとのプレイバック・モニターに使われてた。
いわゆるミキシングルームじゃなく、演奏ブースで鳴らすモニターで
実物大の生音で演奏の出来、不出来を判断するモニターだ。
ttps://www.mprnews.org/story/2016/03/07/phil-spector-wall-of-sound 新しいヤマハのＮＳ5000について言及しているけど
試聴会場で歌謡曲を積極的に掛けてたのは
この手の試聴会では異例のことで、意気込みだけでも買える。
おそらく、今のメーカーはどこも歌謡曲は全滅だと思う。
ttp://www.musicman-net.com/focus/60-2.html 当時のカッティング屋さんからマスタリングへの道筋が判りやすく紹介されてる。
この続きのＣＤ化の問題点が見どころかな。
生テープ＝原音というのが、当時の主流だったことが書かれてる。
この辺が、アナログvsデジタルの無益な論争と
歌謡曲再生の不味さを物語ってるように思うんだな。
アナログ時代だって手を入れないとダメだった。
機材の差じゃなくて、ノウハウ（＝技）の差。
ねえねえ、70年代にJBLがブレイクってどんな歴史認識してるんですか？
中途半端なアタマでっかちは堪忍して欲しいんだが。
ベイシーのスピーカーシステムで重要なのはJBL 375で
500～4000Hzの浸透力は、歌謡曲にもとても重要だと思う。
同じことは佐久間氏のAltec 288にも言えてるかも。
シアター用だけあって、過入力でも周波数バランス、歪みが一定というのが
本来の強みという感じ。
狭義での録音スタジオのモニターのことなんよ。
英EMIが目を付けた後は、それこそオセロゲームのような感じ。
それ以前のJBLは、ウェストレックス、アンペックスのOEM製品が
辛うじてプロ市場にあった程度。
それ以前は。。。これも偏見かな。
ttp://www.audiosharing.com/people/segawa/keifu/keifu_74_1.htm 歌謡曲に合ってるのは、それ以前のLEシリーズ。
世界的に出荷台数が少ないのと、ゴムエッジの硬化が重なり
ちゃんとしたものはほとんど聴けないのが残念な感じ。
604Eのような強力な高域のものより
604-8Gとかのほうが歌謡曲に向いてる。
というより、トランジスター時代に合ってると言うべきか。
いきなりマッキンに注ぎ込むより
少しプアマンズ～と言われるくらいが丁度良い。
アルテック、ダイナコは今も製造されている。
ttp://www.greatplainsaudio.com/ ttp://www.dynakitparts.com/index.php?route=common/home タンノイの25～30cmクラス、JBL 4312Eくらいが鳴らしやすい。
アンプはラックスのA級アンプ、トライオードの真空管アンプあたりか。
演歌のふるさとはペルーなのか！と思う感じ。
白黒テレビ＆モノラル・ジェンセンで堪能させていただきました。
古いフィックスドエッジに特有の中域ファーストの鳴りっぷりで
テレビ音声もなんのその、一点の曇りもなくドライブしてくれる。
今のチャンデバ設定は、ジェンセンはスルー、ツイーターは5kHzカットで被せてる。
両者を3kHzクロスでやると、高域に滲みのないストレートな音になるが
中域の躍動感に対し、高域がずっとフル稼働で張りっぱなしに感じる。
帯域こそ100～6,000Ｈｚに少し上下を足しただけだが
ラジオ～テレビに使われてた16cmクラスの＋6dBの能率がある。
これは単純に音が大きくなるだけでなく
音の躍動感や彫りの深さも倍以上に拡大される。
強いドライブ感だけに留まらず、間の取り方、アクセントの強弱が明瞭になる。
中域ファーストの鳴りっぷりというのは
基音がポンと鳴れば共鳴する倍音がそれに続くタイミングが正確になる。
声だと、横隔膜から息を押し出すときの力感が出るので
張り上げた声もため息も、重さが一緒に感じる。
こうした音の共鳴、ブレスの躍動感というのが一番違いが出るのが
古い録音に当たったときだ。
新しい録音は、ため息をリアルに抽出するのに
喉をかすれる中高域の雑音をピックアップするけど
これは高域ファーストで息遣いを感じるやり方で
耳元でささやくように、外耳の共鳴域に響きやすい領域を
特別に強調して収録する。
一方で、古い録音は地声とため息のコントラストで収録するので
特に中高域を強調しては収録していない。
タイミングとして遅れて収録されているというのが正確かもしれない。
高域を強調した録音を前提にしたシステムで聴くと
モゴモゴしたカマボコ型のバランスに聞こえる。
一般的にはラジオ声と言われてきた音だが
1955年以降の録音では、単純に帯域が狭いということはなく
スピーカーの再生能力が、高域のパルス成分が抜けると
急激にリアリティを消失するくらい、反応が鈍いことが原因である。
中域ファーストの構成だと、音に不自然さはない。
タンノイやJBLを薦めるのは、SP時代からハイファイに移る時期の
中域のみでもリアリティを保てる伝統をもっているから。
ラックスマンのアンプも、真空管からトランジスターの移行期を投影して
オーディオに必要な倍音の心地よさを追求してる。
重低音＆超高域、DCアンプありきでスタートしたメーカーは
プラスアルファの部分だけに注意がいくように設計して
中域の反応が鈍いものが多い。
そういえば、国際フォーラムの音展（オーディオフェア）で鳴ってたB&Wは
古い録音向きって感じではなかったな・・・
システム全体が超ハイエンドなのに、接続が逆相になってて、それを治す一幕まであったｗ
B&Wも20年前に比べると少しづつキャラクターを変えてきてて
1990年代はともかく20kHzで共振が強くて、その領域のマスキングが支配的で
ピンと張った空気感のサウンドステージが部屋を支配する感じだったけど
最近は6kHz辺りにピントを移した古典的なバランスになっている。（Fig.4参照）
ttp://www.stereophile.com/content/bowers-wilkins-802-d3-diamond-loudspeaker-measurements この傾向がホームシアター向けの600シリーズのほうが顕著なのは
よくユーザーの状況を分かっているという感じもする。（Fig.5参照）
ttp://www.stereophile.com/content/bowers-wilkins-683-s2-loudspeaker-measurements ただし両者共に共通なのが1～3kHzのディップで
この帯域でのチャンネルセパレーションを狙っていることが判るが
アジア系言語の喉音のニュアンスは沈みがちになると思う。
おそらくヘッドホンでの試聴を日常としている人へ歩み寄った結果と思う。
それも見掛けはフラットだが、エネルギーバランスとして隠し味になってるのが実に巧妙。
なで肩の指向性パターンも最近の流行りで
KEF、TADなど同軸型フルレンジ＋サブウーハーのタイプは
癖のなさという点では良識的にできている。
ttp://www.stereophile.com/content/kef-r700-loudspeaker-measurements ttp://www.stereophile.com/content/tad-evolution-one-loudspeaker-measurements 従来はクラシック向けと言われていた特性だが
1970年代後半から1980年代前半のアナログ最盛期の録音で
低域の被りを抑えるとポップスでもいけそうな感じである。
ただし、2.5～4kHz以上のツイーターは今風に鋭敏なので
そこに癖のある古い録音は、違和感もそのまま出すだろう。
これはそのまま、歌謡曲は録音がよくない、という意見につながっている。
AMラジオ、テレビ等の低価格な音響機器でのプロモーションが必須だったからで
ローエンドの100Ｈｚ付近とハイエンドの6～8ｋＨｚの付近に
ドンシャリでエコーの強い化粧が掛かっていることが多い。
この時代掛かった厚化粧が気になって、肝心の表情や仕草に耳がいかない。
じゃあ、録音の厚化粧は、歌の表情を隠すためにやったのかというと
話は全く逆で、昭和の歌謡曲ほど歌だけで表情を磨き込んだ時代も少ない。
この繊細な内実性のほうを引き出して、味わうことがオーディオ装置の目的になる。
これの対策が、100～6.000Hzだけでサウンドグレードを維持できること。
100Hz以下はロールオフ、6kHz以上は位相をグチャグチャにすること。
低音はQの高い古い設計のユニットに合わせてあって
6kHz以上は分割振動、真空管、トランスの高次歪みが伴っていた。
ピュア・オーディオの技術の方向性とは大分違うけど
録音ソースの魅力を引き出すという目的をしっかりもつべきだ。
自慰行為やめれ。
きもい。
ここって歌謡曲を聴くための機器のスレじゃないのよね。
歌謡曲について語る気ないなら…つか歌謡曲が理解できないのなら、人様に読んでいただくレベルにない書き込み持って自分のブログに帰りなよ。
ここはピュアAU板ですが、何か？
（もちろんここで挙がってる歌謡曲も含めて）
その前提で16cm-20cmまでのフルレンジユニットを探そうと思ってる
定格入力が大きい物を選ぶ以外は、特に気をつける部分はなさそうかな
フルレンジも昔のように初心者なら誰でも買ったというものではなく
むしろ嗜好の強いものになったように思うのです。
SP盤時代のエクステンデッドレンジは、現役はJensen P6V、P8Rくらいしかありません。
ttps://www.jensentone.com/vintage_alnico/p8r 特性は中高域がきつく見えますが、45度くらい斜めから聴くとフラットになり
これにツイーターを足せばハイファイ仕様になります。
1本でハイファイ仕様であれば、フォステクス FF165WK、SICA Z004950
TangBand W6-2144あたりがバスレフ向け
あとはバックロードホーン用の強力なやつでしょうか。
1948年にラジオ、電蓄など汎用に開発されたものです。
ttp://www.alliedcatalogs.com/html/1948-115/hr101.html 1960年代前後まではジュークボックスにも使われていました。
ttp://www.jukebox-world.de/Forum/Archiv/Rock-Ola/R.O.Wandboxen.htm ttps://www.youtube.com/watch?v=nUtCjAxGFVc フォステクス、SICA、Tangbandは、単体で1960～80年頃までをカバーします。
これにスーパーツイーターを被せるとかなり汎用性が増すでしょう。
どのメーカーも16cm、20cmを出しているので
口径をどちらかに絞って、色んなユニットを入れ替えてみると面白いかもしれません。
この頃の録音からサウンドステージを意識した空間表現が加わるのだが
Jensenの頃の設計は分割振動を積極的に出す方向にあるので
高域が濁ってしまって奥行き感のない平面的な音場になる。
特にシンセの宇宙空間のような音場には全く付いていけません。
逆にそういう無駄を削ぎ落して、中域の演奏行為に集中したいならば
古レンジでも21世紀の録音はOKです。
ちなみに音場表現でいえば
Tangband＞フォステクス＞SICAの順ですが
中域の厚み、ボーカルが前に出るという点では
SICA＞フォステクス＞Tangbandです。
音場表現だけを意識すればMarkAudioがあり
1975年以降にオールマイティに使えますが
それ以前は、切り貼りしたようなミックスに閉口するでしょう。
古い録音はちょっと濁ってたほうが融通が利くんです。
ダリのZENSORシリーズ、ヤマハのNS-B330とか、売れ筋の小型2ウェイを普通に買うよりは、
ユニットと箱を分けて買う方が勉強になるし、当月にユニット、1か月後に箱用のMDF・・・
といった感じで買えば、財布にも優しいかなと思ったもので
(の時代の愛好家と同じような魂胆だけど、今でも通用するはず）
FM放送の帯域が臨場感を持って聴ければ充分だけど、スーパーツィーターも検討してみるかな
原音再生＝写実主義ではなく
デフォルメを前提にしたモダンアートであるべきと思っている。
アメリカン・ポップアートの流儀に従えば
金髪と唇を強調したマリリン、アメコミを点描まで拡大した油絵
部分写真をキュビズム風にコラージュした作品
デスマスクを使った等身大の石膏像
どれも人間がリアルに感じることの限界を示していて
見る人の感性そのものを問いかけている。
ポップス音楽に関して、再生に関するバロメータが原音再生しかないなら
聴く人の感性に迫る彼岸に辿り着くにはほど遠い感じがする。
スピーカーの原理とオーディオの関係を勉強するなら
最終ゴールを三菱 P-610、JBL LE8Tの
どちらにするかで口径を決めてスタートすれば良いかと。
どちらも名機であり、長らく基準にされてきたもので
今の基準からすれば渋い音ですが、20世紀を代表するユニットです。
スーパーツイーターの追加はステレオ空間の表現に効くのと
可聴域をマスキングして癖を整える効果もあります。
マスキングすると、可聴域のダイナミックレンジも平坦に感じるので
FM放送の帯域だけで聴き込むのであれば邪魔で
むしろ耳の訓練のためにもフルレンジの帯域に絞ることが有効です。
あとは録音年代ごとのステレオ音場の癖とどう立ち向かうか。
これによって高域の過不足が決まってくるんです。
困ったことに、歌謡曲のレベルになると、ステレオ音場そのものがいい加減で
正確であることの意味がよく分からなくなります。
私はとうに諦めてモノラル再生にして、演奏行為のみに特化して視聴してます。
でもその前までは試行錯誤していて、それが経験として生きてきます。
造り手のサウンドポリシーがダイレクトに出る傾向もあって
それが茶道の茶碗のようで、結構面白い世界でもあります。
例えば、MarkAudioの設計者がBBC音域に特化した
10cmパルプコーンを製品化しましたが、これがラジオ向けという意味。
MarkAudio自身は超Hi-Fiのフルレンジの設計方針があっての提言です。
Jensen P6VもAMラジオ向けとして最高に相性の良いユニットだし
三菱P610AもFMに向かうラジオ・テレビの音声チェック用に開発されています。
実はこうしたサウンドポリシーと向き合いながら
自分のオーディオ的嗜好を磨くのが結構勉強になるんです。
P-610、ヤフオクだと2980円からあるね、しかも新品デッドストック品
思った以上に安くて驚いたよ（LE8Tは39000円もする！）
P-610の方が、程度がいい割に安く手に入る個体が多そうだから、
コイズミ無線のDS-200FⅡ、GRS 8FR-8辺りの20㎝フルレンジと合わせて
候補に入れることにした
これも歌謡曲
ttps://www.youtube.com/watch?v=btL7mTRifgk 方針が、良質なフルレンジなのか、できるだけ安価なのか
それなりに絞らないと、結果が出せないまま飽きると思うよ。
方針は良質なフルレンジで、今使ってるスピーカーの好みから、既に出したい音がイメージできてる
焦らないで探そうと思う
ttp://bluegourd.jugem.jp/?eid=167 今手元にあるスピーカーは、このレビュー通りの「聴きやすくて素っ気ない音」
良質なフルレンジを使って、1段上を狙ってる
LS-K711から20cmフルレンジにしても、単純には低域も高域も伸びない。
違いはクロスオーバー付近の吹き抜けで、1～2kHzの表情が変わる。
もうひとつは、無伴奏チェロなんか聴くと判りやすいが、ボーイングの強さが違う。
こうした違いは、ウーハー領域の反応の違いに起因しています。
聴きやすさというのは、中高域の反応を抑えていることにも原因があって
フルレンジはどうしても分割振動がキャラクターとして乗ってきます。
この辺にうるさいオーディオマニアは多くて、代りに表情の大人しいのを好みます。
この方向性ならMarkAudioがイチオシで、次点がフォステクスのFFシリーズです。
ただ、SP盤の時代となると話は別で、逆に分割振動がないと
高域が凹んで聞こえて、表情が沈んでいきます。
古い設計のユニットだと、舟木一夫が表情豊かに歌うのですが
歪みを落とすと、わざと無表情に歌ってるのかと思うくらいで
これが昔の流行歌への一般的な評価です。
この辺がウーハーの受け持つ中域のパワーの違いです。
ttp://www.hashimoto-trans.co.jp/frame/sansuitr.html モノタロウで1個1000円もしないのに500円の送料。田舎暮らしも楽じゃない。
高域の伸びたST-78とカマボコ型のST-17Aを頼んだが
低域のほうは200Hzから少しづつ低下していく。
コアボリュームの関係もあって磁気飽和しやすいらしい。
そういう意味ではオーディオ用でもなんでもないのだが
個人的に興味をもったのが、昭和32年から製造し続けてる
トランジスター初期からの伝統をなんとなく感じたから。
そういえばアキバのトランス屋で
マイク用トランスを購入する若いお客さんが
「どうして低音の伸びたやつはないんですか？」
と言うのに対し、店のオヤジの答えが
「ステージの足音まで拾ってもしょうがないでしょ？」
トランジスター・ラジオに実装するタイプなので本当に小さい。
繋げてみるまでは半信半疑だったが、百恵さんの声を聴いて一安心。
安心のメイド・イン・ジャパンです。
低域は被りがなくなってスッキリして、ボーカルが前に出る
中域のリズム感が粒立ちよくなる、などの効用があって
まずはそれだけで満足。
八代亜紀、キャンディーズなどは、しっかりハマってた。
トワエモアの芥川さんの声もアゴ髭がなくなって好青年に。
逆にドラムが本格的にビシバシ入ってる録音ソースだと
磁気飽和でこんもりしてくる感じ。
吉田美奈子「ケッペキにいさん」辺りでモタモタする。
高域は10kHz以上までしっかり伸びてるんだけど
余韻というかシュワシュワした感じが削がれて、少し線が細くなる。
その分、中域に表情が寄ってくるので、歌謡曲には合ってる。
声をしゃくるときに、大抵楽器が被って、息の途切れる瞬間までは
普段はあんまり気にならないんだけど、この辺りの表情が明瞭。
帯域はそれほど狭めず、中域を太くふんわり押し出す
昭和のライントランスでした。
八代亜紀、石川さゆり、テレサテン。。。
有線、レコード大賞の常連である。
この頃のアレンジで高域も低域も伸びた分、歌声が沈みがちで
なかなか味のある雰囲気が出し切れない。
紅茶だと熱湯、緑茶だと80度くらい、という湯加減が判り辛くて
アナログ盛期の録音にしては高域がチープにキラキラしてるし
かといって高域を丸めると物足りない、という試行錯誤の連続。
そこにサンスイ・トランスを投入すると、不思議に味がまとまる。
味の素のように、ボーカルの旨み成分をよく引き出してくれる。
思うに、ラジオ＝放送規格という枠のなかで生き残ってきた
老舗の手際のよさを感じる。
個人的には、ロクハンと同じくらいのビンテージ品である。
ttps://www.youtube.com/watch?v=oEsxd0Ypo5k カセットテープの音と似通った感じがしたから。
見てみると、テープヘッドの大きさと瓜二つ。
高域の力感の薄さ、低域の割り切り、などのサウンド・バランスは
スペックで考えるより、音声チェックして決まった感じがする。
ことごとく裏切り続けている。
モノラル再生、ギター用スピーカー、ラジオ用ドライバートランス
100Hz以下はいらない、高域は10kHzまで
分割振動、高次歪み、エコー装置
実際には、最初期のハイファイ技術の境界線をグルグル徘徊してるんだが
ラジオ電蓄～ハイファイ～ステレオの違いを出すのではなく
みんな仲良く鳴らせる機器を検討した結果だ。
CDPはCECベルトドライブ式のままだけど
スピーカーは JBL D130＋Altec 802C・511B、N/W：JBL 3120
アンプは1980年代の英国製 EL84トリプルプッシュ
この頃は安い卓上ミキサーが少なくてベリンガー製
あとはUTC製のマイク用トランス
現状は新品で製造していて、価格も手ごろな製品で固めている。
ttp://quwa.fc2web.com/monoralsystem17.jpg その「最初期のハイファイ・ステレオ機材」の頃、S/N比が50db～60db前後を確保できれば優秀とあった
（NHK放送博物館の図書室とか、国会図書館でないと読めない物が多いけど）
今のほとんどの装置なら、何も考えずに60dbを超えるS/N比と低歪みで音楽が聴けてしまうからこそ、
敢えてそういう方向にもっていくのも、また楽しいのかもなぁ
高次倍音はクリップ歪みとは別物で、ハードディストーションとも違うし
音楽に寄り添って発生するので、S/N比ともほとんど関係ない。
むしろ高域に色んな楽音が混雑すると、倍音同士が邪魔して濁りはじめる。
逆に言えば、今の録音は、低歪みのオーディオ装置でも心地よく聴けるように
色んな歪み成分を混ぜ込んで、段々と音が悪くなっている。
すぐそばで演奏してるようにパルス性のパチパチしたノイズを混ぜたり
リバーブ、ハーモナイザーで音の輪郭を太くしたり。
真空管で艶ややかにしたり、トランスで粒立ちよくするのは、ほんの序の口。
そういうことを昔の録音はしなかったので、素のままで鳴らすと何か物足りない。
古いから性能が悪いというよりは、人間が聞いて心地よい音を
オーディオ装置そのものが持つことを要求している。
再生する側の責任＆センスが問われているんだけど
オーディオマニアの大半は古いという理由だけでソフトに責任を被せる。
人間の感性はほとんど進化も発展もしてない。
クラシックの方面で、1980年代から古楽器の録音が増えたが
従来のレーベル毎に違うサウンドポリシーに異を唱えて
製造方法の違う古楽器の音色に正確を期した録音を目指すために
モニターにスタックス製のコンデンサーヘッドホンを挙げるエンジニアが増えた。
つまり通常のスタジオモニターでは、古楽器の倍音を正確に出せる機種はなく
スピーカーのキャラクターによって大きく判断が変わるため
カラーレーションの最も少ないと思われるスタックス社のヘッドホンを選んだことになる。
こんなことを歌謡曲の録音に適用しようとしたとき、単なる笑い話になるのは
広範なメディアに対応するため、どのような音で鳴るかに正解はなく
再生機器と音楽の内容とは、切り離して批評することが常態化したからだと思う。
それがハイエンド・オーディオで持て囃されるスペックとはズレている。
重低音が有効に効く楽曲は？ 超高域の入った録音は？
答は、100Hz付近をブーストした録音が多くて
重低音が伸びていると、ボーカルに被りやすい。
超高域のパルス波でマスキングすると、中高域の癖が抑えられるが
逆にリズム感は平坦になりやすい。
つまり、再生に必要な周波数レンジは狭いのだが
生ドラムのキレ、離れたマイクで歌うボーカルの躍動感まで出し切るのに
限られたなかでのスペックは、むしろ高いレスポンスを要する。
例えば、長岡鉄男は、フルレンジと大口径ウーハーとを比べると
フルレンジのほうが低音のダイナミックレンジは大きいと言っていた。
そのココロは、低出力の信号への過敏さで
大型ウーハーは一定以上のパワーが入らないと動かない。
量感はあるが単調なリズム表現の低音が連続する。
テヌート、アクセント、スタッカートの表情など論外だ。
50～100Hzのために、500～1000Ｈｚの反応を犠牲にするような
ウーハーが本当に多い。
ttp://audio-heritage.jp/DIATONE/diatoneds/ds-33b.html ttp://audio-heritage.jp/CORAL/speaker/bx-1200e.html （この2つも載ってる）
単品スピーカーというより、当時のセパレートステレオのスピーカー部分を単品にしただけのような、
野暮なデザインなのがずいぶん多かったｗ
こういうスピーカーで歌謡曲（ポピュラー）を聴いてた人は、それなりにいたはず
この頃の日本のスピーカーと、ジェンセンのC12R-8あたりは、特性上はそう差はないものかな？
1970年代初頭が、1960年代の技術で製造していたとすると
ジェンセンのギターアンプ用スピーカーは、これより2世代前のスペックです。
開発が1947年で、ちょうどSP盤の電蓄の最後の頃になりますが
ツイーターを追加するなどで、ジュークボックス用に1960年頃まで使われました。
1950年代のポップスは、アメリカでもSP盤が優勢だったという背景もあります。
サン・レコードのエルヴィスも初盤はSP盤でしたし
不況の長引いたイギリスでは、ビートルズのSP盤も存在します。
この頃の設計は、正面特性は中高域が10dB以上持ち上がって
45度首を振るとフラットになるような設計です。一般にはPA用と言われます。
ttps://www.jensentone.com/vintage_ceramic/c12r 現状で5kHzカットでツイーターを加えた特性は以下のようになります。
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-29942.png ところが、パルス波を入力すると、強い分割振動で正面特性に近い反応をします。
ただし、きちんと整数倍に揃った倍音なので、クリーンな感じです。
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-30223.png この辺が、伸びている音はシルキーで、アタック音がビビッドという
相反した組合せが成り立ちます。
1970年代初頭のスピーカーは、伸ばす音もアタック音もソフト。
低音がドーンと広がるピラミッドバランスです。
今のバランスとは真逆かもしれません。
モダンジャズは既に終焉、ハードロックはまだ上陸してない
じゃ、何が似合うかというと、GSとムード音楽です。
よくビートルズ後期アルバムに言及する人もいますが
ラバー・ソウル辺りから女性ファンが一気に減ったと言われます。
熱狂の行方はGSバンドに向けられました。
GSの本当の実力は、ソフト指向ではないのですが
歌謡曲もよく歌っていたのと符合しています。
あとはフレンチ・ポップスも合うかもしれません。
ムード音楽は、ポール・モーリアがデビューして
ヘンリー・マンシーニがステレオ再録してた頃で
それを追うようにムード歌謡、演歌が続いていきます。
奥村チヨ、渚ゆう子、青江美奈など、選り取り見取りです。
国産のステレオ・レシーバーは、国外への輸出も盛んで
物品税の掛からない米軍キャンプでは、本当に飛ぶように売れたようです。
案外、この時代の甘茶ソウルというのも、ムード歌謡とリンクしてそうです。
世界史とJencenの歴史と電気楽器発達史くらい調べてから書こうよ。
肝心要の視点が欠落してるから即あぼんされるんだよ。
ちゃんと的を絞らないと、トンデモない期待をもたせることになる。
特にWE信者の話を聞いて、同じブランドと思ったら大間違い。
結構、間違った情報を鵜呑みにしてる輩が多いのは、ただただ迷惑なだけ。
今回のP12Rは、普通に電蓄、PAなどに用いられたもので
上位機種のP12Nのコスパ重視にしたもの。
このP12Nが、A12、PM12、と続くコンサートシリーズの直系で
よく言われるフェンダー ツインリバーブはP12Nを使ってた。
P12Rのほうは、シルバートーンという格安のギターアンプ。
あとオーディオ用にP12NLというのがあって、これはウーハー用にカスタマイズしてる。
ところが、大音量で長時間使うジュークボックスには、コストの問題が大きく
P12NじゃなくてP12Rが使われた。
もう少し上品なマグナボックス名義の15インチもあったけど
ジュークボックスの代名詞になるロック・オーラはP12Rが標準だった。
その他にP12Rは、8mm映写機やアセテート盤レコーダーの簡易モニターに使われたり
ともかくアマチュア用途には、一番人気のあったユニットだ。
三菱ロクハン、松下ゲンコツなどの高性能ユニットが生産されるなか
旧規格のラジオ用フルレンジもパーツ屋で売られていた。
ttp://quwa.fc2web.com/009.jpg 高性能な6P-W1をJIS箱に入れた特性
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-28674.png 低価格の6P-71をラジオ箱に入れた特性
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-28275.png 残念なことに、ほとんどの人が当時の記憶として思い浮かべるのが
後者の音ということになる。少しはイメージアップを図るべきだが
かと言って、いきなり最新鋭のハイエンドを充てては、うまくいかない。
当時の音響機器を考えると、ジュークボックスというのは
ラジオ以上ステレオ未満というグレードをキープできる逸材になる。
一番の魅力は、ユニット代8,000円というコスパの高さ。
ステレオで使うとベッタリ壁に貼り付いたような音像になるので、相性が判れる。
ただ、歌謡曲の場合は、録音側でサウンドステージが整備されるのが1980年前後で
それ以前の録音だと、ボーカルが奥のスクリーンに広がって、ドラムが右前面に出るとか
今のステレオ定位感の法則から考えると、ともかく変な音像になりやすい。
JBL 4312のように古レンジをベースにまとめてみるのも、それほど悪くないように思う。
1970年代のポップスの再生にはとても適した機種で
JBL 4312E、BBC LS5/9に続いて
歌謡曲の再生に向いてるスピーカーがまた増えたことを
素直に喜ぼう。
問題は価格かな。。。1本15万円でJBL 4312Eの好敵手
25万円を超えるとLS5/9に負けそう。
プアマンズ・マッキン、プアマンズ・ポルシェ、プアマンズ・ライカと
いわくコスパの高い銘品について、その分野の最高ブランド名を冠したわけだが
前置きのプアマンズ＝貧乏人の、という言葉が引っ掛かって結局流行らなかった。
歌謡曲の場合、このプアマンズを冠する機器は、相性がいいように感じる。
何かが抜けているというのが、一種のゆとりを生み出すような気がするのだ。
何が何でも最高という緊張感ではなく、みんなと一緒という分かち合いの精神である。
一方で、共に分かち合った時間が、流行とともに過ぎ去ると
情熱を保持するのに相当なエネルギーを必要とする。
歌謡曲はマスメディアへの露出とともに
家電レベルの機器で貧富の差なく、横並びに聴いていｒたが
今こそ財力を出動して、最高の体験をしてみたい欲望にかられる。
オーディオ機器の評価もまた、情熱と欲望でごちゃ混ぜになってしまうのだ。
プアマンズ＝清貧という言葉にしたほうが、すんなりいくかもしれない。
アンプなら、マッキン→ラックスマン→デノン
スピーカーは、WEレプリカ→JBL→ジェンセン
ミキサーは、EMIカスタム→UREI→ヤマハ
ライントランスは、WE→UTC→サンスイ
という具合。
ただCDプレイヤーだけは、スチューダー→CECの1段落ちと自負してる。
CECのベルトドライブ式のなかでも、一番安い機種に属するので
にわかに2段落ちなのだが。
こうなるとリアル・プアマンズ、下剋上オーディオである。
スピーカーの序列がバカっぽい。
やっぱ歴史認識皆無だよね。
ttps://www.youtube.com/watch?v=6fuuDg1HOoE ST-71に比べて、音色が甘いのなんの。。。スゴイ好み。
喩えが悪いけど、Altecの802を288に変えた感じ。
中域のジュワ～とした旨みが、どこまでも溢れ出る。
高域がどうのなんてどうでもエエわ。
終段プッシュプルの手前で位相反転・分割するためのトランス。
ttp://www.geocities.jp/jnkei/victor_tr-403_ckt.jpg 特性は以下のようなもので、AMラジオ用であったと思われる。
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-4328.png 低域は500Hzから、高域は4kHzから、それぞれ低下しはじめる。
トランスの特性だけみると、さぞかしカマボコ型になってるだろうと思ったが
システム全体で測ってみると、中域が持ち上がってる以外は、それほど減衰はない。
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-6695.png パルス波を測ると、ロールオフした高域は、高次歪みに変わってるらしい。
ttp://quwa.fc2web.com/wps_clip_image-6816.png 高域の直接音は減衰するのに、代りに中域からの倍音で埋めてしまう算段だ。
これをライントランスに使って聴く1950年代の録音は
本当に甘酸っぱいセピア色の世界。
輪郭は甘くボケているのに、瞳が潤んでキラッと光るような感じ。
昭和のラジオの心臓部がサンスイ ST-17Aに詰まっている。
1970年代のラジカセの音に思い入れのある人には是非試してほしい。
キャンディーズがカエル声に聞こえずに、ちゃんと艶めかしい声になります。
NAVレコードの岡田奈々は、まるで恋文をそのまま読んでるよう。
当り前のあるべき姿がそのまま出てくる。
サウンドの構図を絞るのに、トランスがもつ役割はほんとに大きいと思った。
今回のラジオ用トランスというのも、よりボーカル再生の本質にアプローチできたことを
素直に喜んでいる。もちろん、モノラル、古レンジ＋ツイーターという方法も
すべてはボーカル再生のためである。
今となれば、ステレオ空間にポッカリ浮かぶ仮想定位など、ゾッとするばかり。
ヘッドホンで頭内定位するのは、憑依されたようで、もっと気持ち悪い。
モノラルで歌い手の確かな存在を感じられれば、それだけでいい。
アメリカだねえ。
ttp://stylus-groove.com/ ここの店に手持ちのCDを持っていって、EARのプリアンプ+パワーアンプに繋がれたハーベスのスピーカーで
江利チエミの「スターダスト」（1956年のライブ録音）を聴いたら、雰囲気が上手く出てたよ
どの時代の録音でも、雰囲気が上手く出るように調整するには、だいぶ参考になった場所だった
アンプ類のパネルの映り込みが凄いね。
鏡面になってるのかな?
同じ傾向の真空管アンプのメーカーは、MANLEY、A&Mくらいかな。
女にダマされるよりマシとか。。。
ttp://audiosharing.com/blog/?p=22798 日本の歌、日本語の歌（アルテックで聴く・その９）
アルテック+グッドマンのツィーターは、
普通の小口径2ウェイだと絶対に聴けない、大きくて締まった音だった
どこにこだわるかで、出来、不出来の評価も大分違う。
1970年代のアルテックA7のユニット、416-8Cをオンケン箱に入れて
Symbiotikの807-8A+811B、グッドマンズ DLM 2を2機を加えたもの。
ttp://www.audio-heritage.jp/GOODMANS/unit/dlm-2.html アンプはマッキンらしいけど、大きな送信管のアンプもあったり色々。
そう、マッキントッシュだった
最初に行った時は真空管のMA2275だったのが、今年の春から
MA7900に替わってたね
CDプレーヤはラックスマンの真空管タイプ(D-38uだったと思うけど失念）
頑丈で壊れにくいの三拍子で、やはり外せない存在。
家庭用では604シリーズのほうが好まれる傾向があるけど
iconicのブランドで、VOTTのユニットを使用した家庭用システムもあって
こっちのほうがゆったりとして、鳴らしやすい傾向がある。
歌謡曲に1970年代初頭のアルテックのユニットを宛がうのは
偶然だと思うけど、ジャズでもロックでもクラシックでもない
という消去法で考えると、最高のビンテージに挙げられるもの。
JBL 4320、タンノイ モニターゴールド、などと並ぶ存在で
しかも頑丈でコンディションも安定して、使いやすいのが特徴です。
これにマッキンを充てると、ジャズというより、ナイトクラブのムード歌謡。
デパートの電気売り場に積まれるように展示してある中級機は
テレビやラジオでお馴染みの歌手が、それと同じような音で鳴るようにできていた。
その結果、クラシックやジャズは聞けたもんじゃない、という評価が下された。
この文章を咀嚼すると、和楽器のさわりのような音が鳴るんじゃないかと思った。
よく西洋人はさわりの出す不協和音を嫌うと言われるが
じゃあエレキの音に熱狂するのはどうか？ 元になったドブロギターは？
スネアのスナッピー、シンバルのハンドハンマリングなども不協和音だ。
ハスキーボイスも一種の不協和音だが、ポップスではほぼデフォルト。
以前、WEのレプリカを最初に造った人の店に、買う気もないのにお邪魔したとき
アルミ合金の蘊蓄を述べたあとに、「高次歪みがひどいのに音は綺麗なんだよ」
と言うので、「それって倍音でしょ？」と返すと、「お兄ちゃん、うまいこと言うね」と
エラく感心してたのを思い出した。
実は、現在のテレビもラジオも、そういうスピーカーを実装していない。
既にトゲが抜かれた音だ。ある意味では、瀬川氏の論法が勝利した。
一方では不幸なことに、1980年頃よりも、もっと歪みでいっぱいのJ-POPのほうが
トゲのない音のする家電で好まれる。単純に刺激が足りないのだ。
世の中とは不条理にできたもので、ポップスはその影響をダイレクトに反映する。
歴史的認識皆無な自慰は見てて恥ずかしいんだよ。
なんというか歌謡曲からJ-POPになった感じで曲趣も少し変わって聴こえる
夢の中へ、ってあんなに屈託なく明るい曲だったっけ？・・・ｗ
陽水ファンの感想を聞いてみたいところ
A7について言えば、日本じゃ押し並べて劇場用と紹介されてるけど
実際には録音スタジオでのプレイバックモニターとしての使用頻度が高かった。
それに加え、アイコニック名義の家庭用スピーカーはVOTTのユニットを奢ってる
というのが売り文句。そのままVOTTコンポーネントと呼んでることも多い。
そんなことくらいは知ってるよね？
4320～4331はユニット交換されてても中古で結構みるけどL200はまず見ない。
これも日本の特殊な市場環境だろうな。
これを聞いてる限り。。。
ttps://www.youtube.com/watch?v=iCtC_lU6dwE そのうち陽水さんも拓郎さんみたいに
同年輩と話さないなんて言い出すんじゃ。。。
シュガーベイブのほうは2枚目にリミックス版を加えたり。
それぞれの思惑があって出してるんだろうと思うね。
最近ライントランスを変えたら、シュガーベイブは旧盤のほうが音が良くなった。
バンドの一体感があるし、ちゃんと天井の高い音で鳴らせるようになったから。
ご本人はド根性、歪み、と悪ぶってるけど。
もともとHBの鉛筆で書いた線を2Bで上書きしたような感じかな?
最初からリマスターを聴いていればいい音なのかもしれないけど、旧版と比べるとすごく違和感がある。
>シュガーベイブと山下達郎のベスト版のリマスターもそうだけど、音が太いね
達郎さんのBOMBER、ベースの太さに衝撃を受けたけど、リマスター前はもっと細かったのかな
（70-80年代の達郎さんが、自分の親世代が20代の頃の曲なもので、全然知らなかった）
シュガーベイブの2枚組SONGSは、2枚目のリミックス盤の方が明るい、スッキリした音調で好きだけど、
気分で1枚目のリマスター盤もよく聴いてる（リミックス盤より音の線が太い感じがする）
SONGSから、昔の録音の古さを感じさせずに今に甦らせる事の凄さを知って、そこから
60年代のキングレコード・SDSシリーズ、キングジャズシリーズ（50年代）も聴くようになった
旧い録音は旧い音として鳴ってくれたほうが自然に聴けるんだよね。
別に今の音質と比べても遜色ない音が聞きたいわけじゃなくて、その時代の音楽にノスタルジー込みで浸りたいから。
シュガー・ベイブってやりたい音楽とやっている音楽との間にジレンマを抱えて悶々としていたようなバンドで、
それには変に力強くしないで繊細な音の方が合ってると思うんだ。
シュガー・ベイブの1994年のリマスターと2015年のリマスターの比較ね。
「東京ドドンパ娘」の人かと思って聞いたら、湿っぽいを通り越して、ジメジメした声だと思った
こういう声を明るく聴かせるスピーカーは少ないのかな？
それがカーボンマイク一本にダイレクトカッティングで録音されてるんですよ。これが案外綺麗に録れてて。
ttps://www.youtube.com/watch?v=YXfET5Zv3OM ttps://www.youtube.com/watch?v=EXQVF9JIDag きっとこういうのは興味があるんじゃないかと思って。個人的にはミュージシャン魂を感じる企画で好きだ。
ttp://www.coutant.org/we47/ ttp://contents.acoust.ias.sci.waseda.ac.jp/genron/genron-7-2.pdf （P.496） 2つ目は、Western Electric 1A ダブルボタンマイク。電気録音用の最初のもの。
ttp://www.aes.org/aeshc/docs/recording.technology.history/images2/89000.jpg ttp://contents.acoust.ias.sci.waseda.ac.jp/genron/genron-7-1_101124.pdf （P.476） いずれも8kHzまではきっちり収録できるが、コンディションでもレンジ感は異なる。
でも最初期のコンデンサーマイクの録音とか面白いです。
ttps://pbs.twimg.com/media/Cc3riYMUUAAcBat.jpg ttps://pbs.twimg.com/media/DBzLyXAVYAAaTEN.jpg ハイエンドで聴くのも素晴らしいが、フルレンジもたいへん心地いい。
芸者がお座敷で唄ってる感じを再現してみたいな
芸者歌手達の唄を和室聴く場合はスピーカーも和室用に替えねば
R.I.P.
ttps://www.youtube.com/watch?v=hfGFnAfPqTY 当時のミュージシャンや歌手を舐めてない？
ワンマイクできちっとしたアンサンブルにできるのが60年代までの連中のすごさだよ。
ジャズ方面とかだと初顔合わせでワンテイク→世紀の名盤、みたいなのが結構あるし。
歌手用のマイクと楽団用のマイクがあって、それぞれをクリアに録ったり、歌番組として電波に乗せても
ホールの残響や奥行が追加されて心地よくなる・・・
50年代から60年代の日本の録音は、こういう雰囲気の音がとっても多いよ
ttps://pbs.twimg.com/media/DCfI9UBUMAAcgaw.jpg 海道はじめといえばスナッキー。
ttps://www.youtube.com/watch?v=sXv5xa5jMiM ちなみにスナッキー・ガールズは小山ルミ、吉沢京子、羽太幸得子だが、
羽太幸得子は風吹ジュンとよく間違えられているらしい。
ジャケット見ると似てるもんね。
「今、民謡と言えば、みんな三味線の伴奏を付けて、スポットライトを当ててもらって、大会場で歌うイメージでしょ。
でも<ソーラン節>にしても<斎太郎節>にしても魚を獲るときに歌われた労働歌で、漁にはそもそも三味線も袴もない。
もっと原点に立ち返ったほうが、逆に若い人たちには入りやすいんじゃないかと。」
民謡の世界では異端児と呼ばれてるらしいけど、どんなジャンルでも異端児のほうが「分かっている」気がするよね。
金にならないからやらないだけで、ジャズマンだってビッグバンドは大好き
ピアノソロなんて、よっぽどウデがないと聴いてて飽きるw
逆に急遽ステージに立ち、立派に務めたレイ・ブライアントは男をあげたがw
ttps://www.youtube.com/watch?v=OVcbOP0A9EE 多分AU9500とTU9500、スピーカーはLM033。
ジュリーの妹役は元祖「まちぶせ」女の三木聖子。このドラマがデビュー作だったんだね。
来賓は皆喜んでるし喋りも芸人ぽいから素人ではないみたいだけど
ttps://www.youtube.com/watch?v=ugzmfwQbDwA 1963年ソノシートでフランク永井の実況録音が発売されたり、1964年弘田三枝子の実況録音が発売されたりしているが
1970年代のようにあまり各歌手挙って発売するほど人気は得られなかったのはなぜか知りたい
60年代はラジオ向けの収録、70年代はテレビ向けの収録の違いじゃないのかな?
それにしても挙って発売というほど出てないと思うけど。
70年代は4chのライブ盤など結構盛んだったと思う
第四十四条
３ 前二項の規定により作成された録音物又は録画物は、
録音又は録画の後六月（その期間内に当該録音物又は録画物を用いてする
放送又は有線放送があつたときは、その放送又は有線放送の後六月）を超えて
保存することができない。
ただし、政令で定めるところにより公的な記録保存所において保存する場合は、
この限りでない。
このモダンな感覚が失われて久しいんだけど、ヒップホップを通過してまた蘇ってくるかもという気がしている。
ttps://www.youtube.com/watch?v=DescvFxPRok やっぱりオバサンだなw
これは聞かなければいけない。
ttp://radiko.jp/#!/live/TBS これが真珠湾攻撃の前年の録音w
日本が戦前の状況になりつつあると煽り立てるメディアがあるけど、音楽的には戦前の状況になってくれたら大歓迎だな。
まだまだ戦前の状況に追いついてない気もするし。
ttps://www.youtube.com/watch?v=hcyGOHypxyQ 1938年の作品だが、ポパイのモノマネを英語でやってる。
英語が敵性語、ジャズが敵性音楽になるのはまだ先の話。
ttps://www.youtube.com/watch?v=cM5xE1yzozw 特にかしまし娘はジャイブ小唄って感じで日本語の歌をリズムに乗せてるので独特だということ。
戦前と戦後のアメリカノ音楽の入り方の違いは、戦前が映画やボードヴィル経由なのに対し、戦後は進駐軍ってとこじゃないかな?
日本のカントリーはおそらく戦後から入ってきたと思う。
あきれたぼういずも横山ホットブラザーズの流れをくむかしまし娘もルーツは明治末から入ってきて定着拡散してたジャズですやん。
それをいきなしジャイヴと呼ばれると違和感が…
で、ジャズなんだけど、入り方は下記あたりを参考に。海経由で人間が最新流行を持ち込んでるんですわ。
ttp://www5e.biglobe.ne.jp/~spkmas/sub10.html カントリーミュージックは米南部の貧乏白人層発祥で商業的にはジャズよりはるかに後発(20年ほど)。ジャズが明治末には日本に紹介済みであったのに比して、カーターファミリーとかジミーロジャースなんかは昭和初期に日本に紹介されたのかどうか？
昭和18年に敵性音楽一掃のために出された情報局の週報のリストには「ジャズ音楽と、民謡調の歌曲」とあるのですが、それっぽい記載がないところを見ると入ってきていたとしてもジャンル視されるレベルには至っていない様子。
結局、敗戦後に進駐軍やFEN経由で入ってきたものに飛び付いてブームになり、ロカビリーで爆発したものの日本では収束してしまいましたね。
日本でカントリーを前面に押し出した最後の歌手は宮前ユキさんあたり？ (2014年に亡くなられたようですが。)
アメリカ本国では一定の市場はある様子ですが、ジャズのような広がり方はしないままですね。
ジャイブミュージックってのは冗談音楽の総称でジャズと別個に存在するもんじゃないよ。
ジャズ至上主義の人達はなんでもジャズに結びつけるんだけど、
そもそもルーツは1つじゃなくて、いろんなルーツをミックスして新しい音楽を作っていることが重要なんだよ。
カントリーが映画や舞台になって都市部で上映される音楽だったならカントリーも早い時期に日本に入ってきただろということ。
戦後に入ってきたというのは、進駐軍を通じてより生活に密着した音楽が入ってくるルートが出来たということだよ。
ttp://www5e.biglobe.ne.jp/~spkmas/sub10.html の捉え方はステレオタイプのジャズ史観がもとになっているので、
ジャズの中の黒人っぽいと呼ばれる部分をなんの批評性もなく盲信している感じだ。
ブルーノートは本当に黒人が作ったのか?
ジャズのリズム感は本当に黒人が発明したのか?
クレオールが持ち込んだとしたらそもそもフランスにジャズの源流があるんじゃないかとか考えないんだろうか?
とかいろいろとw
音楽的にもまさにあきれたぼういずのような戦前の音楽の復興を目指してたんだなあって思うわけだよ。
あいも変わらず歴史の俯瞰不在で妄言を延々垂れ流してるから突っ込むわけですがw
そもそも明治期の始まりから欧州音楽、アメリカ音楽は官民様々なルートで日本に流れ込んで教育の現場にも浸透していた=文化的素地ができていたわけで、
歌謡曲を戦前にちょいと遡った時点だけをチラ見してそれが全てという書き方は変だろ？アホかいなw ということなんだけど、未だに理解もできてないみたいですね。
音楽のみならずアメリカの文化や生活の流入はアメリカと戦争をしていた4年弱の期間は途絶えたにせよ、それこそ黒船来航から現在まで続いてきたと見るべきでしょう。
美空ひばり？
戦前の音楽の復興？
美空ひばりは川田義雄(晴久)が発見したようなものだし、美空ひばり自身が川田を師と仰いでいたわけだけど、二人とも後ろを向いてたわけではないと思いますけど。
演じて飯を食ってる方は新ネタを貪欲に取り入れてウケてなんぼなわけで、ネタのジャンルにはこだわらないのが不特定多数の一般向け音楽の傾向。
音楽を伝播する主力メディアが時代によって変化するから混ざり合う速度も変化するけれど。
後から民謡や浪曲が入ってきた
馬が疾走するように鳴らせれば
それでしあわせ
世間的にはコミックシンガー、カメラを下げた酔っぱらいのぶらりおじさん、という認識だが
何気にカントリーギターが上手いのだ
反論にしては漠然としすぎて呆れるけど、
まず官民様々なルートで日本に流れ込んでなんて誰でも分かる。
様々じゃなくて、官で何が入って民で何が入ったのかという考察がなければ反論になってないぞ。
文化的素地が出来たなら、あきれたぼういず以外にも他国の音楽をミクスチャーしたのが沢山残ってても良いはずなんだが、
それは資料として残っているのかどうかとか見解を聞きたいもんだね。
>歌謡曲を戦前にちょいと遡った時点だけをチラ見してそれが全てという書き方
どこをどう読んだらそれが全てという書き方に見えるのか?
あきれたぼうずは突出した特殊な事例なんだよ。
なんでそれが全てと勝手に思ったのか?解釈がずれすぎてる。
川田晴久は戦後に美空ひばりとタッグを組んで、戦前の楽しい音楽を取り戻そうとしたんだいうのが自分の見解。
後ろを向いていたというのは曲解も甚だしいな。
ただし、その後のモダンジャズを含むポピュラー音楽の流れからは取り残されたわけでもあるから、
戦前の音楽に固執していた側面もあるかもしれないけどね。
戦前音楽の一番の違いはアメリカ文化の流入以外に、シャンソン、タンゴ、ルンバと世界中の音楽が入ってきたことだろう。
アメリカの文化の流入が生活様式まで替えることになったのは戦後から。
入ってくる音楽もアメリカの音楽の流行に合わせて変わってきたのは戦後が顕著。
そういう意味では戦前と戦後はアメリカ文化との関わり方が違う。
どんなジャンルでも時系列に突き詰めていけば源流に遡ることを余儀なくされる。
ジャンル単独なんてありえないし、全体像を俯瞰してみるのにむしろ有効なんだな。
だいたいネタとかジャンルとかだけで括ってるわけじゃないのが理解できないとまともな反論も出来ないと思うぞ。
ttp://www.ritsumei.ac.jp/acd/re/k-rsc/lcs/kiyou/pdf_26-1/RitsIILCS_26.1pp.71-78SATO.pdf ttps://"まとめ".naver.jp/m/odai/2145473315743821401 NGワードにつき"まとめ"をローマ字に打ち変えて
戶ノ下達也, 長木誠司 青弓社
ttps://books.google.co.jp/books/about/総力戦と音楽文化.html?id=Ua4pAQAAIAAJ&redir_esc=y 大衆＝デモクラシーと言いたいんだろうけど
ラブソングにそういう前提は、単なる言い訳に過ぎないことくらい
中学生だって判るだろうに。
できるだけ当時の想定された環境で聴き、
可能であれば最近の録音も同列で聴けるエフェクティブな再生環境を考察するってのがこのスレの趣旨なんじゃねーの？
特に歌謡曲は色んなジャンルが輸入されては入り乱れたからこそ、
元のジャンルの聴かれてた、現代から見れば特異な再生環境の情報が必要なわけで、
そういうとこ無視して連続性がどうのってただの思考停止じゃねーの
昔の実演とか聴いてみたい
あがた森魚の世界史B
シュガーベイブ、大瀧詠一のアニバーサリーCDのボーナストラック
村八分のライブ数種
探せばまだ出てくると思うけど。
"ADD SOME MUSIC TO YOUR DAY"
山下達郎氏が19才の時(1972年)に友人たちと作った自主制作アルバム
"山下達郎作品集 Vol.1/THE WORKS OF TATSURO YAMASHITA Vol.1"
山下達郎が作曲家として他アーティストに提供した作品を集めたCD
フランク永井等
説明は以下
＊メジャー・カンパニーからリリースされる昨今のコンピレーションＣＤは、各社ともマスター・テープの第三者への貸し出しを渋るため、ほとんどがＤＡＴコピーの使用を余儀なくされています。今回の企画にあたっては、山下達郎本人がテープ出庫に直接立ち会うことにより、全曲オリジナル・アナログ・マスター・テープからのデジタル・リマスタリングで制作されています。
ttp://www.tatsuro.co.jp/fan/ ファンクラブ会員でなくても買える
忌野清志郎のライブなんかファンが録音していたカセットをオフィシャルブートレグでCD化したが
歌謡曲にはそういうオフィシャルブートレグは無いの
リンクの内容は全部紋切り型でもあるし、一元的。
そもそもただで見れるものなんだから当然なんだけど、
それらを総合して、音楽を聞いた上で自分なりの考察がなければ面白くないんだよ。
ラジオ向けの録音が残っていて、復刻がCD化されることがたまにあるね。
去年美空ひばりのやつが出てたけど、他の歌手のやつもあるんじゃないかな?
ファンや興行主、親族が音源を提供したらしい
ttp://www.geocities.jp/fujiskre/km41.html 圧倒的歌唱力は聞いてて気持ちいいぞ
そもそも今の目で見て特異な再生装置なんて必要なかろう。
当時モノと言えど所詮はン十年モノ。懐古厨以外は今の機器で無問題。
参考文献は参考文献で参考にすれば宜しい。
視野狭窄な状態で持論を展開されるのが困るわけだが。
ソフトだってSP最高って人もいる
クラの世界でもピリオド楽器で演奏せにゃダメだろ～、つー一派もいる
まぁ、どんな分野に関わらず、人の好みは十人十色
個人的には超ハイファイ党だけど、人によっては
六十年位昔のJBLオリジナルが最高という方も居る。
お互い文句を言わず共存共栄が一番だけど、現実は
厳しいコトもあるよなぁ。。。
脱毛予防リキッド
けっこう音がよかった。
ついでに大瀧詠一のa long vacationは久しぶりに聴いたら
なんかアレンジも曲も稚拙だし粗ばかり気になって、
たいしたことなかったんだなって感じた。
カーステで湘南の海岸辺りを窓全開の車で走っている時に快く聴けるようになっていると
本人が話していたと歌手の鈴木雅之さんがテレビの番組で言っていたよ。
中島みゆきの初期録音、確かに彼女の微妙な音声が
よく捉えられていて、しかも（歌謡曲に多い）低音過多も
感じさせないバランスの良いのが多いよね。
（スピーカー パイオニアＳ９５５Ⅲ）
制作スタッフがセンス優秀だったのも大きいのかな。
この年代だと、本田路津子のアルバムも良いよ。
日本で、洋楽ポップスやダンス音楽は全部ジャズと言われてた頃（1950年代半ばまで）、
その頃に出たLP「キング・ジャズシリーズ」は、実況録音が1枚のアルバムになってるのも多いよ
ただ、同じ時代の実況録音が当時は日の目を見ないで、最近になってCDで出てくる例の方が多いかもしれない
ここに記載されているプレイリストを聴くと体系が分かったような気にしてくれる。
特に1930年代の曲に名曲名演が多い。
ttp://camp.ff.tku.ac.jp/yamada-ken/y-ken/ex-files/pmaj99s.html#0414 それに比べると戦後の大衆音楽は画一化といっていいのではないか。
情報量がいくら多くても、多種多様な音楽があっても嗜好が画一化されていくので最後には殆ど残らず淘汰されていく。
おそらくピュアオーディオも然り。
戦前の大衆音楽といっても、電気（電燈）が行き渡っていた都市と、
そうでない僻地の農村や漁村だと、大衆音楽も相当な開きがあったんじゃないかな
俺の祖父母（いずれも大正生まれ）がそうだったけど、小学校を上がってすぐに奉公に出て、働きながら切羽詰まった生活のあった農村で、
民謡や俗曲は別にして、ジャズやラテン音楽に親しむ余裕があったとは、とても思えない
そういう文化がラジオ・テレビで行き渡ったのが戦後以降、って認識でいる
80歳近い親戚曰く、実家にラジオが入ったのも、戦後にNHKの鶴岡放送局が出来てからだと聞いたから、そこからの考えだけど
その認識は多分正しいと思うよ。
昔は一部の好事家しか聴かないからこそ多様化したいったのかもしれない。
みんなが聴けるようになったから、みんなが聴けるような音楽になっていくんだろう。
ttp://camp.ff.tku.ac.jp/yamada-ken/y-ken/ex-files/pmaj99s.html#0414 で興味深いのは
昭和初年～ 大衆流行歌....歌謡曲の大量生産
昭和10年～16年 J-Pops の誕生....服部良一、佐野金助、笠置シヅ子
としているところ。
歌謡曲もJ-POPも戦前から繋がるものだということ。
日本帝国海軍軍楽隊「軍艦行進曲」1903 米コロンビア出張録音［1904発売］
作曲：瀬戸口藤吉（1868-1941）
『軍艦マーチのすべて』キング（1998）
初期出張録音盤の一例。洋楽の普及に軍隊の果たした役割は重要であった。
洋楽の普及においての軍隊の役割って以外と見逃しがちだなあと。
庶民は青年団などで流行歌で舞踊会を開いたりしていた
それって明治時代からの話ね。
戦前だから明治、大正も含まれるね。
浪曲が富裕層向けなのかは分からないけど、
例えば三波春夫は浪曲師から流行歌手に転向する時に世俗の歌を歌う事にためらいがあったらしいから、
地位の違いはあったんだろうな。
戦前には縄文時代も含まれると言ってもいいか？
1903年のレコードによらずとも、明治初期から存在した軍楽隊を指導したのは明治24年まではフランス人、以後はドイツ人を招聘してる。
と言うと洋楽は海外すべての国が含まれるとか返ってきそうだがw
それよか文部省の音楽教育の歴史を紐解きなよ。なぜアメリカ音楽が気がつくと日本の隅々に浸透したのか、続いてすんなりジャズが流行ったのかの答えがある。
てか落語の出囃子こそが、和の国の大衆音楽
Wikiで調べたら1934年らしい
舶来だろうが、和製だろうが、リスペクトという文化を認めないとね
MCとかDJとかを名前の頭に付ける人のよりどころだから。
それが駄目だとは言わないけど。
そうじゃなくて常に創造性を発揮しないと伝統は続かないものだってことじゃないかな?
だから異端こそが歴史の中で一番価値のあるものなんだと。
50年以上前の曲で若い世代にも知られてる流行歌は上を向いて歩こうくらいのものだ
「アナログマスターの子（コピーされたマスター）にナレーションを被せて2トラックに直した"孫"だから音が悪い」
「これはアナログマスターの限界で仕方がなかったけど、デジタルリマスタリングで随分改善されてる」
要約するとこんな感じ
歌謡曲やジャズのコンピレーション盤を、コピーされたマスターで作ったから、「昔の録音は良くない」
こういう風な先入観も、未だにあるんじゃないかなと思う
最近は俺も少しずつ、そういう先入観が無くなってきたけど
アナログ録音のマスターを、CD初期の16bitマスターじゃなくてもう一度アナログから24bitにマスタリングし直したのがもともと言われているリマスターだよね。
その後のリマスターは機材の発達で32bitだったりDSDだったり、クロック精度の向上とか変換精度を上げる技術だったりだけど、
もうアナログマスター自体が劣化しているからその復旧にデジタル技術を使っている要素の方が大きくて、
結局のところ、労力の割には初期のリマスターに及ばないものもあるんじゃないかと思う。
個人でオープンリールに録音してた人がいてもおかしくないと思うんだけど
当時の歌謡曲ファンは録音していなかったのだろうかYoutubeにも全然上がらない
テープが残っていたとしても本人が他界したら子供世代は興味ないし再生もできないから捨てられているのかもしれないが
昭和30念生まれが60歳くらい
曲や歌手を知っている人があまり居ない
関西漫才の実況録音もほんの一部の人しか持ってなかったというので
歌謡曲のほうも同じ運命にあったんじゃないかな。
あと放送局自身は、著作権法と資産税のダブルパンチで
良いこと何もないので、積極的に消去してた可能性がある。
このままだと貴重な録音が残らない空白の時代ができるかもな
消さないで中古販売すると捕まりかねんし
資産税かかるの?
有形固定資産?
ttps://youtube.com/watch?v=vD7yFpDZJTc こういうのがもっと聴きたい。
ラジオやテレビにテープ出力が付いたのはいつ頃だろうか。
S30年代の紅白を録音していた人もいたけどマイクをスピーカーの前に置いて録音したんだろうね。
プリアウトの箇所くらいすぐ見つけたかも。。。
録音テープじゃなくてビデオテープだったかも。
事情は紅白のビデオテープが個人蔵だった件とか
色々調べてみると判る。
今と違ってスピーカーを鳴らすのは面倒だっただろう
いや固定資産税がかかるからってビデオを消去したって事例は知らなかったんだが。
単にビデオテープが高価だったから上書きで使っていたと言うだけで。
そもそもテープそのものを有形固定資産としていたのか、中身を無形固定資産として評価していたのかも分かんないし。
>S30年代の紅白を録音していた人もいたけどマイクをスピーカーの前に置いて録音したんだろうね。
S30年代の紅白を録音したよ。
小学生だったけど親父が英語勉強するんだと購入したが
三日坊主で放り出した東芝のカレッジエースというテレコ。
テープは探せばあるかもしれない。
1954年 キングアワーED (現ニッポン放送) 多分わが家最古の録音
ttp://jump.5ch.net/?https://youtu.be/pa-g0GDDwn8">ttps://youtu.be/pa-g0GDDwn8今のAM放送より、ピアノや弦楽の音にリアリティがあるというか・・・驚いた
： [] 2017/07/20(木) 20:46:57.60:XYU1doR4
親世代の歌手をその子供がファンになることは殆どない。普通は本人がいなくなれば処分。
良くてリサイクル店やオークションでまとめ売りでファンに渡ることは奇跡。
でもどうせ日本の流行歌手の昔の放送音源なんて発見されても見向きもされないだろう。
いままでもファンが録音した音源の商品化はほぼ無い。せいぜい視聴者提供の紅白音源ぐらいだ。
海外の有名アーティストのように1960年代ラジオで放送したライブの録音の商品化など皆無と言っていい。
それはTBSで保管されてた音源じゃないか。ファンが録音していた訳ではない。
NHK黄金の椅子田端義夫回、昭和41年放送をアップしている人は80代だそう
放送局やレコード会社に音源提供したところで商品化は期待薄いしYouTubeにアップしてくれるのが一番有り難いが
80代で録音をもっててYouTubeにアップできる人なんて滅多にいないな
80年代アイドルとかだと事情が全く異なる。
おそらく現役を続けてるかどうかだろうけど親子二代でファンというのが結構いたり、生まれる前から聴かせて刷り込みとかやってる。
jorfが、100KWならば、相当聞く人増えてるのに、
USEN付けて、B-10か、9聞け。
ジャンクなら、関係ないです。
80年代迄レックアウト有ったハズです。我が家は、最後迄TV東京の演歌の花道カセットにエアチェックしていました、長距離ドライブの時に皆で聞いてた、
聴きたいのはオリジナル音源ではなく放送音源
心配しなくても(いい意味で)「なんじゃこりゃあ」な音源なんか滅多に存在しないから。
R.I.P.
ttps://www.youtube.com/watch?v=TuxjtlRyh9w 探してもなかなか無いから、AMトランスミッターで、飛ばして60年代の真空管ラジオか、70に年代のトランジスターラジオで聞くのはどうでしょうか？ 都内や千葉のM市の骨董屋さんでやってるけど。
無理筋だろw
NHK辺りならありそうだけど権利関係で公開出来ないだろうし
民放は当時の録音された音源は殆ど現存していいないと思うよ
倉庫とかに運良くあったとしても権利関係で駄目だろうな。
個人が録音した物があるかもしれないが1950年代や1960年代中頃までは
テープレコーダーとテープは高価だし当時の個人で所有している人は極わずかだろう。
それに当時のラジオ局は今より電波の出力が低く又東西冷戦のさなかで
ソ連等の共産圏からの妨害電波や宣伝放送と混信してノイズが酷かった。
特に夜間は酷かった。
ラジオの送信所そばに住み電波状態がいい所で受信して録音している個人は
ホントに稀だろう、宝くじで一等に当たるほうがまだ確率が高い気がする。
若者向け深夜放送のオールナイトやパックが壷にアップされるのは
リスナー対象の学生の殆どが人口の多い団塊の世代で
ラジカセが普及し気軽に放送を録音出来るようになったからだろう。
ツイッターとかで呼びかけたらいいかもしれないな。
もしかしたら、、、。
当時は人気歌手のワンマンショーが結構放送されてたし
著作隣接権は50年じゃなかったか。ワンマンショーなら商品化出来そうだが
TV東京の演歌の花道なら、確かDVD化されていたハズ、それでも、最初の頃のは、無いと思うけど、
近く河合奈保子のDVDが発売されるらしい
テープレコーダーのマイク端子に繋げて録音してたからノイズが入って音質は良くなかった
山川啓介氏まで立て続けに・・・
ttps://www.youtube.com/watch?v=z8-7zpZ9iJ4 マイク端子なら、抵抗入りのケーブル使うの常識だよ、自分は、保育園時代にデパートの電気売り場で店員さんに教えてもらった、
AUXにつなぐなら大丈夫だけど。
録音手段は本当にマイクをスピーカーに近づけるしかなかった？
音声多重TVなら、ステレオです、又は、モノラルLとR独立になってるのも有る。
そもそも付属のイヤホンが片耳しか無いしw
イヤホンジャックがついたのは昭和30年代終わり頃じゃないかな?
昭和30年代の話だろ？
なんでどれもこれも横の方の
見辛くて挿しにくいとこにあんだよ？
前面左下辺りに付けろや！
金持ちの好事家ぐらいのもんだろう
家庭での録音需要が発生したのはカセット、ラジカセ登場以降では
"また1960年代のコンパクトカセット普及以前には、家庭内における簡易な録音機として、2トラック1チャンネルモノラル機がある程度普及していた。"
いわゆる小金持ちね、なんにせよ庶民で買うようなヤツはいなかっただろ
恐らくほとんどは学校の備品需要かな、構内放送用
オーディオマニアの自作の話も無い訳ではないけど、相当珍しかったはず
8mm映写機や幻灯機(リバーサルのプロジェクターやな)くらいの位置付けだったんでねえかな3丁目の夕日的にはw
ファンシーな赤と白の小型アタッシュケースみたいにパカッと開けてはみ出しオープンリールセットw
無線のイヤホンが1000円以下なんで
デビュー前の歌声が収録されている(昭和29年にテープレコーダーで録音)
昭和29年の個人録音でも高音がよく響いてるな。
全然普及しなかったんだな。昔の日本どんだけ貧国だよw
戦後の復興こそが奇跡
未だに欧米以外の非白人国家で先進国となったのは日本のみ
他所のアジア諸国は貧富の差がテラデカいから、もんげー金持ちはぎょうさんおっても
国自体は未だにビンボーw
機会があったらタイムトラベルしてみてくれwww
山口洋子の自伝によると
アレ？用をたす音が聞こえるだったかな？
いずれにせよ、銀座のバーですらショボかったｗ
たぶんまだ明治を知ってる人たちが作ってるから、背景美術もかなり正確だと思う
雰囲気が素晴らしい、南田洋子が美人
ST-78という小型トランスをライントランスに使うと、1970年代のFMラジオの音が蘇る。
元はラジカセなどトランジスター回路に実装された15mm角の終段ドライバーだが
低音を少し落としてくれてボーカルがきれいに浮き上がる。
音調は安いオーテクのカートリッジに似てなくもない。ハイファイだけどちょっと懐かしい音。
ttp://www.hashimoto-trans.co.jp/frame/stcat.pdf 勝手にそう思ってるのは、中高生がお小遣いで買えるラインナップが充実してたからで
甘酸っぱい気分とゴチャマゼになって、音調も少し華やいでいたような記憶がある。
あらゆるところで磁性体が関与していた。
磁性体そのものの音色は、伝送エネルギーの非直線性によって
ちょっとした粘りや、位相の遅れが生じて、それが癖になって残る。
1970年代は、DCアンプなどトランスレスの設計が進んで
段々と直線性の強い音になるわけだけど
肝心なところで磁性体のヒステリシスが味付けとして残ってたと思う。
もうひとつの要件は、ワウフラッターで、意外にグルーヴ感を出す。
33 1/3回転の魔法ともいうべきか、CDにフランジャーを織り交ぜると
グルグルと音楽が無限ループに入ってくる。
あれら全部ヨナ抜き音階なんだよな
東京シューシャインボーイもそう
今じゃヨナ抜き音階なんて全く使われないけど
いつ頃から使われなくなったのかねえ？
江利チエミのカモナマイハウスに、雪村いづみの思い出のサンフランシスコか
ジャズ自体が浸透してアメリカ文化の影響が支配的になったのか
原信夫も渡邊晋もクレイジーキャッツも、進駐軍御用達だったんだなあ
となると、演歌の成立と並行してるよ。
逆にブギウギのような洋楽に和のテイストを加えた理由のほうが
もっと意味があるような気がするけど。
月がとっても青いから 、もそうだけど
ワシはヨナ抜き音階が好きだ。
古い所だと、中山晋平作品にも多いよ。
さあどこでしょう?
なるほど、ヨナ抜き音階は演歌に収束してったのか
元々ブルース・スケールで演奏されてたのを、日本人に合わせて
同じペンタトニックスケールでもヨナ抜きにかえたんじゃないかな
つーか、ブルースにしろブギウギにしろ日本独特なものになっちゃってるよね
古い歌でもイイものはやっぱイイもんねｗ
南部デルタ～シカゴのブルースとは系統が違うかもね。
後者は、カントリー、ロックという形で継承されてるけど
輸入された時期で呼び方が変わる。
でも、個人的には、こういう分類は、あまり意味がないと思ってる。
むしろ、ヨナ抜き＝エスニック、ヨナ抜き＝日本的、という感覚は
単に歌詞の違いで、印象が動いてるような気がする。
「月がとっても青いから」も発売当初は
扇情的な歌を少女に歌わせたと批判されたけど
今は大して騒ぐほどのものではない、という意見がほとんど。
でも、過去のこうした感覚をどう再生するか？ と問われれば
結構、敷居が高いように思う。
女が月明りの下で遠回りするよう誘う、という文学的ニュアンスよりも
耳にしてピンとくるものがあったんだと思うんだが
結局、アップテンポにアレンジしたところで覆い隠せなかったのだろう。
それが何か？ というのが、本当に悩ましい。
いかにも哀しそうな歌を作っただけかとｗ
LPのジャケット
ttps://images-na.ssl-images-amazon.com/images/I/51ERBCKVFCL.jpg CDのジャケット
ttp://merurido.jp/dropbox/front_image/500pix/WPCL11726.jpg 右上の丸の中の日付がLPは1984.5.1、CDは1984.5.25。
LPとCDで発売日が違ったのだ。
ちなみにCD紙ジャケでは1984.5.1になってるらしい。
てことはもともと西洋の民謡をもとに出来上がったんじゃないかな?
スコットランド民謡とかをもとにして洋楽を勉強していた作曲家がつくったんで、
もともと日本土着の音階じゃないのかもしれない。
エレジーって悲歌だっけ
ブルースが哀歌なら、どっちがどっちか区別つかんねｗ
いや、ざくっとwikで見ただけだが、江戸時代から
日本国内に存在していたみたいだぞ。
雅楽の呂旋法（双調・壱越調）と同じって書いてるやんｗｗ
でもハーモニーまでヨナ抜き音階で出来てたら雅楽とは当然違うわけだけどな
エアチェックした、テープ、夜の高速で、聞くと最高だね、うちのお母さんが、沢山録ってた。
歌謡曲と言うから、石川さゆりや美空ひばりが来るとオモタら･･･
詐欺じゃん
美空ひばりはしらん
エコーがかかってる気がする
ttps://www.youtube.com/watch?v=_N8r9JhIzQk 民放AM局もFM局も、音や電波が規格を超えないように抑えるリミッターが必要な上に
放送局独自の音作りがあるから、それによる加工はあるよ
にもある、ニッポン放送の「キングアワー」（1954年）を聴くと、
レンジが狭いのに、BGMが今よりも自然に感じる
ttps://youtu.be/pa-g0GDDwn8 民放ラジオは、プリエンファシスで、NHKは、サウンドイコライジングシステムを使ってる、NHKの方が、チューニング難しいのは、その為です、AFNが、自然な感じ、真空管ラジオにも合う、放送大学FMは、知らない。
吉幾三さんと、天童よしみさんも、良いです。
ラジオは相変わらず楽しめる。
おっしゃる通り。
昔ほどじゃなくても、
ラジオは確実に生きてますよね。
8月30日の「伊集院光とらじおと」でやってた松本隆との対談は面白かったよ
AMが入りづらい環境だからradikoで聴いたけど、タイムフリーでこの土日でも聴ける
顔はまるっきり似てないけど声で楽しめそうだわ
ハイそれまでョが来るのが楽しみだｗ
ttp://www.youtube.com/watch?v=hzdMaQTMDQg 昨年デビュー 35 周年を迎えたみのや雅彦。
デビュー35周年記念リアルライブツアー2016「明日をまだ信じてる」ツアーファイナル、
札幌市教育文化会館(2016 年11月27日)のライブDVDです。
今作品は自身初となる映像作品となっており、デビュー曲「白い嵐」をはじめ昨年リリースされた
自身第2弾ベストアルバム「みのや雅彦 THE BEST2~明日をまだ信じてる~」に収録されている
最新曲まで代表曲づくしのツアーファイナル、ライブ映像をそのまま収録。
また今回、みのや雅彦のライブといえば力強い歌の中にも心にそっと寄り添う優しい歌声は勿論。
今までラジオパーソナリティとして培ってきたTALKもほぼNOカットで収録。
みのや雅彦のライブに来たことがない方でも、また毎回ライブに足をお運び頂いている方でも十分に
「みのや雅彦」を感じ取れる映像作品となっています。
今をありのままに生きる知恵は、アイドルだけにしかないのか。
今明けてゆくあの空に問いかける事
そうあの子は言った
控え目な言葉に秘めた想いの大きさに心震わせ。
自己中小学生の我がまま作文みたいな歌が多い昨今
昔のフォーク・歌謡曲が沁みる。
鈴木愛理が唄った ごめんねジローが
凄かったな。
奥村チヨ以上に奥村チヨだった。
ttps://www.youtube.com/watch?v=Ll6wScPrKvQ ゲスト みのや雅彦
今→CD出してる人
高田みずえが出てたのはある意味タイムリーか?
しかし元祖岡田奈々かわいいなw
●悪夢の早大高等学院(1留)-早稲田大学法学部卒業の55才爺・瀬戸公一朗
●卒業証書やネットパイロティング社の給与明細、自分の部屋の画像を繰り返しupして
「貧乏人www」「貧民www」「中卒wwww」「低偏差値www」を連呼
●公正や人権を学ぶべき法学部で、植松聖と並ぶヘイト脳を醸成
「池沼」「等質」「自閉症」「カナー」といった知的障害者差別用語を
書きまくったネットゴキブリ
東亜板にて、韓国ヘイトレスで暴れまくったと自慢
●怒ったギャラリーのトラップにより、それらの障害者ヘイトレス（一日200個越え）が
ネットパイロティング社内からの書き込みだと暴かれる
●現在もネットゴキブリ瀬戸エテ公一朗＝1000ZXL子＝アンバランス転送＝ぽん として
良識派に徹底した侮蔑レスを書きまくって快楽を得ているサイコパスである
●付いたあだ名がバカアホニゲタクズセンコ、ミスター恥知らず、ミスター卑怯者
●貧困なボキャブラリーで嘘と中傷と煽りしか書けないからIDを20以上使用して自演する
も、バカレスに賛同賞賛するバカ自演ですぐに瀬戸公一朗とばれている
●Yahoo株のみずほインベスター証券で比内鶏、silverfd他の名前で荒らし
自らを一橋大学卒と偽っていたせいで中山康氏に多大な迷惑をかけて逃げた
●現在はコピペ荒らしとして各スレを爆撃中(必死連日1位以下独占状態再び1日200レス)
みずえとみづえじゃ発音も全然違うしねw
ド
ドリフの大爆笑77を
ろ
ろ
録画で観ているのだが、
こ
こ
小柳ルミ子はこの時25歳ってことか。
隣組、ズンドコ節、ほんとにほんとに御苦労ね、酋長の娘等々
ドドドリフの大爆笑は
トントントンカラリと隣組
の替え歌だな
ド
ドリフの大爆笑のゲストは研ナオコかよ。
見て損したw
セクハラでアイドルに敬遠されてゲストで出なくなってったんだろうなw
なぜか？
↓
手抜きの下手なお芝居、つまらんバラエティ
歌っているようでクネクネ踊っているだけの人ばかり
そしてもどれも初めて聞く曲ばかりだよw
マシになった。
（但しアイドル系は除く）
まあ俺は紅白より思い出のメロディー派だけどな
ビッグショーのような番組の方が断然良い
ttp://hayabusa9.2ch.net/test/read.cgi/mnewsplus/1511259183/
今の曲だってちゃんと聴けばそうなのかもしれないが、、、、
音質抜群で驚いた曲
ペギー葉山の学生時代、とかいう曲。
ピュアオーディオ(＋ドーナツ盤レコード）で昭和歌謡を聴いてみた。
音質抜群で驚いた曲
狩人のコスモス街道、とかいう曲。
じゃ、答えられんわｗ
ムード歌謡といえども、当時の大型スナックには
生ビッグバンドが常駐していたということ。
ゴージャスに鳴らし切らないと何もはじまらない。
生ビッグバンドをバックに歌う歌謡曲が聴けるスナックなんてますます想像できないw
ナイトクラブとか赤坂のキャバレーミカドとかの事かと。
そこまで豪華じゃないが各地にあった。
石原裕次郎の映画の舞台になった横浜のクリフサイドは
現存してる。
ビクターのムード歌謡のレコードは当時発売されていた
ビクターのアンサンブルステレオでエコーたっぷりきかせて
部屋の照明を赤とか青にして聴くといいかもだ。
1967年にヤマハがアルテックの輸入代理店
という流れで考えると、
ランサー101、バレンシアあたりでバタ臭い感じも悪くない。
かつて「幻の名盤解放同盟」には、その手の録音が蒐集されていましたな。
青江美奈は、むしろボーダーラインぎりぎりのところを狙った感じで
歌唱力で真実味を補っていたように思うのです。
じゃあ、的を外してしまった歌、針を振り切ってしまった歌は
オーディオとしてどう評価してよいやら。
もはやリーマン生活にどっぷり漬かったオジサンは一緒になれない。
でも気持ちだけは、何か時代の移り変わりを感じ取りたい。
そういう妙に春めいた感覚を、どう表現したらいいのだろうか？
みんなはどう？アナログ？ＣＤ？
マジレスすると
ヤマハのAVアンプ 3070で7.2.4chで
DTSのニューラルポジションかドルビーサラウンドに
DSPがベストだと思う。
SPはもちろんヤマハのね。
これぞジャパニーズサウンドを聴かせてくれる。
ヤマハ・ビューティーといえば、ポプコン、ニューミュージック系を思い浮かべるな。
サラウンド効果でラウンジ風というのは、ほろ酔い気分な感じだけど。
歌謡曲というと醤油味を思い浮かべるけど、日本ビクターは動物性脂肪たっぷり。
霜降り肉のできる前に、ハンバーグやビフテキにバター乗せてた感覚。
シンプルな味付けで聴き込もうというのは何となく理解できる。
ポテトチップスでいえば、うすしお味のようなものだ。
ほたての貝柱の干物のように、噛めば噛むほど味が出る楽曲もある。
このようなものは、かえってソースを掛けないほうがいい。
一方で、味付けがないと、食べにくい食材もある。
例えば、昭和の男女関係。賞味期限も切れ、干からびてる。
アルコールに漬ければ、ふやけて食べやすくなるというものでもない。
ムード歌謡の再生をどう考えるかは、こうしたセンスと紙一重だ。
「春の雪」が一番好きだったがたまたま出逢ったこのLPはたいへん心地良い。
結局それを再生する機材のことを語らないと不十分だな。
オーディオ板だしね。
カートリッジはデンオンかオーテクか、シュアかオルトフォンか
歌謡曲のジャンル分けに従って使い分けるようなこともあってしかるべき。
あるいは、あの歌手にはこのカートリッジという、こだわりくらいあってもいいだろ。
もっと狂え
いずれも業務用中古だな。
アメリカ製も1950年代までの古いやつしかない。
ふつうに蓄音機のほうが良くねえか？
Technicsがありますやん昔から
ナショナル/パナソニック時代の電蓄までさかのぼると
全てのメーカーが当てはまる。メンテに手間かかるけど。
希少なうえ、盤質も気になるし
文化遺産の命を削ってるようで気が咎める。
逆に昭和６０年代以降も音的にイマイチ、きれいだけど迫力が無くなる。
オーディオも中古で、その辺の年代で揃えてる。
プレーヤー： ＤＵＡＬ1019＋シュア44
プリ： ＡＧＩ511
メイン： Ｔ.ＡＭＰ Ｓ-75２台 ここだけ新しい（安いから）
スピーカー： アルテック 620Ａ
一応ヴォーカルがリアルに再生できるってのを目指したんだけど、そこそこ
達成できてると思う。 もし俺と同じで、とにかくヴォーカル優先って人の
参考に、スピーカーの中央にマイク（スタンド設置）を置いて、スピーカーの
上に置いたスポットライトからマイクに照明を当てる。 部屋の照明はオフ。
人間、視覚の効果って凄いからこれやってからヴォーカルのリアルさが全然違う！
毎晩お気に入りの歌手が自分のためだけのコンサートで至福の時間。
1960年より前
1985年より後
このあたりはカートリッジを換えるべきかもな
DL-103ならもっとバーサタイルかな
ＳＸ45とＳＸ68で区分できる。
第二はテープレコーダーの差で
アンペックスかスチューダーか。
第三がミキシングコンソールで
アンペックスの真空管式か、ニーヴのような石か。
総じて、昭和40年から50年までの間で
これらが徐々に移行する。
昭和60年代以降はもはやデジタルだ。
ラジオ→テレビ：1960年代
ＡＭ→ＦＭ：1970年代
テレビを音楽媒体としてとらえると、庶民文化がスッキリと判る。
